L'homme qui rétrécit de jan Kounen (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

En 1956 sortait dans les librairies américaines le roman The Shrinking Man de l'écrivain Richard Matheson. La version française devra attendre un an avant de sortir sous la traduction de L'homme qui rétrécit. C'est également en 1957 que l'ouvrage original sera adapté sur grand écran par Jack Arnold. Cinéaste américain notamment spécialisé dans le fantastique et la science-fiction, on lui doit L'étrange créature du lac noir en 1954, Tarantula en 1955, Le monstre des abîmes en 1958 ou encore The Space Children la même année. Mais de tous les longs-métrages abordant leur récit dans un contexte plus ou moins fantaisiste, L'homme qui rétrécit demeure sans doute son meilleur film..... Après une absence de cinq années, le réalisateur français Jan Kounen revenait l'année dernière avec une nouvelle adaptation du roman de Richard Matheson. Ouvrant l'intrigue sur une citation issue de l’œuvre originale, l'on peut déjà noter quelques différences entre les deux longs-métrages. Tout d'abord plus ou moins fidèle au roman et à sa première adaptation sur grand écran, le héros désormais incarné par Jean Dujardin ne se retrouve plus comme dans le cas de Scott Carey (Grant Williams) au beau milieu d'un étrange nuage radioactif mais face à un curieux événement qui semble être d'ordre météorologique. Pris dans un tourbillon alors qu'il nage en pleine mer, Paul ressent comme un engourdissement au niveau des mains mais n'y prête pas trop d'attention. Cependant, trois jours après, un curieux phénomène physiologique commence à se développer chez ce père de famille marié à Elise (Marie-Josée Croze) avec laquelle ils ont eu leur fille Mia (Daphné Richard). En effet, Paul commence à rapetisser. Après avoir notamment fait des examens auprès d'une endocrinologue (Stéphanie Van Vyve) et après avoir subit une batterie de tests, les résultats confirment qu'il est en excellente santé. Simplement, Paul rétrécit, inexorablement. Mettant sa vie de famille en péril mais aussi la sienne en danger. Enfermé chez lui, et c'est là que cette version diffère drastiquement de celle de Jack Arnold, Paul est désormais confronté à un environnement de plus en plus hostile. À commencer par le chat de la famille qu’Élise est contrainte de laisser à l'extérieur de leur demeure. Le personnage de Mia est un élément plus ou moins secondaire mais qui reste peu ou prou fidèle au roman alors que dans la version de 1957 le cinéaste américain avait préféré se dispenser de son existence. Jan Kounen et le scénariste Christophe Deslandes développent une relation très importante entre le père et sa fille. Rendant ainsi certains enjeux des plus dramatique. Tout comme celle qu'entretiennent le héros et son épouse. Le premier étant réduit au statut d'impuissance due à sa petite taille et la seconde étant ''contrainte'' de faire chambre à part...

L'une des différences fondamentales qui sépare les deux films est aussi le choix de Jan Kounen d'écarter le personnage de Paul de tout contact avec le monde extérieur. Tandis que dans la version de 1957 Scott Carey choisissait durant un temps de continuer à vivre ''normalement'', sortant de chez lui, évoquant son cas auprès des médias ou allant plus simplement discuter avec une personne de petite taille afin de se donner la consistance suffisante pour se croire encore ''normal'', dans celle de 2025, Paul s'isole rapidement du monde extérieur, assis dans un fauteuil témoignant de l'inéluctabilité de sa condition d'homme qui rétrécit pour n'être plus qu'une poupée mise entre les mains de sa propre fille. Puis vient ce moment crucial où Paul ne peut même plus compter sur les siens, convaincus, du moins s'agissant d’Élise, qu'il a finit entre les crocs de leur chat. Tombé dans un panier rempli de vieilleries installé dans la cave, Paul va devoir lutter pour sa survie. Si dans le fond, cette dernière et assez longue partie du long-métrage n'apprendra pas grand chose de neuf à celles et ceux qui connaissent l’œuvre en noir et blanc de Jack Arnold, il se peut que L'homme qui rétrécit version 2025 contente très largement les autres amateurs de ''merveilleux'' et son univers devenu presque impalpable à l'échelle d'un homme réduit à la taille d'une fourmi, d'un moustique ou, plus inquiétant, d'une araignée... Chargés à l'époque de concevoir les effets optiques et les différents truquages, Clifford Stine ainsi que Roswell A. Hoffman et Everett H. Broussard avaient réalisé des prouesses qui encore aujourd'hui impressionnent. Malgré tout, l'apport des images de synthèses et autres CGI permettent aujourd'hui de repousser les limites de l'imagination, ce qui permet à Jan Kounen de laisser libre à la sienne et ainsi d'intégrer Jean Dujardin dans un milieu conçu sur ordinateur, mêlant ainsi VFX, immenses maquettes et fonds bleus pour un résultat très satisfaisant. Parcouru de lignes de dialogue en voix-off, entre pensées philosophiques et phrases toutes faites du genre ''On regrette le temps d'avant, celui-là qu'on voulait changer'' ou ''Ce sera ça ma vie, un combat perdu d'avance'', cette version 2025 n'a pas à rougir face à celle de Jack Arnold... Un retour qui aurait dû être gagnant pour le cinéaste et pour ses interprètes mais qui malheureusement s'est soldé par un échec. En France, L'homme qui rétrécit n'a en effet attiré qu'un peu plus de deux-cent soixante mille spectateurs. Pour un budget de vingt et un millions d'euros, le film n'en a rapporté qu'un dixième environ...

 

Else de Thibault Emin (2025) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Bouh, ce que j'ai pu prendre comme retard, moua! Allez, on remet les pendules à l'heure avant de véritablement entamer cette année 2026 qui est déjà vieille de quinze jours. Pour commencer, on va parler de Else de Thibault Emin, auteur de trois courts-métrages entre 2006 et 2008 et puis, PAF ! Silence radio côté mise en scène et écriture, pour changer de poste et être mis en avant par Lewis Eizykman en 2014 avec La momie, Etienne Fu-Le Saulnier en 2016 avec Little Party Queen et Dan Cohen en 2019 avec Oléastre... De retour derrière la caméra en 2025, Thibault Emin sort donc son tout premier long-métrage en salle le 28 mai et là, comment dire... Alors que l'on ne cesse de vanter abusivement le cinéma de Julia Ducournau, c'est peut-être pourtant du côté de cet ''inconnu'' qu'il fallait voilà huit mois en arrière, détourner le regard. Objet de fantasme personnel réunissant différentes formes d'inspiration reconnues ou non par son auteur, Else semblera sans doute pour certains s'être pourtant perdu dans un dédale de prétentions. Chose que paraît cependant nier la légèreté avec laquelle Thibault Emin introduit les personnages. Reprenant le concept de pandémie sous un jour nouveau, le film tourne autour de Anx (Matthieu Sampeur) et de Cassandre (Edith Proust). Un couple étonnant, formé par un homme réservé et introverti face à une jeune femme, au contraire, plutôt extravertie. Un jeu du chat et de la souris s'installe entre les deux personnages tandis qu'autour d'eux, le monde bascule, s'effondre vers un chaos inédit. En effet, un curieux virus ne transforme non pas les victimes en enragés basculant dans une violence outrée mais provoque de très étranges mutations physiologiques. En cela, Else s'éloigne des contingences habituelles pour osciller vers une forme de Body Horror dont l'une des formes les plus saisissantes fut visible voilà plus de trente-cinq ans dans Tetsuo du réalisateur japonais Shin'ya Tsukamoto. Œuvre magistrale et jusqu’au-boutiste incorportant les modifications corporelles dont était la victime le personnage principal. Sur un ton abandonnant la configuration cyberpunk et industrielle de ce véritable film culte, Thibault Emin prépare la ''chair'' à accueillir en son sein, tous types de matériaux. Le virus contraignant ainsi nos deux jeunes et fougueux personnages à éviter tout contact avec leur environnement...

