Satellite in the Sky de Paul Dickson (1956) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Si le premier vol spatial orbital eu lieu le 6 octobre 1957, ce furent les russes qui envoyèrent le satellite Spoutnik 1 en orbite autour de notre planète. Pour l'instant, l'engin est à l'époque vide de toute présence humaine. Il faudra attendre le 3 novembre de la même année pour que le projet soviétique lance en orbite la chienne russe Laïka à bord de Spoutnik 2. Il faudra attendre quatre années supplémentaires pour qu'un homme puisse enfin effectuer pour la première fois, un vol dans l'espace. Une fois encore dans l'histoire de la conquête spatiale, c'est l'Union Soviétique qui prendra de l'avance sur les États-Unis en y envoyant le 12 avril 1961 le célèbre cosmonaute Youri Alekseïevitch Gagarine. Jusque là, l'hypothèse selon laquelle un jour il sera possible d'envoyer un homme dans l'espace est décrite dans un certain nombre de longs-métrages de fiction parmi lesquels Satellite in the Sky demeura en 1956, comme l'une des propositions les plus sérieuses. Car c'est bien au premier degré que le réalisateur Paul Dickson qui débutait sa carrière quelques années auparavant en tournant toute une série de documentaires et de courts-métrages aborde ce qui sera son troisième film personnel (il aura réalisé en 1954 l'anthologie Tale of three Women en collaboration avec Thelma Connell) sur un ton moins ''divertissant'' que ne l'entreprendront d'autres cinéastes. Ce qui n'empêchera pas Satellite in the Sky d'appliquer à son œuvre les sempiternels gimmick qui dans les années cinquante étaient parfaitement reconnaissables dans le genre qui nous intéresse ici, soit, la science-fiction...

L'élément féminin y étant une ''donnée'' perpétuellement rare, son expression est figurée par la présence non plus de la fille d'un scientifique comme cela était majoritairement le cas mais d'une journaliste. Vouée à son métier au point qu'elle se retrouvera directement au cœur de l'intrigue en se positionnant en passagère clandestine à bord du Stardust. Un projet de navette sur lequel travaillent depuis cinq ans une équipe de scientifiques. Mais de là à l'envoyer déjà dans l'espace avec à son bord un groupe de cosmonautes, il n'est pas encore question. Car l'équipe formée autour du Commandant Michael Hayden (l'acteur Kieron Moore) et Larry Noble (Jimmy Hanley) doivent tout d'abord travailler sur un nouveau carburant capable de permettre à un engin de quitter l'atmosphère pour se positionner en orbite autour de notre planète. Après avoir obtenu des résultats plus que convaincants, la presse est convoquée et parmi elle, la jeune et ambitieuse Kim Hamilton (Lois Maxwell). Une opposante qui dénigre l'idée de faire prendre des risques à des hommes capables de mettre en péril leur vie dans la conquête de l'espace. D'abord considéré comme un projet strictement scientifique, la veille de leur départ pour les étoiles, Michael Hayden et Larry Noble apprennent de la bouche du professeur Merrity (Donald Wolfit) que la mission à bord du Stardust sera chargée de tester un nouveau modèle de bombe atomique qui devra exploser dans l'espace afin de réduire les effets indésirables. Mais une fois à bord de la navette désormais en orbite autour de la Terre avec à son bord l'équipage constitué de cinq hommes et de la journaliste qui s'est introduite sans autorisation, le lancement de la bombe se déroule mal. Ses propulseurs tombent en panne et par un phénomène d'attraction naturelle, l'ogive et le Stardust restent irrémédiablement ''collés'' l'un à l'autre. L'explosion de la bombe ayant été programmée dans neuf heures, c'est le temps qu'il reste au Commandant Michael Hayden et son équipe pour trouver un moyen de séparer la navette de la bombe...

Comme dans tout film de science-fiction de l'époque, les violons envahissent l'atmosphère, allant même jusqu'à s'emballer lorsque les couples s'embrassent dans de voluptueux baisers cinématographiques. Des séquences qui fort heureusement s'avèrent plutôt rares puisque l'essentiel de l'intrigue tourne autour de ce projet de bombe qui va forcément engendrer un certain désarroi parmi les membres de l'équipe de scientifiques. C'est ainsi donc qu'intervient l'armée avec tout ce qu'elle suppose de machiavélisme même si l'on se rendra compte que pour une fois, celle-ci semblera vouloir prendre autant de soin pour les cosmonautes au moment du danger que pour la bombe qui se révélera en réalité le projet principal. Bien que Satellite in the Sky semble avoir été assez mal accueilli à l'époque de sa sortie, le long-métrage de Paul Dickson est d'assez bonne facture. Les effets-spéciaux à base de maquettes sont plutôt crédibles et l'interprétation à la hauteur des ambitions du projet. Le réalisateur s'y connaît en terme de mise en scène et passe d'un cadre à l'autre, donnant ainsi à l'ensemble un rythme qui n'est pas indéniable. Sans être transcendante, la caractérisation des personnages est suffisamment détaillée. L'on assiste en parallèle à l'aventure spatiale ainsi qu'à une réunion d'urgence entre scientifiques et militaires. L’œuvre de Paul Dickson semble cependant avoir été expurgée de certaines séquences. Comme l'évocation d'un modèle expérimental de navette chargée de rapatrier les cosmonautes mais dont on n'entendra pas plus parler par la suite. Satellite in the Sky paraît vouloir se rapprocher au plus près de la vérité mais se termine dans un final, me semble-t-il, vite expédié. Mais à part ce menu détail, le film est une franche réussite et n'a, malgré les décennie qui se sont écoulées depuis, pas trop mal vieilli...

