L'homme qui rétrécit de jan Kounen (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

En 1956 sortait dans les librairies américaines le roman The Shrinking Man de l'écrivain Richard Matheson. La version française devra attendre un an avant de sortir sous la traduction de L'homme qui rétrécit. C'est également en 1957 que l'ouvrage original sera adapté sur grand écran par Jack Arnold. Cinéaste américain notamment spécialisé dans le fantastique et la science-fiction, on lui doit L'étrange créature du lac noir en 1954, Tarantula en 1955, Le monstre des abîmes en 1958 ou encore The Space Children la même année. Mais de tous les longs-métrages abordant leur récit dans un contexte plus ou moins fantaisiste, L'homme qui rétrécit demeure sans doute son meilleur film..... Après une absence de cinq années, le réalisateur français Jan Kounen revenait l'année dernière avec une nouvelle adaptation du roman de Richard Matheson. Ouvrant l'intrigue sur une citation issue de l’œuvre originale, l'on peut déjà noter quelques différences entre les deux longs-métrages. Tout d'abord plus ou moins fidèle au roman et à sa première adaptation sur grand écran, le héros désormais incarné par Jean Dujardin ne se retrouve plus comme dans le cas de Scott Carey (Grant Williams) au beau milieu d'un étrange nuage radioactif mais face à un curieux événement qui semble être d'ordre météorologique. Pris dans un tourbillon alors qu'il nage en pleine mer, Paul ressent comme un engourdissement au niveau des mains mais n'y prête pas trop d'attention. Cependant, trois jours après, un curieux phénomène physiologique commence à se développer chez ce père de famille marié à Elise (Marie-Josée Croze) avec laquelle ils ont eu leur fille Mia (Daphné Richard). En effet, Paul commence à rapetisser. Après avoir notamment fait des examens auprès d'une endocrinologue (Stéphanie Van Vyve) et après avoir subit une batterie de tests, les résultats confirment qu'il est en excellente santé. Simplement, Paul rétrécit, inexorablement. Mettant sa vie de famille en péril mais aussi la sienne en danger. Enfermé chez lui, et c'est là que cette version diffère drastiquement de celle de Jack Arnold, Paul est désormais confronté à un environnement de plus en plus hostile. À commencer par le chat de la famille qu’Élise est contrainte de laisser à l'extérieur de leur demeure. Le personnage de Mia est un élément plus ou moins secondaire mais qui reste peu ou prou fidèle au roman alors que dans la version de 1957 le cinéaste américain avait préféré se dispenser de son existence. Jan Kounen et le scénariste Christophe Deslandes développent une relation très importante entre le père et sa fille. Rendant ainsi certains enjeux des plus dramatique. Tout comme celle qu'entretiennent le héros et son épouse. Le premier étant réduit au statut d'impuissance due à sa petite taille et la seconde étant ''contrainte'' de faire chambre à part...

L'une des différences fondamentales qui sépare les deux films est aussi le choix de Jan Kounen d'écarter le personnage de Paul de tout contact avec le monde extérieur. Tandis que dans la version de 1957 Scott Carey choisissait durant un temps de continuer à vivre ''normalement'', sortant de chez lui, évoquant son cas auprès des médias ou allant plus simplement discuter avec une personne de petite taille afin de se donner la consistance suffisante pour se croire encore ''normal'', dans celle de 2025, Paul s'isole rapidement du monde extérieur, assis dans un fauteuil témoignant de l'inéluctabilité de sa condition d'homme qui rétrécit pour n'être plus qu'une poupée mise entre les mains de sa propre fille. Puis vient ce moment crucial où Paul ne peut même plus compter sur les siens, convaincus, du moins s'agissant d’Élise, qu'il a finit entre les crocs de leur chat. Tombé dans un panier rempli de vieilleries installé dans la cave, Paul va devoir lutter pour sa survie. Si dans le fond, cette dernière et assez longue partie du long-métrage n'apprendra pas grand chose de neuf à celles et ceux qui connaissent l’œuvre en noir et blanc de Jack Arnold, il se peut que L'homme qui rétrécit version 2025 contente très largement les autres amateurs de ''merveilleux'' et son univers devenu presque impalpable à l'échelle d'un homme réduit à la taille d'une fourmi, d'un moustique ou, plus inquiétant, d'une araignée... Chargés à l'époque de concevoir les effets optiques et les différents truquages, Clifford Stine ainsi que Roswell A. Hoffman et Everett H. Broussard avaient réalisé des prouesses qui encore aujourd'hui impressionnent. Malgré tout, l'apport des images de synthèses et autres CGI permettent aujourd'hui de repousser les limites de l'imagination, ce qui permet à Jan Kounen de laisser libre à la sienne et ainsi d'intégrer Jean Dujardin dans un milieu conçu sur ordinateur, mêlant ainsi VFX, immenses maquettes et fonds bleus pour un résultat très satisfaisant. Parcouru de lignes de dialogue en voix-off, entre pensées philosophiques et phrases toutes faites du genre ''On regrette le temps d'avant, celui-là qu'on voulait changer'' ou ''Ce sera ça ma vie, un combat perdu d'avance'', cette version 2025 n'a pas à rougir face à celle de Jack Arnold... Un retour qui aurait dû être gagnant pour le cinéaste et pour ses interprètes mais qui malheureusement s'est soldé par un échec. En France, L'homme qui rétrécit n'a en effet attiré qu'un peu plus de deux-cent soixante mille spectateurs. Pour un budget de vingt et un millions d'euros, le film n'en a rapporté qu'un dixième environ...

 

Else de Thibault Emin (2025) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Bouh, ce que j'ai pu prendre comme retard, moua! Allez, on remet les pendules à l'heure avant de véritablement entamer cette année 2026 qui est déjà vieille de quinze jours. Pour commencer, on va parler de Else de Thibault Emin, auteur de trois courts-métrages entre 2006 et 2008 et puis, PAF ! Silence radio côté mise en scène et écriture, pour changer de poste et être mis en avant par Lewis Eizykman en 2014 avec La momie, Etienne Fu-Le Saulnier en 2016 avec Little Party Queen et Dan Cohen en 2019 avec Oléastre... De retour derrière la caméra en 2025, Thibault Emin sort donc son tout premier long-métrage en salle le 28 mai et là, comment dire... Alors que l'on ne cesse de vanter abusivement le cinéma de Julia Ducournau, c'est peut-être pourtant du côté de cet ''inconnu'' qu'il fallait voilà huit mois en arrière, détourner le regard. Objet de fantasme personnel réunissant différentes formes d'inspiration reconnues ou non par son auteur, Else semblera sans doute pour certains s'être pourtant perdu dans un dédale de prétentions. Chose que paraît cependant nier la légèreté avec laquelle Thibault Emin introduit les personnages. Reprenant le concept de pandémie sous un jour nouveau, le film tourne autour de Anx (Matthieu Sampeur) et de Cassandre (Edith Proust). Un couple étonnant, formé par un homme réservé et introverti face à une jeune femme, au contraire, plutôt extravertie. Un jeu du chat et de la souris s'installe entre les deux personnages tandis qu'autour d'eux, le monde bascule, s'effondre vers un chaos inédit. En effet, un curieux virus ne transforme non pas les victimes en enragés basculant dans une violence outrée mais provoque de très étranges mutations physiologiques. En cela, Else s'éloigne des contingences habituelles pour osciller vers une forme de Body Horror dont l'une des formes les plus saisissantes fut visible voilà plus de trente-cinq ans dans Tetsuo du réalisateur japonais Shin'ya Tsukamoto. Œuvre magistrale et jusqu’au-boutiste incorportant les modifications corporelles dont était la victime le personnage principal. Sur un ton abandonnant la configuration cyberpunk et industrielle de ce véritable film culte, Thibault Emin prépare la ''chair'' à accueillir en son sein, tous types de matériaux. Le virus contraignant ainsi nos deux jeunes et fougueux personnages à éviter tout contact avec leur environnement...

