The Lost Missile de William Berke et Lester William Berke (1958) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Réalisateur et scénariste américain ultra productif durant les années quarante et cinquante, William Berke a œuvré pour le grand et le petit écran, totalisant en vingt-quatre ans de carrière près d'une centaines d'épisodes de séries télévisées et de longs-métrages cinématographiques. Il termine sa carrière en 1958 avec quatre films dont The Lost Missile sera le seul à reposer sur son propre script écrit en collaboration avec John McPartland et Jerome Bixby. Nanti d'un très faible budget comme le démontrent notamment les effets-spéciaux relativement rudimentaires, une grande partie des images repose sur des Stocks-Shots de l'armée américaine. La volonté du réalisateur étant de témoigner de l'importance d'une collaboration scientifico-militaire lors d'une éventuelle attaque étrangère. Dans le cas de The Lost Missile, et sans doute pour ne pas froisser la susceptibilité des nations étrangères, le missile du titre, lequel va être rapidement renommé en OVNI pour des raisons qui paraîtront évidentes dues à des origines inconnues, ne semble appartenir à aucune des nations de notre planète. Comme peuvent en témoigner d'ailleurs sa vélocité dépassant les six-mille cinq-cent kilomètres heure ainsi que sa force de destruction massive. Pour ces raisons, The Lost Missile entre donc bien dans certains des critères qui appartiennent à la science-fiction. D'une certaine manière, le long-métrage de William Berke fait figure de vitrine afin de faire la démonstration des capacités militaires de l'armée américaine. Et si dans la plupart des séquences l'on assiste à la faillite d'une flotte aérienne pourtant lourdement armée, l'engin connu sous le nom de Jupiter semble faire directement référence au missile supersonique à basse altitude que développait à l'époque l'US Air Force. Principalement interprété par Robert Loggia, acteur charismatique bien connu des amateurs de cinéma et de programmes télévisés, The Lost Missile n'a en réalité pas vraiment de héros.

Et même si un début de caractérisation est bâti autour de ce personnage et de celle qu'il envisageait d'épouser avant que l'étrange missile n'apparaisse sur les radars du monde entier, le long-métrage est surtout constitué d'une série de séquences aériennes montrant les dégâts causés par l'OVNI quand d'autres montrent l'impuissance de l'armée à faire face au danger. Tourné en noir et blanc, il est important de noter que le propre fils de William Berke a repris les rennes de cette histoire mêlant guerre et science-fiction. En effet, celui-ci étant décédé l'année même de la réalisation de The Lost Missile, c'est son fils Lester William Berke qui a conduit le projet jusqu'à son terme. Une carrière qui débute seulement quatre ans auparavant en tant qu'assistant-réalisateur, il est bon de noter que son nom, bien qu'il n'ait pas été crédité au générique, est lié au chef-d’œuvre d'Alfred Hitchcock, Psychose et que sa carrière perdurera jusqu'en 1997, se terminant avec le septième téléfilm qu'il tournera pour la série 200 dollars plus les frais ou, The Rockford Files: Shoot-Out at the Golden Pagoda. Concernant The Lost Missile, il ne faudra pas se montrer trop difficile. D'une durée n'excédant pas les soixante-dix minutes, le projet est dans la moyenne basse de ce qu'était en mesure de proposer à son public avide de science-fiction, le cinéma américain. Les scènes de destruction massive sont filmées avec les moyens (extrêmement rudimentaires) du bord. Le tout est en effet assez laid, même si l'on parvient à faire abstraction de l'âge et des faibles moyens financiers du film. The Lost Missile demeure surtout une curiosité pour qui voudrait découvrir Robert Loggia au temps de sa jeunesse. Pour le reste, le long-métrage de William Berke/Lester William Berke demeure insignifiant...

 