 

Settlers de Wyatt Rockefeller (2021) - ★★★★★★★☆☆☆

 

Total Recall de Paul Verhoeven, Red Planet d'Antony Hoffman, deux exemples de longs-métrages qui évoquent le sujet de la terraformation sur la quatrième planète de notre système solaire. Mars, connue également sous le nom de planète rouge. C'est là que c'est installée une famille de terriens composée de Reza, son épouse Lisa et leur fille Remmy. Régulièrement attaqués par des pillards, Reza et les siens vivent sur une vaste propriété qui semble avoir appartenu à une famille hostile aux habitants de la Terre. N'en pouvant plus des assauts permanents d'étrangers tentant régulièrement de prendre possession des lieux, Reza décide de régler définitivement leurs comptes. Pourtant, après quelques temps, le père de famille ne réapparaît pas et à sa place débarque Jerry, né sur Mars, et qui compte bien se réapproprier les lieux qu'il affirme être la propriété de ses parents disparus... Ce premier long-métrage réalisé par Wyatt Rockefeller d'abord craindre un voyage intérieur quelque peu ennuyeux. Surtout si l'on ne se penche pas au départ sur le synopsis et que l'on imagine être une énième variation sur le thème de Robinson Crusoé transposé dans une œuvre de science-fiction. Car il y est effectivement question de naufrage (celui de cette attachante famille qu'interprètent l'américaine Brooklynn Prince, le britannique Jonny Lee Miller et la franco-algérienne Sofia Boutella) et d'une rencontre entre deux individus (Lisa et Jerry qu'incarne le charismatique acteur portoricain Ismael Cruz Cordova) qui de loin, peut se considérer comme une version décalée de la rencontre entre Robinson Crusoé et le sauvage Vendredi...

L'un des intérêts de Settlers est bien évidemment la question des lieux où se déroule l'intrigue. On s'étonne au départ de la possibilité pour ses colons d'y respirer à l'air libre. Est alors engagée une foule de questions qui peuvent aller de la simple supposition que les lieux aient été mis sous cloche, jusqu'à exprimer l'idée un peu folle que ceux-ci puissent n'être qu'une alternative au holodeck des différentes séries Star Trek servant de décors à des expériences sur la vie ailleurs que sur notre planète. Puis survient l'assaut des dits étrangers, transformant l'apparente quiétude de la petite famille en sous-Mad Max à poils et sans les moyens où le génie de l'australien George Miller. On espérait un peu d'agitation sans pour autant s'attendre à un long-métrage virant du côté obscure d'une approche primitive. Ce qui fort heureusement ne tardera pas à s'estomper pour se pencher sur les rapports entre Lisa, sa fille Remmy et l'étranger Jerry. Des rapports oscillant entre regards en coin mâtinés de suspicion et jeux de séduction beaucoup plus pervers qu'ils n'y paraissent. À moins que là encore, la peur de la solitude n'y vienne mettre son grain de sel. Le couple formé par Sofia Boutella et Ismael Cruz Cordova s'avère relativement troublant et maintient une partie de l'intérêt qui réside également dans la présence de la jeune Brooklynn Prince, sobre et mature, se trouvant un compagnon en la ''personne'' de Steve, un robot utilitaire qui, chose étonnante, est capable d'apprendre au point de.... enfin, ça, vous le découvrirez par vous-même.

Settlers s'apparente parfois à un western avec ses décors poussiéreux, ses plans larges, sa décrépitude mais son rythme parfois lent ne l'empêche cependant pas de constituer une œuvre très intéressante qui fait autant référence au roman de Daniel Defoe Robinson Crusoé (bien que le film soit uniquement basé sur le scénario écrit par le réalisateur lui-même) qu'à ces histoires sordides de séquestration qui régulièrement noircissent les pages de la presse papier. Cependant, il ne sera pas interdit de demeurer circonspect face à des choix curieux, et notamment lors d'un final qui justifie certains propos mais n'expliquent en revanche pas du tout certains moyens de survivance. Des invraisemblances qui nuisent fort heureusement dans de toutes petites proportions à ce premier long-métrage d'un réalisateur très prometteur et donc, à suivre de très près...

Sunshine de Danny Boyle (2007) - ★★★★★★★★☆☆

Nous sommes en 2057 et le Soleil est en train de mourir. Depuis plusieurs années, le vaisseau Icarus II parcourt la distance qui sépare la Terre de l'astre solaire sans lequel toute vie sur notre planète est condamnée à disparaître. Cinq hommes et deux femmes constituent les membres de l'équipage chargé de se rapprocher le plus possible du Soleil afin d'y envoyer une gigantesque bombe nucléaire qui permettra de le réactiver. Mais aux abord de la planète Mercure, ils reçoivent un étrange écho provenant de Icarus I, la précédente mission chargée d'effectuer une tâche similaire mais qui avait totalement disparu sept ans auparavant. Décision est prise de modifier temporairement la route de Icarus II afin de retrouver Icarus I et de récupérer la bombe à laquelle le vaisseau est rattaché. En récupérant celle-ci, les membres de l'équipage se donnent une chance supplémentaire d'accomplir leur mission. Malheureusement, un grave accident atteignant plusieurs panneaux de Icarus II va être le début de complications multiples pour le commandant Kaneda, ainsi que pour Capa, Cassie et les autres. Face aux multiples dangers et aux décisions auxquelles ils vont devoir faire face, chacun à leur tour, les membres vont devoir sacrifier leur propre existence pour que puisse survivre sur Terre, l'humanité...

Révélé en 1994 grâce à l'excellent thriller Petits Meurtres entre Amis, le réalisateur britannique Danny Boyle n'a cessé de marquer les esprits au fil de longs-métrages explorant des genres et des thématiques sans cesse différents. De Trainspotting en 1996 où il retrouve pour la seconde fois l'acteur Ewan McGregor qu'il révéla deux ans plus tôt, en passant par le film d'infectés 28 Jours plus Tard en 2002, Slumdog Millionaire en 2008 ou 127 Heures quatre ans plus tard. Avec Sunshine, il s'attaque à la science-fiction. Une œuvre qui semble avoir digéré tout un courant puisque les sources d'inspiration semblent nombreuses. On pense évidemment à 2001, l'Odyssée de l'Espace de Stanley Kubrick pour la rigueur visuelle du long-métrage de Danny Boyle et plus tard, au chef-d’œuvre de Ridley Scott Alien, le Huitième Passager dont les coursives du Nostromo, l'ambiance pesante et l'univers claustrophobe ne sont pas sans rappeler ce qui se joue lors de la dernière partie de Sunshine. On retrouve au générique, d'excellents interprètes. À l'image tout d'abord du japonais Hiroyuki Sanada, ''popularisé'' chez nous par la saga d'épouvante Ring de Hideo Nakata. Pourtant, c'est depuis bien plus longtemps que cet acteur charismatique est devenu célèbre. En effet, dès 1979 il incarna le personnage de Ayato dans la série culte San Ku Laï. On le retrouvera en 2010 dans Lost ou en 2014 dans la série inachevée Extant. À ses côtés, outre les personnages de Mace, Corazon, Searle ou Harvey respectivement interprétés par Chris Evans, Michelle Yeoh, Cliff Curtis et Troy Garity, on retrouve dans le rôle principal de Capa l'acteur Cillian Murphy (l'épouvantail de The Dark Knight de Christopher Nolan en 2008), dans celui de Cassie, l'un des deux seuls membres de sexe féminin l'actrice Rose Byrne et dans celui du grand méchant Pinbacker (car il y a un grand méchant), Mark Strong...