Installés dans un appartement fourmillant de détails visuels propres à pousser Anx et Cassandre à commettre l'erreur qui pourrait les faire rejoindre le lot des victimes, l'un et l'autre jouent à un jeu passionnel guidé par la jeune femme, beaucoup plus libérée que son compagnon. Par petites touches, cette idylle dont la posture ''post-adolescente'' amuse parfois est grippée par de menus détails qui témoignent pourtant du drame qui insidieusement va s'installer entre les quatre murs de l'appartement. Bruits étranges et contacts physiques avec certains objets laissant de curieuses blessures. D'un univers enjoué bien qu'étant pourtant claustrophobe, Thibault Emin adresse au public un message de prévention autour d'une maladie physiquement dégénérative dont les conséquences sont plus ou moins inédites. Bruits étouffés, échanges verbaux avec une voisine à travers un conduit, ce qui n'est pas sans rappeler l'univers étrange mais remarquable d'un certain Delicatessen signé de Marc Caro et Jean-Pierre Jeunet en 1991, Else installe un inconfort qui culmine lorsque l'appartement est investi par de drôles de ''créatures'' dotées d'un point sensible : l'œil ! L'étonnement laisse alors la place à une certaine forme d'incompréhension sublimée par des plans ravissant le regard du spectateur. L'un des atouts majeurs du film, car il en existe bien, est sans doute cet ''échange de bon procédé'' consistant à figer les victimes du virus dans une posture ''minérale'' alors même que tout objet inanimé s'en trouve par définition mue d'une vie propre et ''absorbant'' la vigueur de leur hôte ! Entre science-fiction, dystopie, comédie romantique, huis-clos, Body Horror et voire même horreur cosmique, Else éprouve la sensibilité des spectateurs en jouant sur différents tableaux. Si la magie opère parfois, le concept ampoule malheureusement aussi l'intrigue en ne sachant pas toujours sur quel pied danser. Plus que la prétention dont Else semble être gavé, nous évoquerons davantage une ambition, une générosité et la propension du cinéaste à injecter tout ce qui lui passe par la tête. En résulte une œuvre qui peut soit perdre les spectateurs, soit les épuiser, soit finalement les séduire. À chacun donc de se faire sa propre opinion sur ce premier long-métrages d'un artise très prometteur...

 

Valensole 1965 (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Alors qu'en 2025 Valensole ne compte qu'un peu plus de trois-mille habitants, cette petite commune des Alpes-de-Haute-Provence s'est rendue célèbre à deux occasions. Tout d'abord en 1928, lorsque Jules Ughetto et Stefan Mucha se rendirent cette année là au soir du 2 décembre dans la ferme des Courrelys où il tuèrent les cinq membres de cette famille afin de dérober leurs économies. Arrêtés puis condamnés à la suite de leur procès, le premier sera condamné à mort tandis que le second, alors âgé de seulement seize ans, sera condamné à vingt ans de bagne. Mais lorsque l'on évoque Valensole, c'est moins pour cette sordide affaire criminelle que pour l'événement qui se produisit dans la nuit du 1er juillet 1965 aux environs de 5h45. En effet, alors qu'il travaille dans son champ de lavande, l'agriculteur et apiculteur Maurice Masse est témoin d'un événement extraordinaire. Au beau milieu de son champ de lavande, l'homme aperçoit un engin de forme ovoïde posé au sol avant de distinguer deux êtres de petite taille ne dépassant pas les un mètre. Possédant une grosse tête et vêtus de combinaisons gris-vert, l'un d'eux dirige un objet en sa direction et provoque chez Maurice Masse une paralysie et l'incapacité de parler. Ses autres sens pourtant toujours en éveil, il voit ensuite les deux humanoïdes remonter dans leur engin qui alors s'envole pour disparaître en un instant. Témoignant auprès de son épouse et du propriétaire du bar où il a ses habitudes, ce dernier relègue les informations auprès de plusieurs villageois avant que celles-ci ne remontent rapidement jusqu'à la Gendarmerie... L'on connaît la suite : entre moquerie, scepticisme et intérêt, l'affaire attire curieux, journalistes et même un certain Professeur Lacombe (l'acteur Vincent Roger), ufologue et seul a véritablement croire l'histoire de Maurice Masse... Celles et ceux qui espèrent trouver une alternative hexagonale aux récit produits à la chaîne outre-atlantique peuvent d'ors et déjà passer leur chemin. Avec son allure de téléfilm estival produit pour les chaînes nationales françaises, Valensole 1965 porte un intérêt sans doute certain pour l'extraordinaire mésaventure de son héros mais ne l'aborde jamais sous l'angle exclusif du ''merveilleux'' ou du ''sensationnel''...

Non, ce qui intéresse tout d'abord le réalisateur et scénariste français Dominique Filhol est le point de vue des témoins mais aussi et surtout le ressenti de Maurice Masse, magistralement interprété par Matthias Van Khache. Loin des grandiloquences qui sont le fond de commerce du cinéma tout public, le film porte un regard inédit sur le témoignage de l'un de ces faits relativement extraordinaires qui osa témoigner sans penser au préalable aux conséquences. Car outre la réaction propre à l'entourage direct de Maurice Masse, de son épouse Jeannette (Vahina Giocante) jusqu'aux amis de l'agriculteur, celle des curieux, journalistes et badauds venus se rendre jusqu'à Valensole pour découvrir les lieux ou interroger la ''bête de foire'', Valensole 1965 pose de véritables questions morales sur l'impact social et sur l'isolement d'un témoin qui semble parfois douter non pas de ce qu'il a vu mais mais des répercussions que peuvent engendrer cette rencontre du troisième type sur sa santé mentale et physique. Bien que Valensole 1965 ait bénéficié d'un budget que l'on peut juger de ridicule en ne dépassant que de peu le demi-million, Dominique Filhol réussit le tour de force de pallier au manque de moyens en traitant son sujet sous l'angle de l'émotion et du réalisme. Ce qui n'empêche pas le long-métrage d'offrir quelques vertigineux plans comme ce travelling vertical s'éloignant de Maurice Masse alors plongé dans un lac où lors de cette fameuse séquence durant laquelle une sorte de sonde provenant de la soucoupe est plongée dans le champ de lavande : une série d'images spatiales et terriennes évoquant ''l'histoire'' de notre planète : comme si la sonde en question extrayait la ''mémoire'' de la Terre pour en retenir certaines préoccupations dans l'ère du temps (passé et présent) comme la fonte des glaces ou des guerres nucléaires envisagées dans un futur plus ou moins proche. Valensole 1965 est en outre doté d'une très belle partition musicale que l'on doit au compositeur américain Mark Yaeger. Bref, si l'ufologie vous passionne et en particulier '' La Rencontre de Valensole'', si la sobriété est pour vous de mise lorsqu'il s'agit d'un événement ayant réellement eu lieu et si vous n'êtes pas trop regardant sur le peu de visions ''extraordinaires'' étalées à l'écran, le film de Dominique Filhol est fait pour vous. Personnellement, ma compagne et moi avons été conquis...