Installés dans un appartement fourmillant de détails visuels propres à pousser Anx et Cassandre à commettre l'erreur qui pourrait les faire rejoindre le lot des victimes, l'un et l'autre jouent à un jeu passionnel guidé par la jeune femme, beaucoup plus libérée que son compagnon. Par petites touches, cette idylle dont la posture ''post-adolescente'' amuse parfois est grippée par de menus détails qui témoignent pourtant du drame qui insidieusement va s'installer entre les quatre murs de l'appartement. Bruits étranges et contacts physiques avec certains objets laissant de curieuses blessures. D'un univers enjoué bien qu'étant pourtant claustrophobe, Thibault Emin adresse au public un message de prévention autour d'une maladie physiquement dégénérative dont les conséquences sont plus ou moins inédites. Bruits étouffés, échanges verbaux avec une voisine à travers un conduit, ce qui n'est pas sans rappeler l'univers étrange mais remarquable d'un certain Delicatessen signé de Marc Caro et Jean-Pierre Jeunet en 1991, Else installe un inconfort qui culmine lorsque l'appartement est investi par de drôles de ''créatures'' dotées d'un point sensible : l'œil ! L'étonnement laisse alors la place à une certaine forme d'incompréhension sublimée par des plans ravissant le regard du spectateur. L'un des atouts majeurs du film, car il en existe bien, est sans doute cet ''échange de bon procédé'' consistant à figer les victimes du virus dans une posture ''minérale'' alors même que tout objet inanimé s'en trouve par définition mue d'une vie propre et ''absorbant'' la vigueur de leur hôte ! Entre science-fiction, dystopie, comédie romantique, huis-clos, Body Horror et voire même horreur cosmique, Else éprouve la sensibilité des spectateurs en jouant sur différents tableaux. Si la magie opère parfois, le concept ampoule malheureusement aussi l'intrigue en ne sachant pas toujours sur quel pied danser. Plus que la prétention dont Else semble être gavé, nous évoquerons davantage une ambition, une générosité et la propension du cinéaste à injecter tout ce qui lui passe par la tête. En résulte une œuvre qui peut soit perdre les spectateurs, soit les épuiser, soit finalement les séduire. À chacun donc de se faire sa propre opinion sur ce premier long-métrages d'un artise très prometteur...

 

Valensole 1965 (2025) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Alors qu'en 2025 Valensole ne compte qu'un peu plus de trois-mille habitants, cette petite commune des Alpes-de-Haute-Provence s'est rendue célèbre à deux occasions. Tout d'abord en 1928, lorsque Jules Ughetto et Stefan Mucha se rendirent cette année là au soir du 2 décembre dans la ferme des Courrelys où il tuèrent les cinq membres de cette famille afin de dérober leurs économies. Arrêtés puis condamnés à la suite de leur procès, le premier sera condamné à mort tandis que le second, alors âgé de seulement seize ans, sera condamné à vingt ans de bagne. Mais lorsque l'on évoque Valensole, c'est moins pour cette sordide affaire criminelle que pour l'événement qui se produisit dans la nuit du 1er juillet 1965 aux environs de 5h45. En effet, alors qu'il travaille dans son champ de lavande, l'agriculteur et apiculteur Maurice Masse est témoin d'un événement extraordinaire. Au beau milieu de son champ de lavande, l'homme aperçoit un engin de forme ovoïde posé au sol avant de distinguer deux êtres de petite taille ne dépassant pas les un mètre. Possédant une grosse tête et vêtus de combinaisons gris-vert, l'un d'eux dirige un objet en sa direction et provoque chez Maurice Masse une paralysie et l'incapacité de parler. Ses autres sens pourtant toujours en éveil, il voit ensuite les deux humanoïdes remonter dans leur engin qui alors s'envole pour disparaître en un instant. Témoignant auprès de son épouse et du propriétaire du bar où il a ses habitudes, ce dernier relègue les informations auprès de plusieurs villageois avant que celles-ci ne remontent rapidement jusqu'à la Gendarmerie... L'on connaît la suite : entre moquerie, scepticisme et intérêt, l'affaire attire curieux, journalistes et même un certain Professeur Lacombe (l'acteur Vincent Roger), ufologue et seul a véritablement croire l'histoire de Maurice Masse... Celles et ceux qui espèrent trouver une alternative hexagonale aux récit produits à la chaîne outre-atlantique peuvent d'ors et déjà passer leur chemin. Avec son allure de téléfilm estival produit pour les chaînes nationales françaises, Valensole 1965 porte un intérêt sans doute certain pour l'extraordinaire mésaventure de son héros mais ne l'aborde jamais sous l'angle exclusif du ''merveilleux'' ou du ''sensationnel''...

Non, ce qui intéresse tout d'abord le réalisateur et scénariste français Dominique Filhol est le point de vue des témoins mais aussi et surtout le ressenti de Maurice Masse, magistralement interprété par Matthias Van Khache. Loin des grandiloquences qui sont le fond de commerce du cinéma tout public, le film porte un regard inédit sur le témoignage de l'un de ces faits relativement extraordinaires qui osa témoigner sans penser au préalable aux conséquences. Car outre la réaction propre à l'entourage direct de Maurice Masse, de son épouse Jeannette (Vahina Giocante) jusqu'aux amis de l'agriculteur, celle des curieux, journalistes et badauds venus se rendre jusqu'à Valensole pour découvrir les lieux ou interroger la ''bête de foire'', Valensole 1965 pose de véritables questions morales sur l'impact social et sur l'isolement d'un témoin qui semble parfois douter non pas de ce qu'il a vu mais mais des répercussions que peuvent engendrer cette rencontre du troisième type sur sa santé mentale et physique. Bien que Valensole 1965 ait bénéficié d'un budget que l'on peut juger de ridicule en ne dépassant que de peu le demi-million, Dominique Filhol réussit le tour de force de pallier au manque de moyens en traitant son sujet sous l'angle de l'émotion et du réalisme. Ce qui n'empêche pas le long-métrage d'offrir quelques vertigineux plans comme ce travelling vertical s'éloignant de Maurice Masse alors plongé dans un lac où lors de cette fameuse séquence durant laquelle une sorte de sonde provenant de la soucoupe est plongée dans le champ de lavande : une série d'images spatiales et terriennes évoquant ''l'histoire'' de notre planète : comme si la sonde en question extrayait la ''mémoire'' de la Terre pour en retenir certaines préoccupations dans l'ère du temps (passé et présent) comme la fonte des glaces ou des guerres nucléaires envisagées dans un futur plus ou moins proche. Valensole 1965 est en outre doté d'une très belle partition musicale que l'on doit au compositeur américain Mark Yaeger. Bref, si l'ufologie vous passionne et en particulier '' La Rencontre de Valensole'', si la sobriété est pour vous de mise lorsqu'il s'agit d'un événement ayant réellement eu lieu et si vous n'êtes pas trop regardant sur le peu de visions ''extraordinaires'' étalées à l'écran, le film de Dominique Filhol est fait pour vous. Personnellement, ma compagne et moi avons été conquis...