Si visuellement on ne pourra pas reprocher grand-chose à Sunshine, qu'il s'agisse des décors entre salle à manger, poste de pilotage, salle de relaxation et coursives ou des effets-spéciaux numériques qui ont plutôt bien vieilli malgré les treize ans d'âge du film, les scientifiques en herbe argueront sans doute de l'improbabilité d'un projet consistant à envoyer une bombe, même gigantesque (dont la masse est dans le cas présent comparée à celle de l'île de Manathan) sur la surface du Soleil afin de le réactiver. Lorsque l'on connaît les dimensions du soleil (un rayon de 696 340 kilomètres contre à peine un peu plus de 6 300 pour notre planète), il devient illusoire d'imaginer résoudre une telle situation de catastrophe dans des conditions aussi désespérées. Mais heureusement, le film ne concentre finalement qu'une petite partie à ce sujet pour se concentrer sur les rapports entre les membres de l'équipage. Entre accords, désaccords, prises de décisions délicates et sacrifices. Impossible de s'ennuyer un seul instant. Si le spectacle visuel est remarquable, Danny Boyle n'en oublie cependant pas d'y injecter une forte dose d'action, pas toujours crédible comme le veut généralement la tradition dans ce genre de blockbusters (qui pour une fois ne charge pas trop la mule). On pourra regretter une dernière partie versant dans l'épouvante et l'horreur sans jamais véritablement apporter d'élément convaincant à une œuvre qui n'avait surtout pas besoin de ça pour réussir à séduire les néophytes comme les passionnés de s-f. Ajoutez à tout ce qui fait l'intérêt et les quelques petites maladresses de Sunshine la superbe et très Ambient partition musicale signée du compositeur britannique John Murphy et vous obtenez un excellent film de science-fiction...

La Révolte des Triffides de Steve Sekely (1963) - ★★★★★★★☆☆☆

À l'origine de La Révolte des Triffides, un roman. Celui écrit par l'écrivain britannique John Wyndham édité pour la première fois en 1951, The Day of the Triffids. Auteur du célèbre roman Village of the damned qui fut à son tour à l'origine de deux adaptations cinématographiques majeures de la science-fiction (Le Village des Damnés de Wolf Rilla en 1960 et la version éponyme de John Carpenter réalisée en 1995), John Wyndham publie son premier ouvrage littéraire en 1919 (Vivisection) mais patiente jusqu'en 1931 pour connaître son premier succès intitulé Worlds to Barter. Entre science-fiction et policier, son cœur balance. Pourtant, c'est bien dans la première de ces deux catégorie que le britannique connaîtra ses plus gros succès dont The Day of the Triffids justement, auquel plusieurs réalisateurs ont tenté de rendre hommage, la version du cinéaste hongrois Steve Sekely n'ayant pas à rougir malgré l'âge avancé de son adaptation qui accuse en 2020 les cinquante-sept ans. Si l'évocation d'une invasion de la Terre par des organisme d'ordre végétal n'est pas rarissime dans la littérature fantastique, parmi les quelques exemples d'ouvrages mettant en scène des plantes hostiles, il en est un dont certains éléments rappellent l'ouvrage de John Wyndham.

En effet, The Invasion of the Body Snatchers de Jack Finney qui fut édité pour la première fois en 1955 et fut lui-même adapté à au moins quatre reprises (pour les version dites ''officielles'') partage des ressemblances avec l’œuvre du britannique...La première adaptation du roman de John Wyndham prend pour cadre le Londres du milieu des années soixante. Alors que l'annonce d'un spectacle au dessus de leur tête a attiré des hommes et des femmes à lever tous au même moment les yeux vers le ciel, tous ceux qui ont assisté à l'éruption solaire annoncée par la presse ont été victimes de cécité. En Angleterre, en France, aux États-Unis, au Japon et partout ailleurs dans le monde, c'est l'état d'urgence. L'humanité ne peut plus compter que sur les quelques personnes ayant conservé la vue. Parmi eux se trouve William Masen qui eut la chance durant l'événement d'avoir eut le visage emmailloté sous une épaisse couche de bandages à la suite d'une opération de chirurgie. Lui et quelques autres vont mettre à profit leur capacité à voir pour tenter de sauver l'humanité d'un mal encore plus incroyable que le ''simple'' fait d'être devenu aveugle. Lors de l’éruption solaire, des météorites se sont écrasées sur Terre apportant avec elle des créatures végétales hostiles dont la morsure est fatale.

Ne nous y trompons pas. Si La Révolte des Triffide à l'air de provenir du territoire américain, c'est bien d'une œuvre britannique dont il s'agit. Exit donc vampires à dents pointues et goules en tous genres. La menace vient de l'espace et va transformer notre planète en un vaste capharnaüm transformant quatre-vingt dix neuf pour cent de la population mondiale en individus atteints de cécité. Devant la catastrophe, divers comportements peuvent être soulignés. Il y a parmi ceux qui furent épargnés par le mal, certains qui ont choisi de réagir en travaillant sur une arme pouvant éradiquer l'invasion des Triffide. Ces plantes qui contrairement à ce que l'on pourrait imaginer existent bien et sont issues de modification génétiques produites par l'homme demeurent pourtant bien différentes dans le cas présent. En effet, dans l’œuvre de Steve Sekely elles sont capables de se mouvoir par elles-mêmes et possèdent des protubérances qu'elles dressent devant elles afin de piquer ou de mordre leur proie. Nous sommes en 1963 et forcément, les effets-spéciaux n'ont rien de commun avec ce que l'on connaît de nos jours. Cependant, ne crachons pas trop vite dans la soupe car même si ces plante ne peuvent raisonnablement pas effrayer quiconque les voit débarquer sur un écran de cinéma ou de télévision de nos jours, on a vu pire dans le domaine des ''Craignos Monsters''.