 

Daehongsu de Byung-woo Kim (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Pour terminer (ou presque) cette année 2025, petit tour vers la Corée du Sud, une contrée que je n'avais cinématographiquement pas parcourue depuis quelques temps et qui depuis le 19 décembre dernier sur Netflix nous convie à une aventure plutôt intéressante qui à travers le dernier long-métrage du réalisateur, scénariste et monteur Byung-woo Kim intitulé Daehongsu mêle les genres avec un certain talent. Sorti à l'internationale sous le titre The Great Flood (ou, La grande inondation), le long-métrage est disponible chez nous sous celui de Submersion. Invitant le spectateur à assister à l'engloutissement d'un ensemble immobilier submergé par plusieurs vagues de tsunamis provoquées par la chute d'une météorite à la surface de notre planète, le pays est désormais partiellement englouti sous les flots. Les différentes calottes glacières se sont effondrées et ont causé une très importante montée des eaux. L'intrigue se déroule donc au sein d'un ensemble d'immeubles et lorsque l'intrigue démarre, l'eau a déjà atteint le second étage de celui où vivent Gu An-na (l'actrice Kim Da-mi) et son fils Shian Ja-in (Kwon Eun-seong). Les pieds dans l'eau, la jeune femme dont l'époux est décédé dans un tragique accident de voiture va alors tenter de survivre en remontant les différents étages de l'immeuble jusqu'à son sommet, accompagnée par un fils plutôt réfractaire à l'idée d'obéir à sa mère. Ce qui aura d'ailleurs souvent tendance à provoquer crispations et agacement chez certains spectateurs qui auront probablement de mauvaises pensées à l'idée que Gu An-na aurait mieux fait d'abandonner son gosse plutôt que de se coltiner ce véritable boulet jusqu'au sommet de l'immeuble. La jeune femme pourra lors de l'aventure compter sur l'agent de sécurité Son Hee-jo (Park Hae-soo) dont la priorité est d'aider la mère et son enfant à accéder au toit où les attend un hélicoptère censé les emmener jusqu'à un abri temporaire... Bref, l'on aura très vite compris que Daehongsu joue ici la carte du film catastrophe. Doté d'excellents effets-spéciaux montrant ponctuellement des vagues de tsunamis emporter des dizaines d'habitants, inondant des étages entiers de l'immeuble et causant par conséquent de nombreuses morts par noyade, le long-métrage de Byung-woo Kim risque tout d'abord de donner des frissons d'épouvante aux personnes atteintes d'ablutophobie. Celles-là même qui donc sont victimes de la peur irrationnelle de mourir par noyade !

Le film est partagé en deux parties. Et lorsque intervient la séquence située sur le toit de l'immeuble alors que le spectateur et les protagonistes viennent de vivre une importante somme de situations critiques (dont la tentative de sauver un enfant coincé dans un ascenseur qui se soldera malheureusement par un échec), tout ou presque semble être dit. Mais alors que l'on découvre que la moitié seulement du récit vient de se dérouler, le film prend une tournure tout à fait inédite... En effet, ce qui jusque là n'était qu'un film catastrophe et de survie se mue en un long-métrage faisant la part belle à la science-fiction. [ATTENTION SPOIL!!!]. En effet, le cinéaste sud-coréen semble rembobiner le récit depuis le tout début de l'aventure. Au moment où Shian (dont le réalisateur n'aurait pas pu trouver meilleur prénom tant il s'avère effectivement... CHIANT!) réveille sa mère. Ce qui offrira l'occasion au spectateur de découvrir que la suite du scénario recèle de nombreux renversements de situation. Alors que la seconde partie s'observera comme une boucle temporelle s'inscrivant dans une réécriture du récit n'ayant pourtant moins à voir avec un bouleversement du temps qu'avec une expérience menant à créer une nouvelle forme d'êtres humains (la survie de l'humanité étant devenue inenvisageable), l'on découvre un projet que l'on n'était jusque là pas en mesure de prévoir. En cela, Daehongsu est plutôt une bonne surprise. Contrairement à ce que l'on pourrait penser, le mélange des genres est plutôt bien réalisé et ne perd jamais vraiment le spectateur dans un gloubiboulga de références s'entrechoquant de manière floue et labyrinthique. Non dénué de défauts et bien que le cinéaste accumule les séquences à effets-spéciaux, l'intrigue se traîne parfois en longueur. Deux heures ou presque à voir les deux héros du récit monter les étages, pour retomber quelques niveaux plus bars concernant Gu An-na et pour la voir ensuite les remonter. L'exercice semble parfois être plus épuisant pour le spectateur qu'il ne l'est pour les protagonistes. Passons sur la séquence durant laquelle la jeune femme se noie mais est réanimée par Son Hee-jo alors qu'elle est encore sous l'eau. S'agissant d'une séquence se déroulant bien avant que l'expérience de la seconde partie n'ait débuté, son réveil alors qu'elle est censée être morte noyée frise le ridicule. Passons également sur les quelque ventres mous larmoyants qui ralentissent l'action et l'on tient là une production plutôt sympathique et originale...

 

Altered de Timo Vuorensola (2025) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Les films de science-fiction dystopiques confrontant différentes couches de la société circonscrites dans des quartiers ou des zones d'habitat sont légion. Il en est même qui poussent le concept jusqu'à situer tout ou partie de leur action à bord de stations spatiales où seuls les plus riches peuvent venir s'installer et se prémunir de la pollution, des maladies ou de la famine comme ce fut le cas avec Elysium de Neill Blomkamp en 2013. C'est donc sans surprise que débarque Altered, dernier long-métrage du réalisateur finlandais Timo Vuorensola auquel on doit notamment Iron Sky 1 & 2 en 2012 et 2019 ou Jeepers Creepers : Reborn en 2022... Avec un tel pedigree, on sait déjà à quoi s'attendre et avouons qu'au bout d'une petite dizaine de minutes, l'envie de cesser la projection d'un film qui ne s'avère être apparemment rien d'autre qu'une énième purge est tentante ! Plus ou moins exigent mais prenant avant tout plaisir à jouer, l'acteur anglais Tom Felton, devenu célèbre grâce au rôle de Draco Malfoy dans la saga Harry Potter, a donc accepté de jouer en 2025 le rôle de Leon, jeune homme paraplégique et véritable génie de la mécanique qui veille sur Chloe (Liza Bugulova), une adolescente dont les parents sont morts. La société étant divisée en deux secteurs, les privilégiés, nommés ''Genetics'' vivent dans les beaux quartiers et bénéficient de privilèges auxquels les '' Specials'' n'ont pas droit. Et bien entendu, Chloe et Leon font partie de ces derniers. Tandis qu'un groupe de terroristes qui se fait appeler les ''Anti Genetics'' s'attaque à des représentants de la communauté des ''Augmentés'', nos héros découvrent bientôt que le groupe en question est en réalité mené par le Colonel Volkov, un exécutant du Régime Génétique incarné à l'écran par l'acteur russe originaire de Moscou, Igor Jijikine. Une manière de convaincre les derniers réfractaires de l'utilité de débarrasser une bonne fois pour toute la société de ceux qui certains appellent des ''Monstres''. Dans le cas de Altered et contrairement à la franchise X-Men, la ''valeur ajoutée'' s'agissant des capacités physiques augmentées de leur porteurs est une qualité et non plus une tare dont il faut masquer l'existence. Au contraire, ceux qu'en des temps propres à notre époque l'on considérerait encore comme des gens normaux sont ici considérés comme la lie de la société puisque ne bénéficiant d'aucune aide spécifique de la part de l'état...