 

Le grand déplacement de Jean-Pascal Zadi (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

1968, 2001, l'odyssée de l'espace de Stanley Kubrick. 1979, Stalker d'Andreï Tarkovski, Star Trek de Robert Wise et Alien, le huitième passager de Ridley Scott. 1983, L'étoffe des héros de Philip Kaufman. 1995, Apollo 13 de Ron Howard... 2025 ? Alors qu'il va falloir encore patienter quelques dizaines de jours avant de pouvoir découvrir sur grand écran le troisième volet de la franchise Avatar de James Cameron intitulé De feu et de cendres (dont la sortie est prévue pour le 17 décembre prochain), les amateurs de space-opera auront été contraints cette année de ronger leur frein d'impatience en se coltinant Le grand déplacement de et avec Jean-Pascal Zadi dont on connaît son point de vue sur le racisme anti-blancs ! Une hérésie ? Pourquoi pas si l'on se positionne de son côté. Ce qui permettra notamment à ce fils d'ivoiriens né à Bondy dans le département de Seine-Saint-Denis de lancer quelques torpilles bien comme il faut contre l'homme blanc à travers le personnage de Frantz Dubois (l'humoriste Fary). Poursuivant ainsi son message en s'attaquant à la politique totalitaire américaine s'agissant de la conquête spatiale. Jean-Pascal Zadi n'y va donc pas avec le dos de la cuillère mais plutôt avec le tranchant mal aiguisé de la pelle en enfonçant des portes déjà ouvertes bien avant qu'il ne s'y mette lui-même. Ce qui ne l'empêche bien évidemment pas d'en faire de même avec les noirs et les arabes. Traitant ainsi de l'Afrique en des termes qui sans doute auront fait bondir d'effroi certains frileux en matière d'humour noir et pourquoi pas des musulmans modérés qui ne souffrent plus que l'on renvoie leur religion à l’extrémisme sur lequel certains font leur marché. Comédie de science-fiction ''afro-futuriste'' d'où émane sans doute là encore un brin d'ironie s'agissant de cet ''afrocentrisme'' qui pollue plus ou moins les esprits en réécrivant certaines pages de l'Histoire en la modifiant à partir du point de vue de ''pseudo-intellectuels'' se réappropriant tout ou partie de celle qui fut développée en Europe et plus généralement en Occident, Jean-Pascal Zadi défouraille à sa façon la plupart des ''communautés''. A la manière d'un Fabrice Eboué mais sans la même finesse d'écriture.

Tandis que le nouveau long-métrage de ce dernier (Gérald le conquérant) a été repoussé en décembre alors qu'il devait sortir en avril et ce, pour d'obscures raisons telles que les thématiques entourant le régionalisme et l'identité nationale (deux gros mots désormais interdits sur notre territoire, sous peine d'être traités de fachos), les critiques qu'il faut émettre au sujet du grand déplacement le doivent être surtout au sujet de la mise en scène et de l'écriture elles-mêmes me semble-t-il ! Car loin d'atteindre les cimes du film de science-fiction à tendance Space Opera, le dernier long-métrage de Jean-Pascal Zadi souffre tout d'abord d'une durée qui l'empêche de développer un scénario véritablement ambitieux. Dans un futur tellement proche qu'aucune date précise n'est affichée, la Terre est en danger. Mais lorsque certains des personnages du récit évoquent cette problématique, il s'agit surtout de parler d'Afrique et de la sauvegarde de son peuple. C'est ainsi qu'intervient l'UNIA. Une agence astronautique d'origine africaine fantaisiste créée pour le film (tandis que plusieurs pays continentaux travaillent réellement sur la conquête spatiale) et aux commande de laquelle l'on retrouve l'actrice Claudia Tagbo dans le rôle de Madame Zokou. Un projet ambitieux de colonisation d'une exoplanète rendu possible grâce à une plante censément disparue et qui permet de produire de l'ergol, une substance permettant la propulsion de fusées ! Les États-Unis ayant pour projet de lancer leur propre fusée, la responsable de l'UNIA décide d'avancer la date de départ des membres de l'équipage du ZION 63 après qu'ils aient suivi des examens ainsi qu'une formation... Si sur le papier Le grand déplacement paraît effectivement ambitieux, à l'image, le résultat se révèle relativement piteux. Dans le rôle du pilote de chasse Pierre Blé auquel ont été confiées les commandes du ZION 63, Jean-Pascal Zadi incarne un véritable abruti qui sème la zizanie au sein de l'équipage. Réduit à une durée de quatre-vingt trois minutes, le film n'a malheureusement pas les moyens d'exploiter toutes les idées du script en profondeur. Et s'agissant tout d'abord d'une comédie ''noire'' (sans mauvais jeux de mots), il s'agit moins pour son auteur d'exploiter le filon de la conquête spatiale africaine que de cumuler un certain nombre de gags dont le résultat n'est malheureusement pas toujours fructueux...

 

Chien 51 de Cédric Jimenez (2025) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Bac Nord ? Ouais, sympa, sans plus. Novembre ? Pas vu ! Apparemment tiré du roman Chien 51 auréolé du prix 2022 des Écrivains du Sud, le projet portant sur la version cinématographique a été confié à Cédric Jimenez qui plutôt que de se conformer strictement au récit d'origine a choisi de concentrer l'action autour de ses deux principaux personnages incarnés à l'écran par Gilles Lellouche et Adèle Exarchopoulos. Mais le cinéaste se veut tout d'abord rassurant. S'il n'évoque pas directement le genre ''science-fiction'' auquel il préfère celui, très proche, de la ''dystopie'' sans doute pour créer un lien avec ses précédents longs-métrages, Chien 51 permettra assurément aux amateurs de l'un et de l'autre de ces deux genres intimement liés de découvrir sa vision d'un monde ou plutôt d'une France, totalitaire et ségrégationniste. Ici, pas question de séparer le français de souche de l'homme venu d'un autre continent. La ségrégation est ici sociale, balisée à travers trois zones qui contraignent à montrer patte blanche si l'on veut pouvoir passer des unes aux autres. Le film de Cédric Jimenez se déroulant dans un futur proche où les technologies les plus récentes servent les forces de l'ordre dans leur action quotidienne, celui-ci met en scène Gilles Lellouche dans le rôle de Zem Brecht, un flic issu de la Zone 3, ainsi qu'Adèle Exarchopoulos dans celui de Salia Malberg, une inspectrice de la Zone 2. Contraints de collaborer ensemble après l'assassinat de l'inventeur de l''intelligence artificielle Alma Georges Kessel, le principal suspect est Jon Mafram (Louis Garrel), le chef d'un groupe anarchiste connu sous le nom de BreakWalls ! Malgré leurs différences, Zem et Salia vont s'unir afin de retrouver le coupable, démasquant par là-même une conspiration de très grande ampleur... Bon, ben, qu'est-ce que vous voulez que je vous dise ? Que j'aurais bien aimé pouvoir sortir de la salle avant la fin de la séance ? C'est un fait, mais la méticulosité avec laquelle je me borne à respecter le concept du ''Un film vu en entier = Une critique'' ne peut évidemment pas souffrir de l'idée que je m'installe devant mon clavier après avoir quitté une salle bien avant la fin d'une projection !