À dire vrai, La Révolte des Triffide est un sympathique divertissement. Entre épouvante, science-fiction, avec cette minuscule petite touche de romance qui n’envahit heureusement pas trop la pellicule. Cependant, le film souffre de sa trop grande durée. Une heure et trente-quatre minutes, c'est bien trop de temps accordé au scénario de Bernard Gordon qui s'attarde trop longuement sur des séquences inutiles. Sans doute aurait-il été intéressant d'approfondir le sentiment de folie qui s'empare d'une part de la population plutôt que de simplement la survoler. Sans trop faire de vagues, Howard Keel, Nicole Maurey, Janette Scott, Kieron Moore, Mervyn Johns et les autres interprètes font le taf. À noter que plusieurs autres adaptations ont vu le jour les décennies à venir. En 1981, une relecture de Douglas Livingstone réalisée par Ken Hannam prit la forme d'une série en six épisodes intitulée The Day of the Triffids. Il faudra ensuite patienter jusqu'en 2009 pour retrouver une nouvelle fois sur le petit écran ces horribles créatures végétales avec une mini-série en deux épisodes également intitulée The Day of the Triffids mais cette fois-ci réalisée par Nick Copus...

Blood Beast from Outer Space de John Gilling (1965) - ★★★★★★★☆☆☆

Blood Beast from Outer Space, c'est de la bonne vieille science-fiction du milieu des années soixante. En noir et blanc et à nouveau basé sur l'un des deux grands thèmes de l'époque. Et puisque nous sommes en Angleterre en non pas aux États-Unis, ça n'est pas d'une allégorie sur la peur de l’ennemi soviétique dont il s'agit mais d'un message de paix. Bon, évidemment, ça ne saute pas tout de suite aux yeux. Parce que des femmes qui disparaissent sans laisser de traces, un scientifique qui meurt d'effroi devant une incarnation venue de Ganymède, troisième étoile de Jupiter, et sa jeune assistante témoin de cette horrible apparition, ça laisse plutôt le sentiment des prémices d'une invasion venue de l'espace. Tout commence avec la chute d'une météorite. Alors que l'armée a déjà envoyé sur place plusieurs contingents de soldats afin de sécuriser la zone, les docteurs Morley et Jack Costain ainsi que leur assistante Ann Barlow débarquent avec un document officiel leur accordant le droit de s'approcher du site. Il prennent contact avec un officier de l'armée qui les conduit jusqu'à l'endroit où est censé se trouver un énorme cratère et en lieu et place duquel se trouve un étrange objet de forme sphérique qui ne semble avoir rien de naturel...

Les scientifiques épaulés par l'armée transportent le minuscule objet dans un laboratoire où ils tentent de l'examiner. Mais alors qu'ils n'ont pas dormi depuis trente-six heures, les docteurs Morley et Jack Costain décident de prendre un peu de repos tandis qu'Ann, elle, reste afin de terminer ce qu'elle avait commencé. Dans la pièce d'à côté, l'objet devient lumineux et provoque alors de violents maux de tête chez Ann qui manque de s'évanouir. S'approchant de la sphère, sa main est attrapée par celle d'une créature hideuse qui tente de s'emparer de la jeune femme. Mais heureusement pour elle, elle parvient à donner l'alerte et fait fuir la créature. Au retour des docteurs, Morley s'isole seul dans la pièce où se trouve la sphère et tente une expérience. Dans la pièce d'à côté, Jack, Ann et un officiel entendent Morley s'adresser à quelqu'un. Et ce quelqu'un n'est autre que la créature qu'à croisé plus tôt la jeune assistante. Une vision tellement terrifiante que lorsque Jack, Ann et l'officier ouvrent la pièce dans laquelle Morley s'était isolé, celui-ci est découvert mort, le visage marqué par la peur...

Blood Beast from Outer Space est réalisé en 1965 par le britannique John Gilling. Celui-ci n'en est pas à sa première expérience cinématographique puisqu'il débute sa carrière avec le moyen-métrage A Matter of Murder en 1949 (après avoir réalisé le court Escape from Broadmoor l'année précédente). Parmi ses faits d'arme, L'Impasse aux Violences en 1960, L'Invasion des Morts-Vivants en 1966 et La Femme Reptile la même année demeurent les plus connus. Blood Beast from Outer Space ressemble quant à lui à nombre de films de science-fiction de l'époque desquels découlent souvent des message moralisateurs dont l'Homme ne sort que très rarement grandit. Une comète qui s'écrase, une créature qui s'en échappe, des thèmes récurrents qui trouvent ici une alternative scénaristique plutôt intéressante. L'un des thèmes abordés dans Blood Beast from Outer Space, c'est la téléportation. Et même si le terme reste imprécis en la matière, l’œuvre de John Giling évoque bien le transfert d'un organisme vivant sur l'une des Lune de Jupiter vers notre planète. Popularisée par Kurt Neumann et La Mouche Noire en 1958 (et par sa suite ainsi que le sublime remake de David Cronenberg The Fly en 1986) et plus encore par la franchise Star Trek plus proche dans l'esprit du film de John Gilling puisque de science-fiction là encore, il s'agit, c'est donc le mode de déplacement qu'utilise celui qui se fera appeler Medra. Et qui dans l'ombre, est interprété par l'acteur Robert Crewdson.

L'une des originalités de Blood Beast from Outer Space est de n'avoir pas profité de l'occasion pour évoquer une armée toujours aussi peu vouée à la cause de la science. Si au départ les rapports sont sensibles, les relations s'apaisent finalement entre militaires et scientifiques. Ça n'était pourtant pas gagné car avec cynisme, John Gilling se moque gentiment de l'armée, puis de la science. Et quel meilleur exemple que de citer la séquence durant laquelle le docteur Morley (incarné par l'acteur Maurice Denham) fait le piquet devant un officier ayant du mal à expliquer à son correspondant téléphonique la situation concernant l'objet découvert un peu plus tôt dans la journée ? L'une des scènes de bravoure d'un long-métrage souvent porté sur le dialogue plutôt que sur l'action. Un choix qui dans le cas présent est bien venu puisque les dialogues sont relativement bien écrits et que leurs interprètes sont d'excellents acteurs. Un casting essentiellement constitué d'interprètes masculins au milieu duquel évolue l'actrice Patricia Haines dans le rôle d'Ann Barlow. Mais la vedette du film, plus que la créature, plutôt sommaire, c'est l'acteur John Saxon qui à l'époque n'est âgé que de trente ans. C'est lui qui incarne un docteur Jack Costain plutôt convaincant. S'il s'agit bien d'une œuvre de science-fiction, Blood Beast from Outer Space frôle parfois également l'épouvante, mais de façon relativement discrète. Au final, il s'agit peut-être de l'un des meilleurs films de sa catégorie. Sans vouloir en mettre plein la vue, le réalisateur britannique signe une œuvre de science-fiction qui échappe au ridicule même si la vue d'une main griffue laissait craindre le pire... Surtout, il évite de plomber l'ambiance par la classique romance de pacotille qui accompagne généralement à l'époque ce type de projet...