Et c'est là qu'interviennent deux autres personnages. L'actrice britannique Aggy K. Adams incarne la très populaire chanteuse Mira tandis que l'acteur gallo-américain Richard Brake Interprète le rôle de Kessler, un ingénieur. Tous deux auront une importance considérable puisque l'un et l'autre prévoient d'imposer une loi permettant aux ''Genetics'' et aux ''Specials'' de vivre enfin ensemble... Mais bien entendu, le Colonel Volkov ne l'entend pas de cette oreille et s'en prend tout d'abord à Mira, sauvée in-extremis par Leon, lequel s'est fabriqué une armure lui permettant de se déplacer et de développer une force suffisante pour combattre l'ennemi... Pour être très clair, Altered est souvent d'une laideur visuelle repoussante. Il faut être capable de supporter la première séquence pour pouvoir ensuite suivre les aventures du trio principal Leon/Chloe/Mira sans être totalement écœuré par le si peu de soin apporté aux décors et aux effets-spéciaux. Témoignant sans doute d'un budget ne dépassant pas les dix ou quinze millions de dollars. Tout ou presque sonne faux. Probablement tourné en studio, le long-métrage de Timo Vuorensola est d'un point de vue artistique plutôt rachitique. Comme un jeu vidéo de science-fiction dont les décors auraient manqué de véracité et d'une faune de PNJ véritablement vivante... En contrepartie, le finlandais imprime au film une certaine énergie qui parfois parvient à remédier au manque de crédibilité des environnements. Le long-métrage a surtout la chance d'avoir comme acteur principal Tom Felton qui malgré la petitesse et le manque d'ambitions réelles du projet se donne à fond et s'avère tantôt drôle, tantôt émouvant. Surtout lors de son échange avec son père, dans la chambre d’hôpital où le jeune paraplégique est alité. De là à dire que le film vaut véritablement le coup d'être découvert serait exagéré. D'autant plus que, comme je l'ai déjà écrit au dessus, la première partie est vraiment catastrophique et ne donne pas envie de poursuivre l'aventure. Au final, Altered ressemble à un téléfilm de science-fiction dystopique, mélangeant les genres sans complexe. Entre comédie, drame, action et film de super-héros...

 

The Running Man d'Edgar Wright (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Chasse à l'homme contre chasse à l'homme. D'un côté, le blockbuster américain d'Edgar Wright The Running Man et de l'autre, le franco-belge Les tourmentés de Lucas Belvaux. Commençons dans ce premier article avec le film du cinéaste britannique. Si à priori les cinq millions de budget du second n'ont aucune chance face aux cent-dix du premier, n'allons tout de même pas trop vite en besogne... En préambule, je me dois d'être tout à fait honnête en reconnaissant que la première adaptation du roman de Stephen King sous le pseudonyme de Richard Bachman datant de 1987 ne m'a jamais fait ni chaud, ni froid. Pour un budget qui à l'époque était au demeurant fort conséquent (27 millions de billets verts), le Running Man de Paul Michael ''Starsky'' Glaser avait tout du bon gros nanar financièrement survitaminé. Et c'est un ancien fan de l'écrivain qui vous le dit... Engagé à l'époque pour tenir le rôle principal de Ben Richards, l'acteur Arnold Schwarzenegger était le candidat idéal pour incarner le héros quasi-inexpressif d'une œuvre de science-fiction et d'anticipation bourrée d'énergie mais manquant foncièrement de profondeur sociologique ! Près de quarante ans plus tard, l'auteur du génial Shaun of the Dead, de Hot Fuzz, du Dernier pub avant la fin du monde ou du surévalué Baby Driver revient au cinéma avec SA vision du roman de l'écrivain américain. Une expérience de plus de cent-vingt minutes qui ne réconciliera certainement pas les amateurs de pétarades visuelles et sonores et les spectateurs dont les exigences ne s'arrêtent pas au simple afflux ininterrompu d'effets-spéciaux numériques. Après une bande-annonce qui autrement que de m'avoir alléché les babines les avaient rendues totalement exsangues, j'étais certain de passer un moment long, pénible et assourdissant en me rendant dans la première salle de cinéma projetant le film. Et pourtant, toujours ivre de découvrir LA dernière adaptation de mon idole d'adolescence malgré de nombreuses déconvenues (Maximum Overdrive, qui fut réalisé par ses soins en 1986, les mini-séries Le fléau de Mick Garris en 1994 et Shining en 1997, le catastrophique La tour sombre de Nikolaj Arcel ou encore Doctor Sleep de Mike Flanagan), j'ai donc fait l'effort de me rendre au cinéma pour en ressortir deux heures plus tard en passant par la petite porte de secours. M'assurant que personne ne m'avait vu me faufiler ce jour-ci dans la salle projetant ce The Running Man qui pour moi demeurera de triste mémoire...

Tout comme Baby Driver voilà huit ans, le dernier long-métrage d'Edgar Wright n'est rien de plus, rien de moins qu'un énorme coup d'esbroufe. Jouant la carte de la surenchère, avec sa bande musicale aussi tonitruante qu'insupportable et dont les effets contraires au plus efficace des antiémétiques sont incroyablement redoutables, The Running Man est tout ce que je déteste. Éludant dans les grandes largeurs le message socio-politique s'agissant du fossé qui sépare le monde en deux, entre l'élite et ceux qui vivent dans la pauvreté, ainsi que le concept vu et revu des dizaines de fois consistant à transformer notre univers en une arène télévisée où pour survivre, l'homme accepte de s'exposer dans des jeux de mort afin d'assurer son avenir et celui des siens sont réduits à peau de chagrin. Glen Powell reprend donc ainsi le rôle tenu par Arnold Schwarzenegger. Cette fois-ci, au moins, le personnage est enfin capable d'émotions. Ce que tend par contre à lourdement démontrer Edgar Wright en surexploitant le caractère volubile et agressif de son principal protagoniste. Si dans les grandes lignes le film d'origine et son remake reposent effectivement sur un même concept, la version 2025 cache les limites de l'adaptation d'Edgar Wright et du scénariste Michael Bacall derrière un spectacle certes permanent mais aussi et surtout très superficiel. Tandis qu'en 1987 l'acteur Richard Dawson était parvenu à rendre véritablement concret l'ordure qu'était le personnage de l'animateur du show Damon Kilian, l'afro-américanisation du personnage cette fois-ci remplacé par l'acteur Colman Domingo n'est pas un service rendu à ce dernier tant son incarnation est transparente face à celle de Josh Brolin, lequel interprète le rôle de l'infâme créateur du jeu, Dan Killian. En réduisant l'unité de temps à quelques heures, Paul Michael Glaser et le scénariste Steven E. de Souza produisirent la meilleure idée du long-métrage d'origine tandis que le récit de la version 2025 se perd dans des ellipses temporelles qui fonctionnent atrocement mal. Si le schéma général de l'histoire originelle est ici reproduit plus fidèlement qu'en 1987, Edgar Wright tente d'élargir le spectre du sujet en ajoutant d'innombrables instants de bravoure aussi futiles qu'adolescents. Bref, beaucoup de bruit pour pas grand chose et une énième adaptation pâlichonne de Stephen King, un mois et demi après la sortie du très moyen Marche ou crève de Francis Lawrence...