Bref, sans être de ces supplices qui me pousseraient presque à ruer dans les brancards pour me faire rembourser tel le cupide et avare personnage qui compte ses sous jusqu'au dernier centime, je dois avouer que Chien 51 m'a laissé du plus beau marbre, celui que l'on peut ressentir devant une œuvre d'où ne se dégage pas la moindre émotion. S'agissant d'un long-métrage hexagonal tourné dans notre beau pays et pourtant sur des terres dont les brochures de voyages ne vantent jamais les hypothétiques mérites (le film a été tourné dans les quartiers nord de Marseille), je me demande dans quelles dispositions psychologiques il faut au préalable se positionner pour que le spectateur accepte de se vautrer devant un spectacle qui régurgite (pour ne pas dire, vomit) tout ce que la science-fiction dite dystopique a engendré depuis bien longtemps. L'originalité n'étant absolument pas au rendez-vous, malgré un budget tournant autour des cinquante millions d'euros et la présence de stars françaises aidant supposément à l'adhésion des spectateurs, Chien 51 n'est qu'une vague réminiscence de tout ce que l'on connaît sur le sujet des ''Terres Parallèles'' recourant à l'autoritarisme. Avec son bagage cinéphilique, le spectateur aura donc tout loisir de se faire sa propre opinion, armé d'une base plus ou moins solide. Chez moi comme chez beaucoup de fans de science-fiction comme je le suppose, il est presque inévitable de passer outre le souvenir du Blade Runner de Ridley Scott. L'imagerie asiatique, avec ces immenses panneaux publicitaires, cette Street-Food vendue par des réfugiés du Pays du Soleil Levant ou encore Gilles Lellouche, peroxydé, comme en son temps l'immense Rutger Hauer ! Quant au contexte social, chacun y verra matière à comparer le film de Cédric Jimenez avec ses propres ''classiques''. Quant à moi, c'est bien le Land of the Dead de George Romero qui s'imposa ! Visuellement, je n'ai eu de cesse que d'essayer d'effacer de ma mémoire le souvenir de Banlieue 13 et de sa séquelle auxquels l'esthétisme de Chien 51 se raccroche, me semble-t-il, furieusement. Un visuel enrobé de surcroît d'effets-spéciaux parfois dignes d'une cinématique de jeu vidéo du type GTA lors des séquences de courses-poursuites en voiture. Le film est sorti voilà tout juste deux semaines qu'il paraît avoir déjà pris un sérieux coup de vieux. Dommage ? À vrai dire, non ! J'irais même jusqu'à affirmer que l'on s'en fiche un peu s'agissant d'un matériau de base qui selon le réalisateur lui-même n'a de toute manière n'a pas été traité dans son ensemble... Un film creux, crâneur et se réduisant intellectuellement au niveau des pires blockbusters d'action américains ! Bref, remboursez !

 

La fin du monde d'Abel Gance (1931) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

S'il n'a pas été le tout premier film parlant, La fin du monde d'Abel Gance n'est sorti que deux ans après Le chanteur de Jazz d'Alan Crosland. Première œuvre à faire entendre le son d'une voix, ce sont moins les personnages qui s'y exprimèrent clairement que celle ouïe durant les intertitres. Long-métrage de science-fiction mêlant romance, drame et catastrophe, La fin du monde est plus à proprement parler une œuvre d'anticipation. Abel Gance traite de son sujet à travers le portraits de personnages liés pour partie à la même femme. Geneviève de Murcie (Colette Darfeuil) est profondément attachée à Jean Novalic qu'incarne lui-même le réalisateur. Un homme fort amoureux de la belle mais qui selon sa condition sociale choisit de libérer sa place dans le cœur de la jeune femme au profit de son frère Martial (Victor Francen). Un astronome qui en consultant la nuit étoilée à travers un télescope géant situé dans un observatoire découvre qu'une comète se dirige tout droit vers notre planète. Selon ses calcules, le bolide s'écrasera sur Terre dans plusieurs mois. Tenue secrète jusqu'à maintenant, Martial se décide finalement à révéler sa découverte. Et ce, en partie pour nuire à un certain Schomburg. Homme de peu de morale, agrippé à l'idée de mettre Geneviève ''à son menu'', l'homme la viole lors d'un rendez-vous. Réfugiée chez son oncle, celui-ci lui conseille d'épouser Schomburg afin d'éviter tout scandale. Pendant ce temps, Jean intervient lors d'une dispute entre un père et sa fille. Gravement blessé et étendu sur le sol, Jean est aidé par un médecin (l'acteur Major Heitner) qui va le soigner. Pourtant, si physiquement le jeune homme parvient à se remettre de ses blessures, le docteur ne donne pas cher de son état mental... La fin du monde s'ouvrant sur la crucifixion du Christ, opère un astucieux travelling arrière qui fait état non pas d'une scène se déroulant en temps réel au moment ou Jésus fut crucifié mais bien d'une reconstitution de l'événement se situant sur les planches d'un théâtre ! Revenu de cette scène un peu longuette, Abel Gance plonge son personnage et tous ceux qui orbitent autour de lui dans un contexte où tout ou partie de la vie sur Terre doit s'éteindre.

Mais loin de justifier la thématique à travers le regard exclusif de ses protagonistes, le réalisateur développe la crise existentielle qui les enrobera bientôt, eux et le reste des habitants de notre planète. Créant ainsi l'idée d'une République Universelle formée autour de lois nouvelles auxquelles vont adhérer l'ensemble des nations. D'ici là, l'on assiste à la lente agonie de Jean, perdant peu à peu la tête tandis que Geneviève cherche désespérément le moyen de s'en rapprocher. Le personnage de Schomburg est foncièrement tyrannique, méprisant, au dessus des lois. L'apparat du riche homme d'affaires à qui rien ne résiste. L'entrée en bourse de Martial devenant ainsi le moyen le plus évident de défaire l'homme de son piédestal ! Œuvre éminemment ambitieuse dont on a pourtant du mal à envisager la portée qu'elle aurait pu ou dû avoir sur les spectateurs sachant qu'elle fut terriblement amputée (le film devait à l'origine durer plus de trois heures), La fin du monde explore avant les autres l'étude du comportementalisme chez l'homme et la femme face à une catastrophe d'ampleur mondiale à laquelle ils ont malheureusement peu de chance de survivre. Poétique et théâtrale, le romantisme chez Abel Gance est ici déployé sous une forme qui de nos jours paraît tout à fait surannée. La langue française prenant ainsi sa plus belle forme, entre déclarations d'amour enflammées et tragédie épicurienne dont les pires travers de la nature humaine s'exprimeront à intervalles réguliers. Lors de cette séquence de rue où Jean subit la foule alors même qu'il devrait être élevé au rang de héros. Une scène qui fait curieusement, mais dans une moindre mesure, écho au chemin de croix du Christ. Puis intervient ce dernier quart d'heure, témoignant justement de l'ambition d'Abel Gance. Cette profusion d'images provenant de diverses régions de la planète, jusqu'à la capitale française où les nantis se laissent aller à la luxure et la dépravation, entre débauche sexuelle et orgies de nourriture, tandis que dans les rues la panique s'empare des gens de petite condition. On rêve alors d'une version intégrale, sans doute perdue à jamais, et qui aurait probablement évité au long-métrage d'être accueilli si froidement à l'époque de sa sortie...