The Divide de Xavier Gens (2011) - ★★★★★★★☆☆☆

Au départ, ça commence comme du Luc Besson... Arghhh !!! Xavier Gens filme un cataclysme à travers le regard de son héroïne puis le reflet d'une vitre. Une toute petite poignée de secondes, sans doute parmi les plus colorées de ce Divide signé du réalisateur, scénariste et producteur français Xavier Gens qui après s'être fait la main sur quelques courts-métrages à débuté sur grand écran en 2007 avec deux longs-métrages. Tout d'abord Frontière(s), un ersatz plutôt sympathique du film culte de Tobe Hooper Massacre à la Tronçonneuse, puis avec Hitman, l'adaptation d'un jeu vidéo d'action et d'infiltration éponyme créé par l'entreprise de développement danoise IO Interactive, et sorti sur PC au tout début des années 2000. Suivirent ensuite Lady Blood en 2008 en tant qu'acteur (la suite du Baby Blood d'Alain Robak sorti dix-huit ans auparavant), La Horde en 2009 en tant que producteur, puis The Divide en 2011. Depuis, Xavier Gens à réalisé l'un des segments de l'anthologie horrifique The ABCs of Death en 2012, a réalisé Cold Skin en 2017, puis successivement en 2018 et 2019, a réalisé Budapest et produit Papicha. Comme on peut le constater, pas mal d'horreur, un peu de comédie, de drame et une touche de S-F...

The Divide est une œuvre de science-fiction post-apocalyptique qui paraît au premier abord suivre la trace de certains de ses illustres prédécesseurs. On pense tout d'abord aux plus récents qui à l'époque servent de références : 28 Jours plus Tard de Danny Boyle, sorti en 2002 (et sa formidable séquelle réalisée en 2007 par Juan Carlos Fresnadillo, 28 semaines plus Tard), Le Temps du Loup de Michael Haneke la même année, Le Jour d'Après de Roland Emmerich (preuve que l'allemand est capable de signer autre chose que de la merde!) en 2004, Je suis une Légende de Francis Lawrence en 2007 ou encore La Route de John Hillcoat en 2009. Pourtant, ici, pas de vampires ou d'infectés assoiffés de sang, et la fin du monde ne semble pas être au cœur des préoccupations du réalisateur. Non ce qui semble d'abord fasciner le français, ce sont les rapports humains. Mais loin d'avoir l'intention de nous narrer un joli conte pour petits et grands, Xavier Gens est plus près de ces auteurs pour qui ce genre de situation est l'occasion d'exposer une espèce humaine capable de laisser s'exprimer ses plus vils instincts. Huit rescapés d'un immeuble qui s'est effondré sur ses fondations se sont réfugiés dans le bunker que l'un d'eux à construit de ses propres mains. Deux femmes pour six hommes (dystopie et parité n'ayant ici aucune raison de se côtoyer) qui vont devoir partager le même espace de confinement (dehors, l'air est vicié par des particules radioactives) et le stock de nourriture méticuleusement rassemblé par le propriétaire des lieux (l'acteur américain Michael Biehn qui vingt-sept ans après le film culte de James Cameron Terminator est à nouveau confronté à un univers post-apocalyptique)...

Les personnalités se dessinent alors qu'à l'extérieur, des individus en combinaisons semblent mener des expériences sur de jeunes enfants. Qui de Eva, Marilyn, Mickey, Josh, Adrien, Elvin, Sam et Bobby va résister à l'envie de prendre possession des lieux ? Qui au contraire va profiter de la situation pour montrer son vrai visage et prendre le pouvoir ? Les esprits s'échauffent petit à petit et l'ambiance se fait de plus en plus délétère. Ce ne sont pas tant les quelques saillies sanglantes qui dérangent ici mais la violence psychologique. Si certains tentent de conserver leur intégrité morale (Iván González dans le rôle de Sam), d'autres en revanche s'abandonnent à la fange et à l'impudeur (Rosanna Arquette dans le rôle de Marilyn) ou à la torture psychologique et physique (Michael Eklund parfaitement effrayant dans la peau de Bobby). Xavier Gens accouche d'une œuvre authentiquement cauchemardesque qui prend la théorie de l'évolution du naturaliste Charles Darwin à rebours en faisant de ses rescapés, des individus capables de se comporter pire que des bêtes pour survivre.

Mais pas que... puisqu'il ne s'agit plus seulement de conservation, mais de laisser s'exprimer ce que l'âme humaine a de plus sombre. Le Mal s'empare des esprits mais aussi des corps. Les visages se font blafards, le regard s'injecte de sang, les parasites colonisent le cuir chevelu. Tout chez Xavier Gens se délite pour n'être plus qu'une parodie d'humanité où l'ordre et la morale n'y sont plus pour mettre un frein aux agissements les plus répréhensibles. The Divide est l'une des visions du futur les plus noires et pessimistes que le septième art nous ait offert. En cela, on peut remercier le réalisateur ainsi que ses interprètes, tous formidables, la photographie de Laurent Barès et le score de Jean-Pierre Taïeb de nous avoir offert un voyage aussi pathologiquement mémorable...

Le Dernier Pub avant la Fin du Monde d'Edgat Wright (2013) - ★★★★★★★☆☆☆

Il y a vingt ans, Gary King, Andy Knightley, Steven Prince, Oliver Chamberlin et Peter Page se sont lancé un défit : faire la tournée des pubs de Newton Haven avec, à chaque arrêt, l'absorption d'une pinte de bière. Mais alors qu'ils s'apprêtèrent à se rendre dans le douzième et dernier pub de la ville, un incident les empêcha d'aller jusqu'au bout. Vingt ans plus tard, Gary part à la recherche de ses anciens camarades de classe qui depuis ont tous refait leur vie dans des villes différentes. Son but est simple : réunir à nouveau le groupe des cinq et refaire ensemble la tournée des pubs de Newton Haven avec pour but d'aller jusqu'au bout. Malgré les réticences de chacun, les cinq amis finissent par être de nouveau réunis et commencent la tournée. Mais alors que Gary et les autres passent de pub en pub, ils constatent peu à peu le comportement étrange de certains habitants de la ville. Lorsqu'ils atteignent le quatrième pub, c'est dans les toilettes du bar que Gary remarque que certains clients ne sont pas ce qu'ils paraissent être. En fait d'humains, ceux-ci cachent en réalité des extraterrestres qui ont pour but d'assimiler peu à peu l'espèce humaine...