 

Le grand déplacement de Jean-Pascal Zadi (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

1968, 2001, l'odyssée de l'espace de Stanley Kubrick. 1979, Stalker d'Andreï Tarkovski, Star Trek de Robert Wise et Alien, le huitième passager de Ridley Scott. 1983, L'étoffe des héros de Philip Kaufman. 1995, Apollo 13 de Ron Howard... 2025 ? Alors qu'il va falloir encore patienter quelques dizaines de jours avant de pouvoir découvrir sur grand écran le troisième volet de la franchise Avatar de James Cameron intitulé De feu et de cendres (dont la sortie est prévue pour le 17 décembre prochain), les amateurs de space-opera auront été contraints cette année de ronger leur frein d'impatience en se coltinant Le grand déplacement de et avec Jean-Pascal Zadi dont on connaît son point de vue sur le racisme anti-blancs ! Une hérésie ? Pourquoi pas si l'on se positionne de son côté. Ce qui permettra notamment à ce fils d'ivoiriens né à Bondy dans le département de Seine-Saint-Denis de lancer quelques torpilles bien comme il faut contre l'homme blanc à travers le personnage de Frantz Dubois (l'humoriste Fary). Poursuivant ainsi son message en s'attaquant à la politique totalitaire américaine s'agissant de la conquête spatiale. Jean-Pascal Zadi n'y va donc pas avec le dos de la cuillère mais plutôt avec le tranchant mal aiguisé de la pelle en enfonçant des portes déjà ouvertes bien avant qu'il ne s'y mette lui-même. Ce qui ne l'empêche bien évidemment pas d'en faire de même avec les noirs et les arabes. Traitant ainsi de l'Afrique en des termes qui sans doute auront fait bondir d'effroi certains frileux en matière d'humour noir et pourquoi pas des musulmans modérés qui ne souffrent plus que l'on renvoie leur religion à l’extrémisme sur lequel certains font leur marché. Comédie de science-fiction ''afro-futuriste'' d'où émane sans doute là encore un brin d'ironie s'agissant de cet ''afrocentrisme'' qui pollue plus ou moins les esprits en réécrivant certaines pages de l'Histoire en la modifiant à partir du point de vue de ''pseudo-intellectuels'' se réappropriant tout ou partie de celle qui fut développée en Europe et plus généralement en Occident, Jean-Pascal Zadi défouraille à sa façon la plupart des ''communautés''. A la manière d'un Fabrice Eboué mais sans la même finesse d'écriture.

Tandis que le nouveau long-métrage de ce dernier (Gérald le conquérant) a été repoussé en décembre alors qu'il devait sortir en avril et ce, pour d'obscures raisons telles que les thématiques entourant le régionalisme et l'identité nationale (deux gros mots désormais interdits sur notre territoire, sous peine d'être traités de fachos), les critiques qu'il faut émettre au sujet du grand déplacement le doivent être surtout au sujet de la mise en scène et de l'écriture elles-mêmes me semble-t-il ! Car loin d'atteindre les cimes du film de science-fiction à tendance Space Opera, le dernier long-métrage de Jean-Pascal Zadi souffre tout d'abord d'une durée qui l'empêche de développer un scénario véritablement ambitieux. Dans un futur tellement proche qu'aucune date précise n'est affichée, la Terre est en danger. Mais lorsque certains des personnages du récit évoquent cette problématique, il s'agit surtout de parler d'Afrique et de la sauvegarde de son peuple. C'est ainsi qu'intervient l'UNIA. Une agence astronautique d'origine africaine fantaisiste créée pour le film (tandis que plusieurs pays continentaux travaillent réellement sur la conquête spatiale) et aux commande de laquelle l'on retrouve l'actrice Claudia Tagbo dans le rôle de Madame Zokou. Un projet ambitieux de colonisation d'une exoplanète rendu possible grâce à une plante censément disparue et qui permet de produire de l'ergol, une substance permettant la propulsion de fusées ! Les États-Unis ayant pour projet de lancer leur propre fusée, la responsable de l'UNIA décide d'avancer la date de départ des membres de l'équipage du ZION 63 après qu'ils aient suivi des examens ainsi qu'une formation... Si sur le papier Le grand déplacement paraît effectivement ambitieux, à l'image, le résultat se révèle relativement piteux. Dans le rôle du pilote de chasse Pierre Blé auquel ont été confiées les commandes du ZION 63, Jean-Pascal Zadi incarne un véritable abruti qui sème la zizanie au sein de l'équipage. Réduit à une durée de quatre-vingt trois minutes, le film n'a malheureusement pas les moyens d'exploiter toutes les idées du script en profondeur. Et s'agissant tout d'abord d'une comédie ''noire'' (sans mauvais jeux de mots), il s'agit moins pour son auteur d'exploiter le filon de la conquête spatiale africaine que de cumuler un certain nombre de gags dont le résultat n'est malheureusement pas toujours fructueux...

 

Chien 51 de Cédric Jimenez (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Bac Nord ? Ouais, sympa, sans plus. Novembre ? Pas vu ! Apparemment tiré du roman Chien 51 auréolé du prix 2022 des Écrivains du Sud, le projet portant sur la version cinématographique a été confié à Cédric Jimenez qui plutôt que de se conformer strictement au récit d'origine a choisi de concentrer l'action autour de ses deux principaux personnages incarnés à l'écran par Gilles Lellouche et Adèle Exarchopoulos. Mais le cinéaste se veut tout d'abord rassurant. S'il n'évoque pas directement le genre ''science-fiction'' auquel il préfère celui, très proche, de la ''dystopie'' sans doute pour créer un lien avec ses précédents longs-métrages, Chien 51 permettra assurément aux amateurs de l'un et de l'autre de ces deux genres intimement liés de découvrir sa vision d'un monde ou plutôt d'une France, totalitaire et ségrégationniste. Ici, pas question de séparer le français de souche de l'homme venu d'un autre continent. La ségrégation est ici sociale, balisée à travers trois zones qui contraignent à montrer patte blanche si l'on veut pouvoir passer des unes aux autres. Le film de Cédric Jimenez se déroulant dans un futur proche où les technologies les plus récentes servent les forces de l'ordre dans leur action quotidienne, celui-ci met en scène Gilles Lellouche dans le rôle de Zem Brecht, un flic issu de la Zone 3, ainsi qu'Adèle Exarchopoulos dans celui de Salia Malberg, une inspectrice de la Zone 2. Contraints de collaborer ensemble après l'assassinat de l'inventeur de l''intelligence artificielle Alma Georges Kessel, le principal suspect est Jon Mafram (Louis Garrel), le chef d'un groupe anarchiste connu sous le nom de BreakWalls ! Malgré leurs différences, Zem et Salia vont s'unir afin de retrouver le coupable, démasquant par là-même une conspiration de très grande ampleur... Bon, ben, qu'est-ce que vous voulez que je vous dise ? Que j'aurais bien aimé pouvoir sortir de la salle avant la fin de la séance ? C'est un fait, mais la méticulosité avec laquelle je me borne à respecter le concept du ''Un film vu en entier = Une critique'' ne peut évidemment pas souffrir de l'idée que je m'installe devant mon clavier après avoir quitté une salle bien avant la fin d'une projection !