 

Pendant ce temps sur Terre de Jérémy Clapin (2024) - ★★★★★★★★☆☆

 

Comme me le faisait remarquer ma compagne au démarrage de la projection de Pendant ce temps sur Terre de Jérémy Clapin, lorsque notre beau pays s'engage dans ce type d'expérience cinématographique, on peut parfois s'attendre au pire. C'est vrai. Mais il arrive également que l'on soit très agréablement surpris. La science-fiction à la française semble avoir encore de beaux jours devant elle à la seule condition que le public soit en mesure de lui accorder toute l'attention qu'elle mérite. Pendant ce temps sur Terre risque de causer une scission entre les amateurs de blockbusters et ceux qui aiment à fourrager dans des espaces jusqu'ici inexplorés et dont le but premier est moins de remplir les coffres des producteurs que de narrer un récit où sont conviés le beau et le sensible. Ici, le spectacle ne revêt jamais l'habituel apparat qu'on lui connaît lorsqu'il s'agit de nous conter le récit d'une aventure spatiale à bord d'un vaisseau et en compagnie de son équipage. Presque tout semble être dit lorsqu'en entame l'on comprends que le frère d'Elsa, jeune femme de vingt-trois ans incarnée à l'écran par l'actrice franco-britannique Megan Northam, a disparu au court d'une mission dans l'espace. Un drame qui pose d'emblée les bases d'une réflexion s'agissant des sacrifices auxquels l'on serait prêts à se risquer pour revoir un membre de sa famille décédé. C'est là tout l'enjeu d'une œuvre qui en outre renouvelle l'une des plus remarquables traditions en matière de science-fiction : le Body-Snatching. Une pratique ayant un très lointain rapport avec une pratique bien terrienne consistant à dérober des cadavres afin d'en faire bénéficier certaines écoles de médecine mais dont le sens diverge quelque peu lorsque l'on évoque la thématique de l'invasion extraterrestre.

Parmi tant d'autres, L'invasion des profanateurs de sépultures de Don Siegel et ses remakes (dont le meilleur d'entre tous, L'invasion des profanateurs de Philip Kaufman), The Thing de John Carpenter (qui fut lui-même le remake de La chose d'un autre monde de Christian Nyby et l'adaptation du roman Who Goes There ? de John W. Campbell) le très divertissant The Faculty de Robert Rodriguez ou le troublant Under the Skin de Jonathan Glazer ont tous d'une manière ou d'une autre participé à cette inquiétante mésaventure consistant en l'appropriation d'un corps humain bien vivant au profit d'une entité extraterrestre visant à prendre sa place afin de se fondre discrètement dans la masse et ainsi envahir notre planète en toute discrétion. Lorsque l'on apprend que le concept fut à l'origine de dizaines d’œuvres cinématographique, le premier réflexe voudrait que l'on se demande où se situe l'intérêt d'en rajouter une couche à une thématique qui semble avoir déjà été étudiée sous toutes les coutures. En forme de cours magistral lors duquel il étudie et élude la question, Jérémy Clapin répond à ses éventuels détracteurs en signant une œuvre véritablement envoûtante. L'on ne reprochera pas à sa principale interprète son incarnation, laquelle s'avère irréprochable. Megan Northam porte effectivement la quasi totalité du récit sur ses épaules. Quasi puisque à côté de sa très sensible performance l'on a droit à une mise en scène sobre mais très majoritairement ponctuée de séquences qui nous happent.

Le minimalisme avec lequel le réalisateur réalise chaque plan est contrebalancé par une quiétude troublée par une bande-son addictive. Laquelle, signée du compositeur Dan Levy, œuvre pour beaucoup dans cette impression de flottement qui se dégage du long-métrage et qui laisse une étrange impression d'égarement chez le spectateur. Poétique, Pendant ce temps sur Terre l'est également. Avec ses quelques incursions dans le domaine de l'animation, cette dernière, loin d'être ridicule ou de créer une distanciation avec l'univers décrit jusqu'ici, est un moyen d'évoquer l'intime relation de l'héroïne avec son frère désormais disparu dans l'espace autrement qu'à travers la seule voix-off de ce dernier (l'acteur Dimitri Doré). Ersatz de l'art auquel se consacra tout d'abord le réalisateur (comme en témoigne son premier long-métrage tout en animation, J'ai perdu mon corps en 2019), ces quelques trop rares séquences révèlent une sensibilité que l'on imaginait mal pouvoir être révélée à travers des dessins mais qui réellement ajoutent une profondeur déjà bien présente au sein du récit. Bref, on sort de la projection subjugué par le talent avec lequel Jérémy Clapin est parvenu à nous happer avec cette histoire sobrement mise en scène et superbement interprétée par Megan Northam...

 

Survivre de Frédéric Jardin (2024) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Cinq millions d'euros. C'est le budget qui fut alloué au dernier long-métrage du réalisateur français Frédéric Jardin. Après avoir tourné un thriller et une poignée de comédies (romantiques ou dramatiques), ce cinéaste né à Paris le 24 mai 1968 a choisi un genre cinématographique très en vogue et pour lequel le cinéma américain est toujours prêt à produire des œuvres à coup de centaines de millions de dollars. C'est donc doté d'un budget ridicule que Frédéric Jardin se lance dans un projet ambitieux malgré de faibles moyens et reposant sur un script que l'on doit à Alexandre Coquelle et Mathieu Ouillion. Projet auquel ont notamment accepté de participer l'actrice française Émilie Dequenne et le yougoslave Arben Bajraktaraj. Un quart de siècle après avoir fait ses débuts dans Rosetta de Jean-Pierre et Luc Dardenne pour lequel elle remporta le prix d'interprétation féminine au festival de Cannes en 1999, Émilie Dequenne incarne dans Survivre une épouse et une mère de famille transformée en héroïne inattendue lorsqu'un événement d'ampleur mondiale survient lorsqu'elle et sa famille sont à bord de leur petite embarcation. Tandis que Julia a échappé de justesse à la noyade alors qu'elle se baignait en plein océan, sauvée par son mari Tom (l'acteur allemand Andreas Pietschmann), une inversion des pôles magnétiques terrestres cause un véritable cataclysme. Secoués par une tempête qui a fait échouer le bateau, elle et sa famille découvrent à leur réveil que les océans ont disparu et que les continents sont désormais probablement engloutis sous les eaux... Au départ, Survivre est plutôt encourageant. La première partie se déroulant à bord du bateau est rondement menée. Une approche certes minimaliste au vu du faible financement dont à bénéficié le long-métrage de Frédéric Jardin et pourtant, cela fonctionne parfaitement. Si les mouvements de caméra qui tentent de retranscrire la houle qui fait tanguer l'embarcation peuvent faire sourire, le réalisateur permet à son œuvre de prendre une toute autre dimension lorsque les protagonistes voient s'écraser dans les océans, des satellites en feu. Une vision anxiogène de la fin du monde sans doute rudimentaire mais qui laisse malgré tout espérer le meilleur pour la suite. Venu de nulle part et sans que le scénario n'apporte de motivations très claires quant à son comportement, un individu louche doté d'un harpon et accompagné par un chien va très rapidement se montrer agressif envers la petite famille qui sera endeuillée par la mort du père. Ce tueur impitoyable qui poursuivra les survivants à travers à les abysses des océans désormais débarrassées de la moindre trace d'eau est incarné à l'écran par Arben Bajraktaraj.