Alors que je m'apprête très prochainement à donner naissance à un nouveau blog entièrement consacré aux parodies d'un genre un peu particulier des classiques de la science-fiction, de l'action, de l'aventure, de l'horreur, du thriller ou encore de la comédie, j'ai choisi de centrer ce nouvel article de L'Idiot Électrique autour du cinquième long-métrage du cinéaste britannique Edgar Wright qui connut un très grand succès avec son second long-métrage Shaun of the Dead en 2004. Une excellente parodie des films de zombies qui laissait alors le champ libre au cinéaste de proposer toute une déclinaison, du policier avec Hot Fuzz jusqu'à ce Dernier Pub avant la Fin du Monde signé en 2013. Sur un scénario signé en compagnie de l'acteur Simon Pegg, fidèle interprète du cinéaste depuis Shaun of the Dead, Edgar Wright aborde cette fois-ci la science-fiction.

Le réalisateur retrouve donc pour cette nouvelle aventure tournée à Welwyn Garden City et Letchworth Garden City, toutes deux situées dans le comté de Hertfordshire au nord de Londres, ses fidèles interprètes. En effet, outre Simon Pegg, on retrouve Nick Frost qui joua dans les deux films cités plus haut, Paddy Constantine qui interpréta le rôle de l'Inspecteur Andy Wainwright dans Hot Fuzz, ou encore Martin Freeman qui des années plus tard interpréterait notamment le personnage de Bilbon Sacquet dans la trilogie de Peter Jackson, Le Hobbit. Seul l'acteur britannique Eddie Marsan apparaissait pour la première fois dans un long-métrage d'Edgar Wright. Si Le Dernier Pub avant la Fin du Monde n'est pas une parodie à proprement parler puisqu'il ne s'inspire pas directement d'une œuvre de science-fiction existante, le sujet rappelle cependant celui d'un grand classique déjà adapté à plusieurs reprises au cinéma et dont la meilleure version demeure sans doute celle réalisée en 1978 par Philip Kaufman et intitulée L'Invasion des profanateurs. En effet, le sujet du Dernier Pub avant la Fin du Monde tourne autour d'une invasion extraterrestre dont les spécimens présents à l'écran observent un comportement figé, sans émotion, ce qui va d'ailleurs à l'encontre de celui de certains que les personnages principaux identifieront assez rapidement. Amusant mais assez répétitif, Le Dernier Pub avant la Fin du Monde propose une action enlevée, des gags lourds mais relativement drôles, des acteurs qui cabotinent, se frottent les uns aux autres avant de se réconcilier, et des effets-spéciaux réussis mais dans l'ensemble, assez curieux (vous le comprendrez en découvrant sous quelle apparence se cachent les envahisseurs). Ici, le but recherché n'est pas tant de provoquer la peur du spectateur mais de le divertir sur le mode de l'humour C'est donc mission réussie même si Le Dernier Pub avant la Fin du Monde n'atteint jamais vraiment le niveau de Shaun of the Dead. De quoi passer un agréable moment de détente...

Children of the Damned d'Anton Leader (1963) - ★★★★★★☆☆☆☆

L'enfance diabolique est un thème récurrent au cinéma. Il y a pris différentes formes. De l'emprise sur son esprit par le Diable ou tout autre manifestation venue des Enfers en passant par divers phénomènes liés aux ovnis et autres extraterrestres, nos chères petites têtes blondes sont manifestement capables de générer la peur de manière aussi crédible que les adultes. Ces enfants possèdent un avantage dont le poids pèse très lourd dans la balance qui les oppose à n'importe qu'elle autre menace. Et cet avantage est justement leur âge qui au moins dans le cas qui nous préoccupe ici leur permet de s'assurer une certaine distance de la part des adultes vis à vis de leurs actes. Car en effet, quoi pourrait concevoir un instant l'idée de tuer un enfant ? Et qui plus est, dans le cas présent, non pas un mais six...

L’œuvre d'Anton Leader est une réflexion sur le pouvoir de destruction de l'homme et sur l'une des seules voies capables d’éradiquer son espèce. Le message délivré par ces cinq enfants issus de pays et de cultures différentes n'est pas toujours très clair, le cinéaste préférant la majeure partie du temps les enfermer dans le mutisme, leur offrant dans de rares occasions l'opportunité de s'adresser au monde des adultes à travers les lèvres de Susan Eliot (interprétée par l'actrice Barbara Ferris), la tante de Paul, l'un des six enfants.

Si l'on retrouve plusieurs éléments du classique de Wolf Rilla sorti trois ans auparavant en 1960, le long-métrage d'Anton Leader n'a en réalité rien à voir avec Village of the Damned. Pourtant, tout ou presque semblait rapprocher ces deux films. Des enfants qui peu ou prou sont similaires et dans leur comportement, et dans leur apparence. Une attitude inquiétante, silencieuse. Des gamins exceptionnellement intelligents dont les intentions réelles restent à démontrer. Children of the Damned ne laisse qu'une très petite porte d'entrée devant l'éventualité d'une intervention divine ou extraterrestre. Pourtant, le fait même que la mère de chacun de ces six enfants l'ait conçu sans la présence d'un individu de sexe masculin laisse supposer l'une ou l'autre.