Bref, sans être de ces supplices qui me pousseraient presque à ruer dans les brancards pour me faire rembourser tel le cupide et avare personnage qui compte ses sous jusqu'au dernier centime, je dois avouer que Chien 51 m'a laissé du plus beau marbre, celui que l'on peut ressentir devant une œuvre d'où ne se dégage pas la moindre émotion. S'agissant d'un long-métrage hexagonal tourné dans notre beau pays et pourtant sur des terres dont les brochures de voyages ne vantent jamais les hypothétiques mérites (le film a été tourné dans les quartiers nord de Marseille), je me demande dans quelles dispositions psychologiques il faut au préalable se positionner pour que le spectateur accepte de se vautrer devant un spectacle qui régurgite (pour ne pas dire, vomit) tout ce que la science-fiction dite dystopique a engendré depuis bien longtemps. L'originalité n'étant absolument pas au rendez-vous, malgré un budget tournant autour des cinquante millions d'euros et la présence de stars françaises aidant supposément à l'adhésion des spectateurs, Chien 51 n'est qu'une vague réminiscence de tout ce que l'on connaît sur le sujet des ''Terres Parallèles'' recourant à l'autoritarisme. Avec son bagage cinéphilique, le spectateur aura donc tout loisir de se faire sa propre opinion, armé d'une base plus ou moins solide. Chez moi comme chez beaucoup de fans de science-fiction comme je le suppose, il est presque inévitable de passer outre le souvenir du Blade Runner de Ridley Scott. L'imagerie asiatique, avec ces immenses panneaux publicitaires, cette Street-Food vendue par des réfugiés du Pays du Soleil Levant ou encore Gilles Lellouche, peroxydé, comme en son temps l'immense Rutger Hauer ! Quant au contexte social, chacun y verra matière à comparer le film de Cédric Jimenez avec ses propres ''classiques''. Quant à moi, c'est bien le Land of the Dead de George Romero qui s'imposa ! Visuellement, je n'ai eu de cesse que d'essayer d'effacer de ma mémoire le souvenir de Banlieue 13 et de sa séquelle auxquels l'esthétisme de Chien 51 se raccroche, me semble-t-il, furieusement. Un visuel enrobé de surcroît d'effets-spéciaux parfois dignes d'une cinématique de jeu vidéo du type GTA lors des séquences de courses-poursuites en voiture. Le film est sorti voilà tout juste deux semaines qu'il paraît avoir déjà pris un sérieux coup de vieux. Dommage ? À vrai dire, non ! J'irais même jusqu'à affirmer que l'on s'en fiche un peu s'agissant d'un matériau de base qui selon le réalisateur lui-même n'a de toute manière n'a pas été traité dans son ensemble... Un film creux, crâneur et se réduisant intellectuellement au niveau des pires blockbusters d'action américains ! Bref, remboursez !

 

Alien : Earth de Noah Hawley : Episodes 5 & 6 (2025) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Avec son titre (In Space, No One...) et son retour en arrière de dix-sept jours revenant sur les événements qui se sont produits à bord du cargo USCSS Maginot, le cinquième épisode de la série Alien:Earth devait ou aurait dû réconcilier les fans de la première heure. Celles et ceux qui ne jurent que par Alien, le huitième passager de Ridley Scott et pour certains autres, que par Aliens, le retour de James Cameron risquent cependant de tomber bien bas. Tout laisse pourtant entrevoir un hommage au premier long-métrage. Du réveil des passagers de l'USCSS Maginot jusqu'à l'attaque du xénomorphe et l'évasion de l'unique survivant... Reprenant certaines séquences iconiques du premier long-métrage à avoir vu le jour en 1979, cet épisode laissait espérer qu'enfin la série n'allait pas définitivement sombrer dans le néant et dans l'indigence et pourtant, loin de satisfaire les aficionados du xénomorphe, In Space, No One... que réalise Noah Hawley, auteur du tout premier, réussit tout de même l'exploit de nous laisser indifférents. Prouvant s'il était besoin que Ridley Scott avait déjà tout compris s'agissant de la manière de construire son œuvre, parfaite à vrai dire, et auquel aucun simulacre aussi pathétique fusse-t-il que ce cinquième épisode ne pourrait faire de l'ombre. Ni même entacher. Concernant la créature, et comme cela sera encore plus visible dans le prochain épisode, le créateur de la série semble avoir choisit de lui couper véritablement les couilles en amenuisant sa puissance par l'entremise d'autres espèce extraterrestres et hostiles qui viennent nous apprendre qu'il y a peut-être des moyens plus radicaux que l'emploi d'armes à feu pour en venir à bout. Un gloubiboulga indigeste qui donne à penser que le pire des dangers ne vient peut-être pas du xénomorphe mais d'organismes beaucoup plus petits et qui ont pour habitude de parasiter leurs hôtes ! Si le script emprunte à celui du génial Dan O'Bannon et si les décors rappellent bien évidemment ceux du cargo spatial Nostromo, l'ambiance y est malheureusement mille fois moins anxiogène que dans les aventures que partageaient Ripley, Dallas et le reste de l'équipage ! Peut-être cela est-il dû à l'accoutumance ?

Ou peut-être la responsabilité en incombe à un réalisateur et des scénaristes qui plombent l'aventure de l'équipage du cargo USCSS Maginot en alignant des séquences de courses-poursuites et d'actes horrifiques totalement vidés de leur substance ? Bien qu'à son époque Ridley Scott était parvenu à signer un film terriblement oppressant et jamais ennuyeux malgré un rythme relativement lent, Noah Hawley n'a ici pas une once du talent de son prédécesseur et signe avec In Space, No One... une pâle copie totalement dévitalisée... Maintenant, concernant l'épisode suivant intitulé The Fly, il semblerait que l'on ait atteint un point de non retour... Sydney Chandler continue d'incarner une Wendy toujours plus insupportable. Surtout depuis qu'elle s'est découverte la capacité de communiquer avec les xénomorphes (nous offrant ainsi des séquences parfaitement ridicules). Mais lorsque son frère l'entend affirmer que l'un d'eux pourrait ''être gentil'', on sent déjà venir pointer un petit goût de collaboration future entre l'Homme et la Créature. Mais ça, encore, peut-être aurions-nous pu l'envisager s'agissant de n'importe quelle autre franchise de science-fiction horrifique mais de là à sacrifier le xénomorphe sur l'autel d'une série qui de toute manière part dans tous les sens, c'est non ! Ne parlons même pas de Samuel Blenkin qui dans le rôle toujours plus arrogant du richissime Boy Kavalier se présente à une réunion les pieds crasseux posés sur la table ! Fidèle à la mollesse qui caractérisait déjà les cinq précédents épisodes, réalisé par Ugla Hauksdóttir, The Fly évolue lui aussi très lentement. En ajoutant toujours plus de couches scénaristiques successives à un récit qui se voudrait donc plus profond tandis que l'on aurait sans doute aimé plus de simplicité. Parasitisme, communication télépathiques, incidents en tous genres, bavardages interminables, personnalités crispantes, attitudes invraisemblables, ce sixième épisode est un festival qui remet les pendules à l'heure et permet finalement de relativiser au sujet de l'antépénultième et de l'avant-dernière itérations signées Ridley Scott au cinéma en 2012 et 2017 (Prometheus et Alien Covenant). Et dire qu'il reste encore deux épisodes avant d'être (définitivement?) débarrassés de cette série presque infâme qui ne rend absolument pas hommage au mythique long-métrage originel...