Un acteur au profil intéressant que le public pu notamment découvrir en 2008 grâce au personnage de Marko qu'il interpréta dans Taken de Pierre Morel. Une fois le corps de Tom laissé derrière eux, Julia et ses deux enfants partent retrouver à des kilomètres de distance un certain Nao (Olivier Ho Hio Hen) avec lequel ils étaient parvenus à communiquer et réussi à lui faire promettre de les aider à sauver Cassie et Ben. Deux adolescents incarnés par Lisa Delamar et Lucas Ebel pour lesquels Survivre est la première occasion de tourner pour le cinéma. Sympathique petit film de science-fiction post-apocalyptique mâtiné de survival, le film de Frédéric Jardin est, au delà du fait que le budget soit minuscule, parfois très maladroit. Doté de magnifiques et stupéfiants décors marocains, Survivre multiplie les invraisemblances. Si la radiocommunication entre la famille et Nao est crédible puisqu'elle ne nécessite pas la présence de satellites en orbite autour de la Terre, il demeure des phénomènes qui ne peuvent empêcher le spectateur de pouffer de rire. Car plus que la menace d'un tueur lancé sur les traces de Julia et de ses deux enfants, c'est bien la présence de milliers (de millions?) d'arthropodes affamés se déplaçant à une stupéfiante vitesse (tout en ayant suffisamment de force pour déplacer le corps d'un homme qui ne doit pas peser loin de quatre-vingt kilos!) qui fait sourire. Derrière le récit se cache ensuite un message écologiste touchant de naïveté, le budget contraignant une fois de plus à quelques sacrifices comme l'observation minimaliste de ces quelques sites qui renvoient aux déchets ménagers ou radioactifs balancés par l'homme dans les océans. Il demeure malgré tout quelques visions marquantes. Comme cet immense cargo posé en travers des anciens fonds marins, charriant des dizaine de containers. Séquence hautement mais involontairement drôle où notre petite famille se retrouve face à ce que l'on suppose être des survivants du Cargo qui refusent de leur venir en aide alors qu'une invasion d'arthropodes se profile à l'horizon. Voir ces derniers se réfugier dans ce qui deviendra fatalement leur tombe est à mourir de rire. Surtout si l'on suppose qu'ils étaient déjà préparé à cette situation puisque l'on comprend qu'ils y font face pour une énième fois ! Et que penser de ces anciens fonds marins ? Sans coraux ? Sans cadavres ou presque d'animaux marins, à part un requin-marteaux et une poignée de minuscules poisson barbotant dans de petites mares putrides ? Bref, si le projet cinématographique n'est pas pleinement, accompli de part ses incohérences scénaristiques ou de part ses limites budgétaires qui imposent à son auteur de faire avec les moyens du bord, Survivre n'en est pas moins une œuvre généreuse, visuellement magnifique et portée par une Émilie Dequenne totalement investie dans son rôle...

 

L'empire de Bruno Dumont (2023) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Le dernier long-métrage de Bruno Dumont est une expérience digne d'une métaphore évoquant les plaisirs relativement douloureux du masochiste qui dans la souffrance ressent un plaisir sans commune mesure avec ce qu'éprouvent la plupart de nos semblables. On a voulu me prévenir que l'expérience était d'un insondable ennui. Qu'il fallait ne surtout pas espérer éprouver le même plaisir de cinéma que devant les séries Ptit Quinquin et Coincoin et les Z'inhumains. Après ces deux O.F.N.I.s télévisuels et Ma Loute dans lequel le cinéaste se jouait des talents d'orateur de Fabrice Luchini pour mieux les déstructurer, le Bailleulois s'ouvre à des champs d'expérimentation qui feraient passer ses précédents travaux pour des œuvres abordables par n'importe quel mortel ! L'empire dure... deux heures ! Pour une œuvre de science-fiction, rien de plus conventionnel mais lorsque la chose est signée par Bruno Dumont, l'on se prête à rêver qu'elle fut conçue elle aussi sous forme de mini-série. Ne serait-ce que pour permettre aux fidèles spectateurs du cinéaste et sans doute davantage aux autres de pouvoir souffler entre chaque épisode. Car d'une manière générale, le dernier long-métrage de cet auteur très attaché à sa région des Hauts de France est une épreuve parfois et même, très souvent, difficile à digérer dans son ensemble. Une œuvre contradictoire et qui par conséquent, chicane en permanence avec la plupart des tentatives qu'entreprend le réalisateur et scénariste. Parodie ou non de Star Wars à la sauce française, pour celles et ceux qui vivent sous la frontière de l'ancien Nord-Pas-de-Calais, la plupart des héros de ce récit dont on continuera longtemps de se demander qui sont les gentils et qui sont les méchants demeureront des freaks dont les différences d'ordre comportemental ou physique auront bien du mal à se faire justice. Science-fiction, histoire d'amour improbable entre membres de clans adverses, la proposition est aussi innovante qu'anarchique. Le problème survenant évidemment au niveau de l'écriture, aussi fine que le tranchant d'une lame de rasoir sur laquelle se risquent Fabrice Luchini, donc, mais également Camille Cottin, laquelle semble ici avoir étrangement régressé dans ses talents d'interprète. Un Dark Vador accoutré comme le bouffon d'un roi venu d'une lointaine planète, Fabrice Luchini ne fait plus rire.

En tout cas, bien moins que dans Ma Loute dans lequel son contre-emploi avait tendance à créer un certain nombre de situations comiques franchement réussies. Dans le cas de L'empire, l'acteur semble se singer comme lors de ses pires exhibitions télévisuelles. Quant à elle, Camille Cottin est si transparente que sa présence à l'image a autant d'intérêt que ces figurants pourtant montés sur de majestueux chevaux. Anamaria Vartolomei apparaît comme la seule interprète a vouloir offrir au cinéaste la petite étendue de ses talents. Et l'on ne parle pas là exclusivement de sa plastique qu'elle dévoile à une ou deux occasions mais son interprétation vaut largement celle des ''stars'' convoquées pour l'aventure, sans parler de ce florilèges d'acteurs amateurs qui trônent pourtant presque au sommet du casting. Débutant au cinéma, ce sera peut-être là la seule occasion pour Brandon Vlieghe de ''briller'' devant la caméra. Dans le rôle de Jony, il incarne le père d'un bébé convoité par des extraterrestres et considéré comme le Mal incarné. S'engage alors une drôle de bataille entre diverses races dont, la faute au scénario, on ne sait jamais vraiment de quelle espèce ils font partie. Bruno Dumont divise la France en deux comme le football sépare Marseille du reste de l'hexagone ! En dehors des Hauts-de
-France l'on entend déjà les rires gras de ceux qui considéreront les habitants du cru comme des bêtas, des incultes à l'accent à couper au couteau. Mais dont la sincérité est pourtant très touchante. Tout ce petit monde que l'on découvre pour la première fois ou non (Bernard Pruvost reprend de manière très symbolique et donc particulièrement anecdotique le personnage du Commandant Van der Weyden qu'il incarnait dans les deux précédentes séries de Bruno Dumont) a beau parfois engendrer rires et remarques narquoises, leur présence est justement ce qui fait le sel et la particularité de l’œuvre du cinéaste. Ensuite, n'ayons pas peur des mots : le long-métrage de Bruno Dumont connaîtra malgré tout un authentique état de grâce qui s'étirera sur plus de cinq longues minutes lors de la dernière partie. Prouvant qu'avec un scénario solide, le réalisateur français aurait pu signer rien moins que l'une des œuvres de science-fiction françaises parmi les plus importantes de ces trente ou quarante dernières années. Malheureusement, le film retombe ensuite dans ses travers. Ne demeure au final qu'une expérience aussi déstabilisante que, disons-le, chiante à mourir. Dommage...