Approchés par des scientifiques, les six enfants sont l'objet d'études qui laissent envisager plusieurs hypothèses comme le processus d'évolution cher à Darwin ou la parthénogenèse, ou, division à partir d'un gamète femelle non fécondé, ce qui consiste en la conception d'un enfant sans l'intervention du mâle. Tourné en noir et blanc, Children of the Damned n'a pas vraiment à rougir devant le classique dont il semble ouvertement s'inspirer autrement que lors de la trop longue séquence se déroulant dans l'église (ce qui laisserait donc définitivement supposer une intervention divine?). Le scénario de John Briley y montre en effet ses faiblesses et la vacuité de son propos qui laisse un fossé immense entre les agissements des six enfants et les véritables raisons de leur présence. C'est donc de manière tout à fait personnelle qu'il faut voir dans la symbolique qui unit ces enfants jusque dans la mort, un message à l'encontre d'une humanité qui sacrifie sa progéniture à travers d'immémoriaux conflits territoriaux ou religieux. À décharge pour le cinéaste britannique, sa vision nihiliste est assez peu courante pour une œuvre de cinéma datant du début des années soixante. Un nihilisme qui va jusqu'à emporter dans la tourmente de jeunes enfants qui n'ont même pas encore atteint l'âge de l'adolescence. Un petit film de science-fiction et d'épouvante ni vraiment raté, ni vraiment effrayant, mais plutôt agréable à regarder. On lui préférera tout de même le Village of the Damned de Wolf Rilla ou le remake réalisé bien des années plus tard par le cinéaste américain John Carpenter...

Solis de Carl Strathie (2017) - (ma note: ★★★★★★☆☆☆☆) (celle d'Anna: ★★★★★★★☆☆☆)

Ce visage au sourire satanique, tordu, inquiétant... cette longue moustache barrant son visage comme une peinture angoissante d'un Village People sorti tout droit d'un monde envahi par des millions de morts revenus à la vie afin de hanter les vivants... Steven Ogg n'est certainement pas l'acteur canadien le plus célèbre dans l'hexagone, il est pourtant parmi ceux dont on a retenu la silhouette et ce sourire plus flippant encore que celui du Joker. Après avoir incarné à vingt et une reprises l'horrible personnage de Simon dans la série télévisée The Walking Dead et après y avoir connu un sort peu enviable (il y a bien une justice dans ce bas monde), Steven Ogg a troqué son costume de cow-boy post-apocalyptique pour celui d'astronaute dans l'un des rares long-métrages dans lesquels il a tourné depuis le début de sa carrière d'acteur à la toute fin des année quatre-vingt dix. Premier long-métrage du cinéaste Carl Strathie dont le prochain film, Dark Encounters devrait mélanger horreur et science-fiction (le titre ne laissant aucun doute là-dessus), Solis repose entièrement sur les épaules du personnage incarné par Steven Ogg puisqu'à part un cadavre particulièrement silencieux (et salement amoché) lui tenant compagnie et une voix, au départ, franchement peu aimable, l'acteur doit composer avec un décor sommaire et pas franchement chaleureux (une capsule de sauvetage aux allures de minuscule hangar désaffecté) et des extérieurs dont on ne découvrira que quelques bribes à travers l'unique hublot de l'engin.

Démarrant sous les meilleurs auspices avec des premières images plutôt envoûtantes, limite 'New age', la partition musicale de Solis, écrite par le compositeur David Stone Hamilton, finit par très rapidement s'emballer pour devenir épique, voire, grandiloquente. Derrière l'apparence rustre et sommaire des décors et d'un scénario relativement simple à comprendre, on sent pointer une certaine ambition que les limites budgétaires et scénaristiques freinent sensiblement. N'ayant très concrètement pas les moyens financiers alloués au cinéaste mexicain Alfonso Cuarón pour son Gravity, le canadien est contraint de faire avec des bouts de ficelle et, Ô miracle, y parvient dans une certaine mesure.

L'un des principaux atouts est forcément la présence de Steven Ogg qui aurait pu s'économiser dans un long-métrages aux allures d’œuvre contemplative et spatiale mais préfère exploiter tout le potentiel de son jeu d'acteur. Seul en contact avec le Commandant Roberts dont on n'entendra que la voix et dont on ne verra jamais les traits sous lesquels aurait dû se présenter l'actrice Alice Lowe, l'acteur est contraint d'assurer le spectacle dans un cadre on ne peut plus exigu et qui servira de décors dans une grande majorité des séquences en dehors d'une scène située en extérieur.

L'histoire tourne autour d'un astronaute, seul survivant d'un accident qui a coûté la vie aux deux seuls autres membres de son équipage. Forcé de fuir à bord d'une capsule de secours, l'ingénieur Troy Holloway constate avec effroi que l'engin se précipite dangereusement vers le Soleil. Fort heureusement, un vaisseau est présent dans le secteur. Le commandant Roberts prend alors la décision de venir en aide à Troy malgré les dangers d'une telle expédition... Solis montre ses limites scénaristique lors de séquences parfois beaucoup trop longues. En choisissant de ralentir le rythme et d'accentuer la durée de certaines péripéties, Carl Strathie remplit les cases vides d'un scénario trop succinct. La plupart des scènes démarrent donc sous les meilleurs augures mais à la longue finissent par se révéler lassantes. La sortie dans l'espace et, PIRE, la fin de Solis s'éternisent à outrance. Des quatre-vingt dix minutes que dure le film, le canadien aurait pu se contenter de n'en faire qu'un moyen-métrage beaucoup plus dynamique. Pa mauvais dans le fond, mais dans la forme, parfois longuet...

The Last Days on Mars de Ruairi Robinson (2013) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

Le problème avec la science-fiction, c'est qu'il y a à boire, à manger, mais aussi à vomir. Les space opera sont légion, et ceux dont l'intrigue se situe à la surface de la planète rouge de notre système solaire de plus en plus nombreux. Seul sur Mars de Ridley Scott a fait beaucoup de bien aux amateurs du genre, mais a aussi involontairement engendré toute une série d'ersatz de plus ou moins bonne qualité. Chose que l'on ne pourra cependant par reprocher à The Last Days on Mars, puisque ce film réalisé par le cinéaste irlandais Ruairi Robinson est sorti deux ans avant, en 2013. Mais, bien longtemps après l'un des deux autres chefs-d’œuvre de la science-fiction réalisés eux aussi par Ridley Scott, Alien, le Huitième Passager (le troisième demeurant bien évidemment Blade Runner), lui-même source d'inspiration évidente, quoique à y réfléchir plus en profondeur, The Last Days on Mars ressemble effectivement davantage à Alien:Covenant sorti l'année passée et, réalisée par... je vous laisse deviner...