 

Proyecto Ovni de Kasper Bajon (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Si la mini-série polonaise Proyecto Ovni porte effectivement en son sein le sujet des extraterrestres, le plus curieux n'est pas tant l'hypothèse d'une observation qui oppose le jeune Zbigniew Sokolik (Mateusz Kosciukiewicz), persuadé qu'ils sont issus des fonds marins de l'Atlantique, à des sceptiques ou encore à des ufologues qui fondent leurs origines sur une civilisation provenant d'une lointaine galaxie que du traitement de l'intrigue. Laquelle se disperse pour laisser finalement le propos s'étendre à d'autres sujets. Principalement incarné par l'acteur polonais Piotr Adamczyk que l'on a pu notamment découvrir dans les saisons deux, trois et quatre de l'excellente série de science-fiction uchronique américaine For All Mankind, le personnage de Jan Polgar anime une émission très populaire en son pays qui s'est spécialisée dans la vulgarisation de phénomènes extraordinaires dont les extraterrestres et les objets volants non identifiés sont au cœur du sujet. Invité à participer à l'émission alors qu'il affirme avoir été lui-même le témoin d'une apparition d'ovni dans la région de Warmia, en Pologne, Zbigniew Sokolik est ridiculisé par l'animateur malgré des preuves photographiques indéniables. Écœuré, celui-ci retourne chez lui mais bientôt, il est de nouveau contacté par Jan Polgar qui sur commande du directeur de la chaîne est envoyé à Truskasy où un vieil homme affirme avoir lui-même aperçu des ''petits hommes verts''. Sur un postulat on ne peut plus commun à nombre de longs-métrages, de téléfilms et de séries télévisées, le créateur de Proyecto Ovni Kasper Bajon évoque son sujet dans le délicat contexte d'une Pologne du début des années quatre-vingt. Riche d'une reconstitution technologique et architecturale que l'on devine rigoureuse, le récit pointe l'agitation politique qui s'empare alors d'un pays en pleine mutation. Si l'on s'en tient strictement au concept d'une espèce originaire d'une lointaine galaxie, les amateurs de science-fiction versant dans les thèmes de l'invasion ou d'une hypothétique rencontre du troisième type risquent de faire grise mine !

Pour une mini-série concentrée autour de quatre épisodes seulement, l'avalanche de sous-intrigues peut à différents degrés donner le tournis. Y sont développés une somme importante de personnages plus ou moins secondaires et de thème dont l'adultère rejoint le principe de ''trahison'' dont le jeune passionné d'ufologie s'est senti la victime. Mettant ainsi la carrière et l'avenir professionnels de Jan Polgar en danger face à une épouse possiblement revancharde (l'actrice Marianna Zydek dans le rôle de Lenta Nalecz-Polgar) et d'une maîtresse et collègue de travail ambitieuse, l'animateur va en outre devoir composer avec certains responsables politiques et militaires. Côté science-fiction, la série se montre relativement chiche. Rien de véritablement spectaculaire à mettre sous les yeux des téléspectateurs puisque le sujet central est ailleurs. La complexité du récit demande un minimum de concentration et l'acceptation selon laquelle tout ne tournera donc pas autour de ce fantastique événement qui s'est produit dans le pays doit obligatoirement faire son petit bonhomme de chemin. S'agissant d'une œuvre dont l'essence même est de rappeler le contexte politique et social de la Pologne du tout début des années quatre-vingt, une certaine tension mêlée à un sentiment de paranoïa se développe tout au long du récit. Pourtant très courte, la mini-série Proyecto Ovni a tendance à parfois traîner en longueur et à aborder des sujets qui n'ont pas toujours leur place dans ce genre de contexte. Une forme de ''remplissage'' dont nous nous serions sans doute passés pour mieux s'imprégner du ''merveilleux'' ou du ''terrifiant'' qu'inspire l'hypothèse d'une présence bienveillante ou malveillante venue d'ailleurs. Fidèle à la rigueur slave, Kasper Bajon offre une reconstitution intéressante de ce début de décennie et oppose les croyances en terme d'OVNIs au sein même des ufologues. Alors que l'intrigue semble arriver à son terme, l'ambiance devient de plus en plus oppressante, voire glaçante et dystopique. Le final laissant même la porte ouverte à quelques suppositions passionnantes quant à une éventuelle saison deux... Pour l'instant, rien d'officiel concernant une suite à cette série polonaise diffusée sur Netflix mais des questions demeurées en suspens et auxquelles l'on espère avoir prochainement la réponse...

 

Atoman d'Anouar Moatassim (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Un film de super-héros... marocain ! Et pourquoi pas, tiens. Ça change des productions américaines du genre (que je déteste) ou des quelques tentatives françaises (pour le moins, parfois originales) ! Bon ben, ça commence mal. En ouverture, l'on a droit à L'enfant du vent de Soprano. Derrière ce titre poétique se cache l'une de ces horreurs très à la mode usant de l'abominable plugin connu sous le nom d'Auto-Tune. Arrêt sur image et recherche immédiate de la bande-originale complète du long-métrage avant toute poursuite de l'aventure. Parce que s'il s'agit de se manger durant un peu moins d'une heure-trente une playlist d'aussi mauvais goût, pas question que je perde davantage de temps devant l’œuvre en question. Confié à un artiste du nom de DJ Van dont j'ignorais l'existence jusqu'à maintenant, le soundtrack est donc majoritairement composé de titres divers, allant de la ''pop'', en passant par le rap, le R'n'B et la World Music. On ne va pas reprocher cette hétéroclite sélection s'agissant d'un film d'origine maghrébine. Ce serait comme d'imaginer pouvoir imposer à un film américain une bande musicale uniquement constituée de chants russes ! Passé ce petit désagrément placé en ouverture du long-métrage du réalisateur et scénariste Anouar Moatassim, je relance la lecture de ce projet de film de science-fiction et d'aventures directement échoué sur la plateforme Amazon Prime Video. Si la présence de Samy Naceri fera vibrer voire mouiller de plaisir le caleçon ou la petite culotte des fans et des groupies de la première heure, je ne suis pas de ceux qui regrettèrent sa période de descente aux enfers ou sa disparition temporaire des grands écrans. Hé, oh ! On parle là d'un type dont le ''plus grand fait d'arme'' est pour beaucoup son interprétation du personnage de Daniel Morales dans les quatre premiers opus de la franchise Taxi ! Une référence pour qui voudra, mais certainement pas pour moi. Pour en revenir au film qui nous intéresse ici, le rôle-titre est confié au rappeur franco-marocain Lartiste. Si j'osais faire preuve d'un brin de cynisme, je dirais que l'on peu favorablement souffler qu'il n'eut pas à participer à l'écriture tant ce nom de scène appartenant à Youssef Akdim manque singulièrement d'originalité... Ma dose journalière de cruauté gratuite ayant été atteinte, voici ce que je pense objectivement de Atoman (titre que l'on peut très facilement identifier comme la contraction entre Atome ou Atomique et man, traduction anglaise du terme ''homme''). L'entreprise est assez touchante en cela qu'elle convoque le folklore berbère ainsi que des paysages magnifiques provenant notamment de Ouarzazate, de Skhirat mais plus encore de Tafraout située dans l'Anti-Atlas...