Landscape with Invisible Hand de Cory Finley (2023) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Cory Finley peut remercier toutes celles et ceux qui avant lui ont conçu des œuvres de science-fiction dystopiques renvoyant généralement à des univers déshumanisés. En contrepartie, celles et ceux qui auront la chance de découvrir son dernier long-métrage intitulé Landscape with Invisible Hand pourront en retour le récompenser pour avoir su revigorer une thématique trop souvent employée pour demeurer innovante. Derrière ce titre mystérieux traduit chez nous sous celui de Paysage avec main invisible se cache effectivement une œuvre brillante inversant certaines valeurs propres au genre. Il ne s'agit donc plus d'évoquer un monde où les émotions doivent être abolies mais bien un univers où les exprimer demeure une question de survie. Ce que semblent avoir parfaitement compris les deux jeunes héros de ce récit prénommés Chloe (Kylie Rogers) et Adam Asante Blackk). Si la bande-annonce rend tout d'abord frileux, cette probable indifférence vient sans doute de la présence à l'image d'une race extraterrestre que l'on imagine mieux faire partie d'un film d'animation que d'un long-métrage réalisé avec d'authentiques interprètes. Si d'emblée l'apparence de ces créatures semble créer un fossé avec le sérieux du propos, les spectateurs seront très rapidement rassurés en réalisant qu'ils sont tout d'abord davantage évoqués que révélés à l'image. Alors que dans la plupart des dystopies de ce type les émotions sont annihilées, le fait est que dans Landscape with Invisible Hand, l'absence totale d'émotion chez ces extraterrestres connus sous le nom de Vuvv ainsi que leur méthode de reproduction asexuée est une mine d'or sur laquelle vont se projeter Chloe et Adam afin de subvenir aux besoins de leurs familles respectives. Deux familles qui vivent sous le même toit, la première ayant été accueillie par la seconde. Landscape with Invisible Hand reprend le concept de Elysium de Neil Blomkamp dans lequel les riches vivent au dessus de nos têtes dans des stations spatiales qui leurs sont strictement réservées tandis que le reste de la population survit à la surface de notre planète. Dans un cas comme dans l'autre, l'un des parents est absent. Si les Marsh sont tout d'abord généreusement accueillis dans la cave des Campbell, les problèmes de cohabitation vont très rapidement faire surface. Contrariant ainsi l'idée suscitée par nos deux adolescents de créer un podcast traitant des sentiments amoureux à l'attention des Vuvv...

De quoi enrichir le quotidien de nos deux familles puisque plus le nombre de Vuvv croît parmi les abonnés et plus Chloe et Adam accumulent de l'argent. Mais l'on ne trompe pas une race dont l'intelligence est infiniment supérieure à celle des humains. Car alors que de réels sentiments naissent au départ entre les deux adolescents, les disputent répétées entre leurs parents respectifs vont abîmer leur amour l'un pour l'autre. Chloe et Adam vont ainsi faire croire qu'ils s'aiment toujours jusqu'à ce que le parent d'un Vuvv réalise qu'ils font semblant... Tout d'abord, nous passerons sur l'apparence absolument ridicule des créatures extraterrestres qui semblent être tirées d'un banal film d'animation en images de synthèse. Ôtée leur étrange physionomie, Landscape with Invisible Hand fourmille d'idées originales beaucoup trop nombreuses à énumérer et qui à elles seules constituent le socle du récit. Si sur cette Terre futuriste (l'action se déroule dans les années 2030) cette vision de notre planète dont les règles sont désormais régies par des êtres venus d'ailleurs peut paraître relativement commune, il demeure des éléments qui constituent une véritable plus value qui renforce l'intérêt de l'histoire. Tout d'abord, l'invasion de notre planète par cette vision très enfantine d'une entité extraterrestre semble être moins traitée sous un angle coercitif que sous le concept de Soft power. Et pourtant, il est bien question ici de rééducation (de formatage culturel et intellectuel) et de mépris envers celles et ceux pour lesquels les Vuvv n'ont aucune espèce d'intérêt. Le réalisateur traite les ressources humaines sous un angle superfétatoire. Pour exemple, cet ancien neurochirurgien devenu chauffeur sur l'une des plate-formes aériennes qui gagne cinq fois son ancien salaire en est le parfait témoin. Sous ses allures de teen-movie, Landscape with Invisible Hand traite de sujets divers et variés qui nie à la monotonie un quelconque droit de présence à l'image. Parfois poétique et souvent étrange, le long-métrage de Cory Finley est passionnant de bout en bout. N'abusant pas des effets mais interrogeant ses protagonistes sur des questions sociales et existentielles, cette adaptation tirée du roman éponyme de MT Anderson est une réussite...