 

2029 de Jérôme Jacob (2024) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Le dernier long-métrage du réalisateur français Jérôme Jacob est-il visionnaire ? En un sens, oui puisque son auteur en conçu le projet avant même l'apparition du corona-virus en 2019. Sauf qu'ici, le pangolin n'en est pas à l'origine. Dans le cas de son très post-apocalyptique 2029, le réalisateur et scénariste envisage la disparition de quatre-vingt dix pourcent de la population mondiale à travers un virus qui aurait été directement inoculé par une civilisation extraterrestre... Ensuite, reste à celles et ceux qui n'en furent pas atteints la survie en terre hostile. Le dernier film de Jérôme Jacob doit moins s'envisager comme un blockbuster financé à coups de dizaines ou de centaines de millions d'euros qu'une œuvre appliquant quarante ans plus tard, les méthodes du cinéma transalpin qui à l'époque des Rats de Manhattan de Bruno Mattei ou de 2019, après la chute de New York de Sergio Martino exploitait le cinéma de science-fiction, d'anticipation et post-apocalyptique de manière très artisanale. En ce sens, 2029 remplit parfaitement son contrat. De l'écriture, en passant par la réalisation et jusqu'à l'interprétation, Jérôme Jacob est un passionné de cinéma qui s'implique donc totalement dans son projet. La plupart des interprètes n'en sont pas à leurs débuts même si leur filmographie reste encore très succincte. Beaucoup de cinéastes dits ''amateurs'' tentent de percer dans la profession mais se cassent très souvent les dents. Mise en scène et interprétation demeurant ainsi les premiers éléments de jugement qui les condamnent malheureusement à l'oubli. Avec 2029, c'est tout le contraire. On croit pouvoir distinguer l'ordre dans lequel les différentes séquences furent tournées car après une ouverture que d'aucun pourrait juger d'amateur, le film, pour le confort visuel du spectateur ne fera que gagner en qualité. Filmé caméra à l'épaule, le long-métrage de Jérôme Jacob tremble parfois beaucoup. Surtout dans sa première partie.

Mais comme le vaccin tant recherché par les différents protagonistes du récit, l'outil du réalisateur semble peu à peu avoir été guéri de sa tendance ''Parkinsonnienne'', se stabiliser et réduire davantage la distance qui sépare l'amateurisme du professionnalisme. Le spectateur pourra vérifier ce qui justement caractérise cette œuvre qui ne cesse de gagner en intérêt, en intensité mais aussi et surtout, en qualités techniques. Passant même de la caméra portée à l'épaule à quelques très jolis plans de drones. Une vingtaine d'interprètes et plus encore de figurants et de silhouettes constituent le casting de ce film dont le scénario fait dans la ''démesure'' puisqu'il ne s'attache pas uniquement à suivre les traces d'un duo fuyant des mercenaires à la solde d'un certain Tex (l'acteur Steve Hevessy) mais suit également celles d'un second ''couple'' formé autour de Jeff (Jonathan Riggio) et Angie (superbe Aria Nurdin) que Tex contraint à mettre la main sur un antidote ! Ils ont ensemble cinq jours devant eux pour le retrouver. Afin de leur interdire toute idée de prendre la poudre d'escampette, le chef des mercenaires injectera notamment dans l'organisme d'Angie un venin dont le contrepoison devra lui être injecté au plus tard dans les cinq jours à venir... Le tournage de 2029 s'est étalé sur un peu plus d'une année dans la région de Bouzonville située dans le département de la Moselle. Si une grande partie des séquences furent tournée dans le bois d’Ébersviller de la ville portant le même nom à une quinzaine de kilomètres de Bouzonville, les spectateurs qui ne connaissent pas la région découvriront en outre le stupéfiant Fort aux fresques d'Hestroff, petite ville de quatre-cent cinquante habitants où est actuellement domicilié Jérôme Jacob, ou encore les tout aussi spectaculaires casernes de Bockange depuis désaffectées et situées quant à elle à Piblange. Désormais disponible sur Amazon Prime, les amateur de science-fiction post-apocalyptique peuvent donc se ruer sur 2029 les yeux fermés.

 

Animalia de Sofia Alaoui (2023) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Il y a des cinéastes nés. Après seulement un long-métrage à son actif, la réalisatrice et scénariste franco-marocaine Sofia Alaoui semble avoir mis une bonne partie de la presse spécialisée d'accord. Sorti sur les écrans l'an passé le 9 août 2023, Animalia fait partie de ces œuvres rares qui ne peuvent laisser indifférent. Du moins lui accorderons-nous une certaine exigence. Il se peut même qu'une seconde projection, voire une troisième, soient nécessaire pour saisir toute la portée philosophico-religieuse de ce récit qui parle de Dieu, des hommes et théoriquement d'individus qui proviendraient d'ailleurs. C'est du moins ainsi que je saisissais le message une fois l'histoire achevée. Porté par la formidable et délicieuse Oumaima Barid qui avant cela interpréta le rôle de Fatima dans La vie me va bien d'Al Hadi Ulad-Mohand il y a trois ans, Animalia est une espèce d’énigme dans le fond et dans la forme. En filmant d'abord l'intérieur d'une riche famille marocaine et en poursuivant l'aventure au cœur de paysages d'une sidérante beauté, le long-métrage évoque ce que l'homme bâtit de ses propres mains face la création de Dieu. L'un et l'autre se rejoignent et fondent un univers d'une majestueuse beauté à laquelle le film de Sofia Alaoui ajoute un talent indéniable pour le cadrage, les éclairages et les environnements. La photographie de Noé Bach met en lumière un Maroc aux richesses multiples. Un pays qui tout comme à l'échelle de notre planète est en proie à un événement extraordinaire. Plutôt que de traiter le récit sous l'angle exclusif d'une hypothétique fin du monde annoncée où les peuples sont concentrés dans des lieux sécurisés par l'armée, dans le cas de Animalia, les croyances de tout un peuple sont reléguées par les médias et les Mosquées deviennent ainsi les seuls lieux de refuge aptes à protéger la population. Notons également la présence de quelques animaux qui dans le Coran sont cités non pas en tant que catégories mais en tant qu'espèces et même plus à proprement parler, en tant qu'individus.