Tiens, justement, Atlas. Sa légende et le combat qu'il mena contre son frère Ménétios pour l'obtention de l'astrolabe, un très puissant artefact capable de détruire notre planète et que le second chercha à détenir afin de dominer le monde. De nos jours, Hakim (Lartiste), l'un de plus grands hackers de sa génération est engagé par la ''je ne sais plus trop quelle organisation'' afin d'éviter qu'un virus de sa conception qui lui a été dérobé ne serve aux agissements de cybercriminels. Tandis qu'il opère aux côtés de Sanaa Benkirane (l'actrice Sarah Perles), un certain David Lockam cherche à mettre la main sur l'Astrolabe. Lequel doit lui procurer des pouvoirs censés lui permettre de tout contrôler. Mais alors que ce dernier parvient à mettre la main sur l'artefact grâce à l'aide de son collaborateur Chinoui (Doudou Masta), Hakim découvre qu'il est détenteur de pouvoirs spéciaux. En outre, sa mère lui révèle qu'il est le dernier atlante de la fameuse cité d'Atlantis. Le jeune homme part alors se former auprès de grands Maîtres installés dans une région située dans l'Anti-Atlas afin de lui permettre d'acquérir des connaissances et ainsi affronter David Lockam... Un antagoniste qui fait bien de se cacher derrière un apparat d'images de synthèse tant son interprète, Samy Naceri, a physiquement morflé ! Avant que son personnage ne soit doté du fameux objet, le spectateur le découvre dans le costume-cravate d'un directeur de banque dénué de toute prestance et de tout charisme. Le dos voûté, claudiquant et une bouche qui témoigne de la bagarre qui l'opposa un dimanche matin, rue de Berri, à Paris, dents cassées, et certainement aussi de l'abus d'alcool dont l'acteur a toujours été dépendant ! Et même avec cette bouche d'ancien édenté dont le râtelier a depuis été refaçonné, Samy Naceri n'est pas le plus mauvais des interprètes du long-métrage. Car à côté de sa prestation, d'autres s'en sortent encore moins bien. Si Lartiste et Sarah Perles assurent le minimum syndical, Doudou Masta s'avère NUL-LIS-SI-ME !!! Avec son budget d'un peu moins de deux millions d'euros, on regrette que tout ou partie de l'argent qui fut confié aux responsables des innombrables étrons qui sont sortis sur notre territoire ne fut pas offert aux producteurs de Atoman tant le film de Anouar Moatassim méritait sans doute d'obtenir beaucoup plus de moyens techniques et financiers. On louera alors l'effort en prenant bien soin de ne surtout pas pouffer de rire devant le nombre incalculable de séquences si mal jouées, si naïves et devant des effets-spéciaux parfois ultra-cheap que Atoman risque bien de devenir un jour l'un de ces classiques du nanar de science-fiction que l'on prend du plaisir à regarder un samedi soir entre potes. Dommage...

 

Alien : Earth de Noah Hawley : Episodes 3 & 4 (2025) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Soirée épouvantable... Cinématographiquement parlant, s'entend ! Théorisé comme pathologie par le psychiatre germano-autrichien Richard von Krafft-Ebing dans le courant du dix-neuvième siècle et depuis mis en pratique par des individus en mal de souffrances physiques couplées au plaisir, le masochisme n'est ici pas tant à prendre pour le tribu qu'il apporte en matière de déviance sexuelle que pour cette nécessité qu'on certains cinéphages à vouloir perpétuellement s'infliger le spectacle d'œuvres dont les répercussions n'ont en général rien de positif dans la recherche dite ''normale'' du divertissement... Terminée la diatribe ! Vous pouvez dorénavant reprendre votre respiration... Après deux premiers épisodes plus mi-figue que mi-raisin en raison d'un contenu qui avait tendance à faire sauter les fans de la première heure au plafond, voilà que je me suis volontairement infligé le troisième et quatrième, tout deux respectivement intitulés Metamorphosis et Observation. Chose que je m'étais promise de ne surtout pas accomplir, trop content, finalement, de n'avoir pas directement accès à la série Alien : Earth dans son intégralité ! Vraiment ? Épouvantable, la soirée ? Peut-être finalement pas tant que cela. Bien entendu, tout démarra sous les pires augures avec le premier d'entre eux. Metamorphosis. Englué dans une mise en scène confiée à Dana Gonzales, déjà coupable du précédent, creusant assurément la tombe d'une franchise qui ne s'en remettrait sans doute jamais, ce troisième épisode aussi vide que la coquille d'un œuf à la coque que l'on vient tout juste de consommer accumule tant et si bien les tares que l'on n'est objectivement plus proche des récents produits justement estampillés Disney que de la célébration d'un mythe façonné il y a près d'un demi-siècle par Ridley Scott et Dan O'Bannon ! Passons sur le visuel, effectivement très attrayant mais pour lesquels les concepteurs ont cru bon de ne pas adopter le même principe sur le célèbre xénomorphe. Celui de la série continue à n'être qu'une pâle copie mal dégrossie et esthétiquement si vulgaire que l'on regrette plus que jamais la créature prosthétique des origines. S'il y a autant de ventre mous dans Metamorphosis que de morceaux de guimauve dans un paquet de Chamallows, il est fort à propos de penser que les scénaristes dormaient sur leur lieu de travail. Comment envisager un tel ennui devant un conglomérat de concepts ''novateurs'' pour au final se retrouver devant un épisode où il ne se passe rien d'autres que quelques soubresauts involontairement drôles comme l'indique notamment cette séquence qui oppose notre xénomorphe de synthèse face à Wandy et son frère Joseph...

Lorsque l'on se remémore le calvaire des huit passagers du Nostromo, tous adultes et dont seule Ripley parvint à survivre et qu'antérieurement de deux années, une gamine certes ''modifiée'' (l'on emploie en réalité l'horrible terme de transition) parvient à terrasser une créature parmi les plus belliqueuses, hostiles et agressives que le cinéma de science-fiction ait jamais imaginé, dans le meilleur des cas l'on pouffe. Dans le pire, l'on est affligé ! Est-il utile d'évoquer l'action du sang acide de la créature agissant différemment selon la surface ou le métal avec lesquels il entre en contact ? Bref, j'ai bien failli mettre un terme définitif à cette pathétique tentative de récupération télévisuelle mais ait tout de même choisi de persévérer en regardant l'épisode suivant, Observation. Un titre qui sert surtout de catalyseur pour le spectateur qui le prendra à son propre compte pour ''observer'' justement que Alien : Earth n'est peut-être pas qu'une adaptation télévisée mais plutôt un spin-off. Ou bien même une série totalement indépendante dans laquelle serait venu se glisser l'une des plus célèbres créatures extraterrestres du septième art. Demeure toujours cet épouvantable énergumène qu'incarne Samuel Blenkin, caricature absolument grotesque et détestable de qui vous savez ! Évitons la polémique pour reconnaître que ce quatrième épisode sauve un peu les meubles. Notamment grâce à la présence de l'acteur Baboy Ceesay dans le rôle de l'androïde Morrow. Lequel interagit avec Slightly (l'acteur indien Adarsh Gourav) pour des raisons que seul ce dernier ne semble pas avoir encore saisies. Cette fois-ci confiée à Ugla Hauksdóttir, la réalisation ménage un suspens que nous n'attendions plus depuis un moment. En fait, depuis le début, lorsque le xénomorphe fut très lourdement introduit dans le récit. Notre fameux alien semble devoir désormais compter sur la présence de créatures aussi dangereuses que lui. Comme cette drôle de bestiole qui ressemble à un œil sur tentacules et qui pourrait peut-être figurer la version encore peu développée de l'énorme créature vue à la fin du Prometheus de Ridley Scott, hum ? Digéré l'amas de personnages, on commence enfin à cerner le discours. Et c'est donc sans pour autant attendre fébrilement les épisodes suivants que je leur donnerai peut-être une chance de me convaincre que de persévérer jusqu'au bout aura été le bon choix !