 

Sans soleil (2021) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Il existe sur le territoire français, des réalisateurs qui régulièrement s'essaient à la science-fiction post-apocalyptique depuis des décennies. Quitte à rabaisser le genre au niveau des œuvres transalpines signées dans le courant des années quatre-vingt par des réalisateurs italiens opportunistes. On pense bien évidemment tout d'abord au Terminus de Pierre-William Glenn dans lequel, en 1986 , Johnny Hallyday arborait une chevelure peroxydée dans ce sous-Mad Max cultissime MAIS nanardesque. Vingt-trois ans auparavant, Chris Marker s'était essayé avec La jetée à un exercice de style original sous forme de diaporama commenté par Jean Négroni. Une œuvre de vingt-huis minutes seulement, célébrée dans les cercles cinéphiles, qui inspira Terry Gilliam pour son superbe L'armée des douze singes en 1995. Luc Besson et Le dernier combat, Marc Caro et Jean-Pierre Jeunet et Delicatessen demeurent parmi ceux qui s'en sortirent plutôt bien. Beaucoup plus récemment, Cédric Ido, en signant La gravité, rendait hommage à l'esthétique très particulière des cités de la banlieue française ainsi qu'à leur faune. Et que penser de 2021, œuvre entièrement conçue et bricolée par le jeune Cyril Delachaux, tout en décors naturels, grosse sensation tournée il y a de cela cinq ans ? Bon, pour être tout à fait honnête, Sans soleil de Banu Akseki n'est pas une production purement française puisque sa réalisatrice est d'origine belge et que la plupart des interprètes le sont également. Tout juste croiseront nous durant un petit quart-d'heure l'actrice italienne Asia Argento. Nous parlerons donc d’œuvre francophone réalisée par une cinéaste talentueuse malgré une carrière qui ne compte pour le moment que deux courts, un moyen et un long-métrage. Sans soleil met tout d'abord en scène Asia Argento dans le rôle de Léa et Joe Decroisson dans celui de son film âgé de cinq ans, Joey. Deux être vivant en marge de la société qui survivent de petits larcins (la mère nourrit son fils directement aux étals des supermarchés). Un soir, tandis que Léa se drogue comme de nombreuses autres personnes afin d'atténuer le phénomène d'acouphène provoqué par de multiples éruptions solaires, son fils disparaît.

Le récit se place ensuite dix ans après. Joey a bien grandit et vit désormais au sein d'un couple aisé dont la femme, Emmanuelle (l'actrice Astrid Whettnall) est psychologue. Il étudie, est amoureux, mais se laisse distraire un soir par une inconnue qui porte le même blouson que sa mère disparue. Cette femme, qui elle aussi se drogue pour échapper aux douloureux symptômes qui comme nous le découvrons, n'ont pas cessé dix ans après la disparition de Léa, attire bien involontairement l'adolescent dans l'univers des laissés pour compte qui pour survivre, vivent sous terre dans des conditions déplorables. Attiré par cette femme qu'il ne connaît pas mais qui lui rappelle sa mère disparue, Joey va errer dans ce monde interlope. Nombre des spectateurs qui purent découvrir le premier long-métrage de la réalisatrice belge Banu Akseki semblent n'avoir pas apprécié Sans soleil et ce, pour plusieurs raisons. Pour son scénario qui, reconnaissons-le, est des plus sommaire, mais aussi et sans doute surtout pour son rythme lymphatique. Il faut reconnaître qu'en terme d'action, cette œuvre de science-fiction post-apocalyptico-catastrophique n'est pas d'une énergie débordante et que les errances de son principal protagoniste peuvent ennuyer à moyen ou long terme. Mais dès lors que l'on accepte le concept, Sans soleil s'avère une brillante réussite. Tout d'abord, le film bénéficie d'une très belle photographie nocturne qui couplée à la bande musicale de Wim Coryn génère un authentique sentiment anxiogène. L'apport de cette dernière est d'ailleurs très représentative des émotions qui traversent le récit puisque dès qu'elle disparaît, le cadre prend tout à coup une allure beaucoup plus ''rassurante''. Bénéficiant d'un budget et d'une écriture visiblement plus que réduits, la réalisatrice mise tout ou presque sur le visuel, l'acoustique et tout ce que cela génère d'émotions et de sensations. Il faut donc se laisser bercer par ce vagabondage en un temps dystopique relevant de faits plus ou moins authentiques puisqu'on le sait depuis longtemps, les éruptions solaires peuvent avoir notamment des effets sur les systèmes électriques et sur la santé mentale comme le démontrent certaines séquences. Sans soleil est donc une œuvre avant tout sensorielle et non sensationnelle ! Une très belle surprise qui laisse présager un futur prometteur pour sa réalisatrice Banu Akseki...