C'est ainsi que sont représentés à l'écran la fourmi, la huppe ou diverses catégories de chiens. Certains s'agitent telle l'annonce d'un événement d'ampleur cataclysmique quand d'autres apparaissent comme une forme d'alerte entrant directement en contact avec certains habitants de la région. Au cœur de ce récit où se mêlent drame et science-fiction, Itto (Oumaïma Barid) illumine le récit. La fragilité de son personnage liée à la naissance toute prochaine de l'enfant qu'elle porte souligne le danger auquel elle va être confrontée. Cet univers majoritairement masculin, soupçonneux, où le statut de la femme demeure précaire quelle que soit la situation, même dans ce lieu de culte où rejoindre son époux se transforme en périple. Cultivant une certaine ambiguïté quant aux origines de celui qu'il est interdit de représenter, Sofia Alaoui ose décrire l'impensable en lui offrant une identité visuelle à travers ces entités qui semblent se cacher derrière cette brume fantastique qui s'élève dans le ciel et à laquelle notre héroïne finira par se raccrocher lors d'une séquence absolument bouleversante. Derrière la beauté des paysages, la dureté de certains regards, la folie qui s'empare de ce vieux fou persuadé que ses bêtes sont possédées, ces réunions nocturnes et canines, la vision déconcertante et vertigineuse qui guide l'héroïne mais aussi ces deux compagnons de routes qui accompagnent un temps la jeune femme, Animalia conditionne le spectateur et l'invite à un voyage inhabituel dans des espaces d'une remarquable beauté ou dans de minuscules bourgades anxiogènes où la place de la femme est ainsi décrite comme l'occidental l'imagine en général. Bref, avec son premier long-métrage qui en outre remporta le prix du jury au festival de Sundance, Sofia Alaoui nous terrasse, nous éblouie, nous subjugue. Quant à sa principale interprète, nous lui souhaitons une belle et longue carrière au cinéma...

 

High Life de Claire Denis (2018) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Ce qu'il y a de remarquable et donc de fondamentalement indispensable lorsque l'on se lance dans une œuvre cinématographique est de percevoir l'angle sous lequel son auteur l'a envisagé. D'autres pourtant nous poussent vers une voie bien différente. Une fois absorbée la contemplation, il faut parfois bien admettre que le spectateur est LE chaînons manquant qui complète parmi les projets les plus inattendus, ce qui d'apparence peut en quelques occasions paraître comme inabouti. Ces vides qu'il faut absolument remplir, en construisant intellectuellement et au fil du récit, de détails qu'ont volontairement omis d'intégrer ou d'annoter scénaristes et réalisateurs. Atypique jusqu'à devenir parfois inconfortable, l'univers de Claire Denis s'étendait en 2018 au delà des seules frontières terrestres pour emporter avec elle, protagonistes et spectateurs jusqu'aux confins de l'univers. Là où tout semble possible. Où la mort veille semble-t-il à emporter tous ceux qui s'y risquent mais où il n'est peut-être pas inimaginable de penser qu'un ailleurs existe. Nous conter un récit aussi extraordinairement ambitieux et le faire à bord d'un vaisseau qui a tout l'air d'avoir été construit pour les besoins d'un bon gros nanar transalpin des années quatre-vingt est en soit, un acte aussi insensé que d'envoyer à des milliards de kilomètres de notre planète, des repris de justice pour aller vérifier ce qu'il peut se cacher de l'autre côté d'un trou noir. En somme, la première pierre à elle seule fascinante d'un projet de science-fiction qui ne se bornera pas à suivre le chemin ultra balisé du genre. Et pourtant, l'entrée en matière plongera certainement une partie du public dans un état de somnolence quasi immédiat. Supportant avec aussi peu de patience que le héros incarné par Robert Pattinson ce rejeton braillant sans interruption, les divagations ''monolinguales'' du héros risquent tour d'abord d'exaspérer avant que ne surviennent enfin de leur vivant, ces compagnons apparemment raides morts qu'il vient tout juste d'envoyer faire un voyage dans l'espace. Car High Life de Claire Denis est essentiellement construit sous forme de flash-back. Un confinement regroupant donc une dizaine d' hommes et de femmes condamnés à de lourdes peines de prison et qui ont fait le choix de participer à une expérience qu'ils savent suicidaire : approcher un trou noir et plonger en son cœur. Pris dans la tourmente d'une expédition sans espoir de retour, la tension monte entre les uns et les autres. D'autant plus que les hommes s'accordent pour faire don de leur sperme tandis que les femmes acceptent d'être fécondées.

Sous le prisme de l'hypocrite recherche scientifique, le film condamne d'anciens taulards à une inévitable condamnation à mort...

Et tout ceci sous l'égide du docteur Dibs qu'interprète l'actrice française Juliette Binoche dont le sex-appeal n'a jamais été aussi puissant tout en étant franchement inquiétant, voire même dérangeant. De ce voyage aux implications scientifiques, conquérantes et biologiques, Claire Denis élabore une sorte de Trip spatial absolument démentiel, ponctué de quelques visions dantesques (la salle de baise), construisant son œuvre autour de l'âme humaine, de sa capacité à se surpasser et des dérives qu'impose ce moment très précis où la résistance chimiquement morale de l'esprit humain succombe devant une trop forte pression. L'espace, immense étendue, figurant en un instant précis le placenta et le liquide amniotique. Avant toute chose et surtout celle de se lancer dans l'aventure High Life, il faut comprendre que le long-métrage de Claire Denis, ça n'est ni Star Wars ni même Star Trek dont l'approche nettement plus profonde et intellectuelle que l’œuvre de George Lucas est déjà un prétexte pour rebuter les amateurs de blockubusters de science-fiction (chose qui est pourtant malheureusement non avérée au sein de la dernière trinité de films qui furent tournés entre 2009 et 2015). Ici, la française aborde le passionnant mystère qui entoure les trous noirs en mode ''film d'auteur''. Avec tout ce que le concept peut avoir de rebutant. Un rythme lent, voire pesant, que l'ancienne assistante de Robert Enrico, de Jacques Rivette et fan de Jim Jarmusch et de Wim Wenders saupoudre fort heureusement de fulgurances presque inattendues. L'intrigue semble parfois se complaire dans une outrancière accumulation de propos tournant autour du sexe. Des actes qui nourrissent cependant le récit et fonctionnent comme une épidémie de désirs irrépressibles dont le patient zéro serait le docteur Dibs que la réalisatrice et les scénaristes Jean-Pol Fargeau et Geoff Cox décrivent comme porteuse d'un ''sexe en plastique''. Comprendre que cette femme hautement désirable n'aurait au fond d'humain que le désir de procréation par procuration. Décors et photographies participent de l'étrangeté et de l'inconfort du récit. Tout comme la partition musicale du musicien britannique Stuart A. Staples, chanteur du groupe Tindersticks. Autant prévenir celles et ceux qui voudraient que Claire Denis leur apporte une réponse s'agissant du phénomène des trous noir. La réalisatrice préfère cependant abandonner le spectateur à l'expectative lors d'un final laissant l'ultime question en suspens. Au delà de cette seule interrogation, High Life est une œuvre puissamment évocatrice, hypnotique et fulgurante. Sans doute l'une des meilleures propositions de science-fiction à la française pour une coproduction franco-germano-anglo-américano-polonaise...