Le premier long-métrage de l'acteur, scénariste, producteur, réalisateur (et j'en passe) Ruairi Robinson, lequel est généralement plus habitué au format court qu'au long, a tout d'abord de quoi convaincre les sceptiques. Surtout le premier quart d'heure de The Last Days on Mars offrant une contemplation crédible et envoûtante de la planète Mars (alors même que le très pénible 2036 Origin Unknown n'en laissait voir pas grand chose à cause d'épouvantables filtres en mode « caches misère ») à la surface de laquelle, les membres d'une expédition s'apprêtent à y vivre (c'est le cas de le dire), leurs derniers instants d'émotion. Dans un premier temps, l’œuvre laisse envisager un profond respect de la part de son auteur pour les sciences puisque l'intrigue se déroule de manière sensiblement moins grotesque que bon nombre de longs-métrages de science-fiction. Les images de la planète sont belles, et les décors intérieurs convaincants. Malheureusement, et oui, cela se gâte alors qu'un accident arrive à l'un des membres de l'équipage qui après avoir étudié un prélèvement, décide de retourner dans la zone de recherche. Le sol se dérobe sous ses pieds, l'homme chute de plusieurs mètres sous terre et disparaît. Une équipe réduite se lance à sa recherche, et là, ça devient du grand n'importe quoi !

Sans doute victime d'un accident vasculaire cérébral ou des effets secondaires liés à la consommation d'une herbe de mauvaise qualité, Ruairi Robinson pète littéralement un câble et nous sert un mix improbable entre Science-fiction et film de Zombies ! Non, vous ne rêvez pas. The Last Days on Mars s'offre le luxe de proposer l'un des scénarii les plus CONS que l'on puisse oser imaginer. En gros, le bonhomme a bâtit un magnifique château de sable avant de le défaire à grands coups de pieds. Du long-métrage qu'il semblait vouloir être à l'origine, The Last Days on Mars n'est plus qu'un nanar même pas plaisant à suivre. Un peu comme si la chaleur des premiers instants nous offrait l'opportunité d'ouvrir grandes les fenêtres avant que ne survienne en quelques secondes, une immense vague de froid. Oui, je le reconnais, la chose n'est pas plaisante. Le film, pas davantage. Et même, si l'on décide de passer outre la crétinerie du spectacle auquel le cinéaste a la mauvaise idée de nous convier, la mise en scène, les effets-spéciaux (des zombies même pas dignes des pires productions italiennes des années quatre-vingt), et parfois l'interprétation ne poussent le spectateur qu'à un verdict sans appel : la destruction des originaux ainsi que de toutes les copies de cette bouse qui circulent !!!

QUOI ? Comment ça, je m'emballe ???

Alien Autopsy de Jonny Campbell (2005)) - ★★★★★★★☆☆☆

L'autopsie de l'extraterrestre de Roswell, qui fit couler tant d'encre lors de sa révélation en 1995 sur les chaînes du monde entier, causa chez nous la disparition à l'écran de l'animateur de télévision Jacques Pradel qui proposa par deux fois de revenir sur cet événement dans son émission L'Odyssée de l’Étrange en choisissant de croire en la véracité des images. Un parti pris qui l'éloigna du petit écran durant six ans, entre 1996 et 2002. Aux États-Unis, c'est l'acteur, réalisateur, et pour le coup, animateur Jonathan Frakes qui animait le docu-fiction Alien Autopsy: Fact or Fiction? lors de sa diffusion le 28 août 1995, sans doute lui-même convaincu de la véracité des faits. Dix ans plus tard, le cinéaste britannique Jonny Campbell revenait sur le sujet avec son unique long-métrage cinéma à ce jour (le bonhomme tournant avant tout pour le petit écran). Une comédie « so british » revenant sur ce fait divers qui défraya la chronique au beau milieu des années quatre-vingt dix et bouscula quelque peu le monde de l'ufologie.

Si Alien Autopsy laisse entrevoir l'hypothèse selon laquelle il existerait bien une vidéo montrant l'autopsie RÉELLE d'un extraterrestre datant de 1947 (vidéo à l'origine d'un canular s'expliquant par la destruction de la bande magnétique sur laquelle était reproduite la dite autopsie), la réalité semble cependant bien moins féerique puisque son auteur, un certain Ray Santilli, avoua avoir voulu faire une blague sans penser un seul instant aux répercutions qu'engendreraient les images qu'il tourna en compagnie de son... « complice » Gary Shoefield, du réalisateur et producteur Spyros Melaris, ainsi que de son frère et sa petite amie, lesquels endossèrent l'uniforme des faux chirurgiens apparaissant sur les célèbres images. Quand à l'extraterrestre à proprement parler, il fut l’œuvre du sculpteur John Humphreys, un spécialiste des effets-spéciaux qui travailla notamment sur Rawhead Rex de George Pavlou en 1986 ou Charlie et la Chocolaterie de Tim Burton en 2006. Quant à sa composition organique, elle sembla avoir été assez fidèle à la description qu'en fait l’œuvre de Jonny Campbell.

Un long-métrage, d'ailleurs, assez curieux, puisque traité sur le ton de l'humour... anglais, comme il se doit. Un parti-pris qui peut dérouter pendant quelques instants mais qui au final ne révèle rien de véritablement fâcheux puisqu'à part quelques gags au demeurant, relativement drôles, le cinéaste met le doigt sur les conséquences d'une telle plaisanterie. Principalement incarnée par les britanniques Declan Donnelly et Anthony McPartlin (sans oublier l'actrice Morwenna Banks), cette petite production nous venant de Grande Bretagne étend son casting au delà des frontières britanniques puisqu'on peut notamment y découvrir les acteurs américains Bill Pullman et Harry Dean Stanton, l'iranien Omid Djalili (excellent dans la peau du réalisateur-cameraman Melik, ou encore l'allemand Götz Otto, lequel ne dépareillerait sans doute pas au milieu d'un casting constitué par les Frères Coen (on a pu notamment l'apercevoir dans le troisième volet des aventures des Visiteurs dans le rôle du Colonel Wurtz). Drôle, fun, librement inspiré, Alien Autopsy permet de remettre au goût du jour un fait divers qui fit beaucoup parler de lui et ridiculisa quelque peu ceux qui y virent une manne financière (on parle évidemment des responsables de chaînes de télévision), ainsi que les communautés médicales et scientifiques, surtout si l'on considère que certains spécialistes, à l'époque, y ont cru. Sous ses apparences de petite production bricolée, Alien Autopsy est donc une excellente surprise...et puis, si certains n'avaient définitivement pas envie de rêver, ou bien même d'accepter la supercherie, ils pourront toujours se rattraper avec l'excellente bande-son piochant allégrement dans certains standards pop des années soixante-dix, quatre-vingt...