 

Broken Darkness de Christopher-Lee dos Santos (2017) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Le dernier long-métrage à ce jour du réalisateur sud-africain Christopher-Lee dos Santos se divise en trois partie. La première, qui est aussi la plus courte, envisage le passage de notre planète à travers la queue d'un corps céleste provoquant à sa surface une pluie de météorites aux conséquences cataclysmiques puisque la quasi totalité de l'humanité sera décimée. Cette séquence qui ne dépasse pas une poignée de minutes offre à Broken Darkness une mise en bouche plutôt intéressante. Visuellement l'on s'éloigne des grosses productions américaines et l'on opte pour une approche plutôt réaliste de la catastrophe. À tel point que la vision de ces dizaines, de ces centaines de météorites qui illuminent le ciel nocturne donnent un aperçu terrifiant des conséquences sans pour autant que le film n'use d'effets-spéciaux à outrance. Cette entrée en la matière permet d'introduire le personnage de Sam, incarné par l'acteur Sean Cameron Michael et protagoniste principal de ce récit basé sur un script écrit de la main même du réalisateur. Un individu peu loquace, comme la plupart des personnages qui évoluent d'ailleurs au sein de ce récit post-apocalyptique prenant comme principal terrain de jeu, un réseau de galeries souterraines et de stations où survivent quelques dizaines ou centaines d'individus chargés de maintenir le bon fonctionnement de cette ancienne centrale hydraulique permettant en outre (et huit ans après la catastrophe) de cultiver de la nourriture. Lorsque les employés de la station Kentucky perdent tout contact avec ceux de la station Winnipeg, le responsable informe à Sam qu'il va devoir se rendre sur place afin de découvrir pourquoi ce silence. Contraint par son ami Troy (Brandon Auret) d'accepter de le prendre avec lui, les deux hommes vont être de surcroît suivis par la jeune et inexpérimentée Rose (Suraya Rose Santos). Une fois arrivés à la station Winnipeg, ils vont tomber tous les trois sur un petit groupe de soldats armés qui vont les conduire là où ils sont censés se rendre. Cette seconde partie possède un petit goût d'Aliens de James Cameron que le spectateur retrouve à plusieurs occasions. Si le long-métrage de Christopher-Lee dos Santos repose sur un concept qui semble être tout droit sorti de son imagination, il demeure difficile d'imaginer qu'une partie du script m'ait pas été influencé par le classique de la science-fiction sorti plus de trente ans en arrière.

Filmé dans une obscurité presque totale, cette seconde partie possède quelques qualités plutôt attractives mais souffre aussi de défauts rédhibitoires. L'ambiance est lourde, chargée, étouffante et lugubre. Des décors sombres et un climat délétère permanent. Un contexte parfaitement irrespirable qui ne va pas s'arranger puisque en cours de route, nos protagonistes devront faire face à des créatures de type ''infectés''. Rien de bien original si ce n'est que ceux du réalisateur sud-africain semblent sortir tout droit d'un vieux Lucio Fulci (des corps décharnés recouverts de haillons) mais dotés, eux, d'une grande vélocité. De ce point de vue là, Broken Darkness prend des allures de nanar ! Lorsque se termine cette seconde partie, un peu plus d'une heure s'est écoulée et, faut-il le reconnaître, l'expérience fut en partie ennuyeuse en raison d'un rythme relativement soporifique. On l'imagine bien évidemment et pourtant : Lorsque la troisième partie débute et que la lumière éclatante du soleil vient enfin caresser le visage de Rose et de Sam qui viennent tout juste d'échapper au chaos qui s'est produit dans les sous-sols de la mine, l'intrigue est relancée. L'on découvre alors que les dangers, à l'extérieur, y sont démultipliés. Christopher-Lee dos Santos exploite les ressources mises à sa disposition. Des décors naturellement désaffectés. Gare de triage et vieilles usines abandonnées, la visite est rudimentaire mais permet de changer d'environnement. Si l'on pouvait douter un peu plus tôt des sources d'inspiration du réalisateur, cette fois-ci, le rapport entre certaines rencontres qui vont se dérouler lors de cette dernière partie et la série télévisée The Walking Dead est indiscutable. Broken Darkness brasse donc les genres, débutant comme une œuvre de science-fiction et de catastrophe en passant par le film post-apocalyptique et en se terminant en film d'horreur, cumulant décors de désolation, zombies/infectés et anthropophagie ! Bref, le long-métrage de Christopher-Lee dos Santos est ambitieux tout en étant peu inspiré tant il emprunte à d'autres la quasi totalité des thèmes qu'il aborde. Sympathique, sans plus...

 

La gravité de Cédric Ido (2023) - ★★★★★★★☆☆☆

 

La frontière qui sépare film catastrophe et film catastrophique est parfois bien mince. Alors, lorsqu'un réalisateur, de surcroît d'origine française, ose un tel brassage des genres, la méfiance est généralement prescrite. Concernant La gravité de Cédric Ido, l’œuvre penche plutôt du bon côté et surpasse même les espérances en traitant des trafiquants d'une cité de la banlieue parisienne et d'un alignement des planètes qui risque d'avoir de fortes répercussions climatiques sur notre planète. Le réalisateur parisien s'attaque à un sujet sinon délicat, du moins complexe à mettre en scène s'il ne veut pas tomber dans le ridicule. Imaginez donc : une œuvre de science-fiction matinée de drame social et d'action. Treize ans plus tôt, Yannick Dahan et Benjamin Rocher avaient quant à eux mis en scène des flics et des malfrats confrontés à des zombies dans La horde ! Preuve que le terrain de chasse des dealers peut-être également celui d'événements très particuliers comme celui qui semble hanter un groupe d'adolescents autoproclamés ''Ronins'' (ou samouraïs sans maître) depuis des années. C'est donc dans une cité que va se dérouler l'intrigue reposant sur un script écrit par Cédric Ido lui-même et en collaboration avec Jeanne Aptekman et Melisa Godet. La gravité figure une forme de ''Blaxploitation'' des temps modernes ET... à la française. Non pas que l'homme blanc y soit bannit puisque parmi les interprètes, le public reconnaîtra les acteurs Olivier Rosemberg et Thierry Godard, mais une grande majorité des participants au long-métrage ont la peau d'ébène. Quant aux deux seuls ''visages pâles'' du film, ils s'agit de chair plus ou moins fraîche (le premier incarne Jovic, un clochard qui survit uniquement grâce à sa mère tandis que le second est le coach de l'un des héros du récit). Ceux qui recherchent en priorité l'action devront patienter jusqu'au dernier quart du film car d'ici là, Cédric Ido se concentrera sur l'exploration d'une cité tandis que le public pourra admirer la superbe photographie de David Ungaro et l'architecture anxiogène des lieux.

Du béton, des immeubles, pas un brin d'herbe mais des jeunes, que des jeunes, pas un adulte ou presque pour veiller sur eux ou leur ordonner de rentrer lorsque la nuit est tombée. Une tour, ses caves, ses appartements et sa bande de jeunes aux cheveux teints en rouge, signe de ralliement d'un groupe de dealers pas tout à fait comme ceux qu'ont l'habitude de reléguer les médias. Les (anti-)héros du récit se prénomment Daniel, Joshua et Christophe. Les deux premiers sont frères et ont choisi de s'en sortir chacun à leur manière. Le troisième, lui, vient de sortir de prison et est bien décidé à reprendre le contrôle du marché de la drogue du quartier. Malheureusement pour lui, les choses ont depuis bien changées. Un synopsis somme toute relativement banal dont l'intérêt serait moindre si le réalisateur s'était désintéressé de tout ou partie des aspects techniques qui accompagnent son œuvre. Nous évoquions plus haut la photographie de David Ungaro, à laquelle nous pourrions également ajouter la bande originale des frères Evgueni et Sacha Galperine qui composent à cette occasion une partition sous tension. Une tension qui d'ailleurs ne cessera de grandir à mesure que le ciel s'assombrit et devient rouge, révélant ainsi les réelles intentions des ''Ronins''. Comparés à ce que produit le cinéma asiatique et notamment la Corée du Sud, les quelques combats qui interviennent vers la fin du long-métrage n'étonneront ni ne séduiront les fans d'action. Chorégraphie de moyenne facture, on pense parfois de très, très, très loin à Old Boy de Park Chan-Wook ou à The Raid de Gareth Evans mais sans le génie de l'un (le plan-séquence du tunnel) et la maîtrise des ''ballets au corps à corps'' du second. Si sur le papier le projet semble improbable, voire casse-gueule, le résultat à l'écran fait son petit effet. L'ambiance de fin du monde, les différentes confrontations, l'univers et ce final apocalyptique (démontrant malheureusement que les CGI ne sont pas le fort des techniciens en matière d'effets-spéciaux numériques) finissent de confirmer que l'on tient là une vraie bonne alternative au cinéma américain. Une œuvre très encourageante pour la suite...

 

À des millions de kilomètres de la Terre (20 Million Miles to Earth) de Nathan Juran (1957) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Avec son titre à rallonge, promesse d'un voyage aux confins de l'univers et ses différentes affiches où trônent une créature reptilienne, À des millions de kilomètres de la Terre (20 Million Miles to Earth) a tout l'air du nanar de science-fiction des années 50 comme la décennie pu en contenir un nombre invraisemblable. Et pourtant, le spectacle auquel nous convie ce long-métrage signé du spécialiste de la science-fiction Nathan Juran en 1957 démontre qu'il s'agit sans doute là de l'un des meilleurs films de sa génération. Tout débute à Gerra, petite commune du sud de la Sicile où de paisibles pécheurs ramènent à bord de leurs embarcations les poissons retenus dans leurs filets. C'est à ce moment très précis que s'écrase à proximité dans la mer Méditerranée, le XY-21, un modèle de fusée américaine de retour de la planète Vénus. Verrico (George Khoury) et Mondello (Don Orlando), deux valeureux pécheurs décident de s'en approcher afin de voir si des survivants demeurent à l'intérieur. C'est ainsi qu'ils sauvent la vie du colonel Calder (William Hopper) et du docteur Sharman (Arthur Space), lequel, malheureusement, ne survivra pas à l'étrange maladie qu'il contracta comme la majorité des membres de l'équipage du XY-21, et qui depuis ont perdu la vie. Pepe (Bart Braverman), le fils de l'un des deux pécheurs trouve échoué sur la plage un étrange cylindre renfermant une masse gélatineuse qu'il s'empresse de mettre à l'abri avant de l'échanger auprès du zoologiste Leonardo (Frank Puglia) contre deux-cent lires. En ouvrant le dit cylindre, le docteur Leonardo ne prend pas conscience des dangers qu'il va faire courir à sa nièce Marisa (Joan Taylor), étudiante en troisième année de médecine mais aussi à la population toute entière. En effet, ce qui ressemblait jusque là à une masse informe et inoffensive s'avère être un œuf qui va bientôt éclore pour donner naissance à un reptile d'apparence humanoïde qui au contact de l'air terrestre va se développer à vive allure jusqu'à prendre d'inquiétantes proportions. Réussissant à échapper à la vigilance du docteur Leonardo, heureusement, l'armée américaine s'empare de l'affaire et se met à traquer la créature... Voici donc comment se présentent les événements...

En soit, le scénario de Robert Creighton William et de Christopher Knopf sur la base d'un récit écrit par Charlott Knight n'a rien de véritablement original. Une créature débarque sur Terre, dévastant tout ou presque sur son passage, l'armée américaine s'en mêle et tout, en théorie, rentre dans l'ordre. Mais pour commencer, plutôt que de faire s'écraser la fusée sur le territoire américain, celle-ci vient s'enfoncer dans les eaux européennes de la Méditerranée. C'est donc dans le sud de la Sicile que se déroulent les événements en dehors de quelques plans signifiant la présence de gradés américains dans le quartier général du département de la Défense surtout connu sous le nom de Pentagone ! L'éternel affrontement entre scientifiques et militaire n'a ici pas lieu. Tout comme l'armée américaine est ici décrite de manière positive puisque ses représentants ne cherchent pas à détruire avant de réfléchir comme cela est la règle dans ce genre de productions mais au contraire à tenter de sauver la dite créature afin de permettre à la science de l'étudier et ainsi trouver un moyen d'améliorer les conditions des futurs explorateurs de la planète Vénus. Non seulement À des millions de kilomètres de la Terre propose une vue différente des autorités en présence, un cadre nettement plus ''romanesque'' (la Sicile), mais s'avère également doté de remarquables effets-spéciaux en Stop Motion réalisés par le maître en la matière, Ray Harryhausen. Les différentes animations de la créature, ses déplacements, son combat contre un éléphant ou plus rare encore, celui qui la verra s'affronter à un pauvre paysan dans sa grange sont absolument admirables. Peut-être parmi les meilleurs qu'ait produit l'artiste qui, en outre, est à l'origine du récit écrit par Charlott Knight. En effet, Ray Harryhausen est bien celui qui créa le concept de Giant Ymir même si ce nom n'apparaît pas à l'image puisque le spécialiste des effets-spéciaux craignait alors que soit confondu le nom de sa créature avec le mot arabe Emir ! Tourné en noir et blanc, le film fut colorisé en 2007 grâce encore une fois à l'impulsion de Ray Harryhausen qui déjà à l'époque du tournage voulait qu'il en soit ainsi. Mais le faible budget avait alors contraint le réalisateur de tourner À des millions de kilomètres de la Terre en noir et blanc. Le long-métrage de Nathan Juran, malgré ses soixante-six ans au compteur, reste l'un des meilleurs films de science-fiction toutes générations qui soient. Un indispensable donc pour tous les amateurs du genre...

 

Control de James Mark (2022) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Après trois long-métrages d'action et de science-fiction tournés entre 2017 et 2019, le réalisateur James Mark nous aura fait ''patienter'' trois années supplémentaires avant de revenir en 2023 avec son genre de prédilection. Avec Control, le voici donc rembarquant sa nouvelle héroïne dans une œuvre de science-fiction qui l'enferme d'emblée dans une pièce en tout point semblable à celles auxquelles les protagonistes de Cube de Vincenzo Natali tentaient d'échapper un quart de siècle plus tôt. Le film repose donc essentiellement sur les épaules de l'actrice Sara Mitich qui incarne une Eileen qui ne sait pour quelle raison elle se retrouve enfermée dans une pièce close constituée de murs insonorisés, d'une table, d'une chaise et d'un panneau dont la principale fonction et d’égrener le temps qu'il lui reste pour accomplir des tâches apparemment anodines. À défaut de quoi, sa fille Eve perdra la vie. Rejointe au bout d'une vingtaine de minutes par son époux Roger (l'acteur George Tchortov), l'un et l'autre n'auront de contact avec l'extérieur qu'à travers une voix leur ordonnant d'accomplir les tâches en question. Control repose donc sur ce principe mais sans le génie du long-métrage de Vincenso Natali qui en 1997 mit tout le monde d'accord. Dans le cas du dernier film de James Mark, le concept semble tourner autour des capacités métapsychiques de l'héroïne qui dans certaines conditions ne pourra atteindre l'objectif édicté par la voix qu'en usant e sa faculté de télékinésie dont elle semblait ignorer jusque là l'existence. Originaire du Canada, Control fait malheureusement partie de ces œuvres récentes qui tentent de manier elles aussi des sujets aussi ambitieux que celui-ci. À l'image du piteux survival de Brekley Brady Dark Nature, le long-métrage de James Mark ne nous raconte finalement pas grand chose et ne repose que sur des lignes de dialogues insipides et des mises en situation répétitives. Afin de briser le carcan qu'imposent les divers objectifs ordonnés par la mystérieuse voix, le réalisateur et scénariste (assisté à l'écriture par Matthew Nayman) confronte un couple qui tentera de régler ses compte et entrecoupera les phases d'expérimentation à l'aide de séquences tout aussi dispensables situées sur une plage et mettant en scène la mère et sa fille...

Un tel postulat exige une imagination des plus fertile et pas simplement une succession d'actes de télékinésie si tant est qu'ils progressent dans leur technicité. Au bout de trois quart-d'heure, soit environ un peu plus de la moitié que dure le long-métrage, les événements n'ayant pas vraiment évolué, on comprend assez rapidement qu'il ne faudra pas attendre grand chose de Control, lequel fait preuve d'un manque terrible d'inspiration. Au bout de quatre-vingt minutes nous est donnée l'explication de telles manœuvres. L'héroïne ayant acquis la certitude de pouvoir se servir de pouvoir jusque là enfouis en elle, la voilà s'échappant de la pièce puis de l'édifice qui jusque là la retenait prisonnière ? Pourquoi ? Pour réaliser que tout était lié au drame dont elle, son mari et leur fille Eve furent les acteurs. Au final, Control est bien moins original qu'il ne semble l'être. La répétitivité des actions et le peu d'intérêt que l'on portera à Eileen et Roger nuisent au film qui de plus, aurait mieux fait d'investir une multitude de décors plutôt que d'enfermer ses protagonistes dans une pièce unique. D'autant plus qu'à mesure que s'y déploient les capacités télé-kinésiques de son héroïne, le danger semble s'éloigner, la renforçant peu à peu. À dire vrai, Control est le résultat d'un beau gâchis qui malgré son apparente ambition se contente d'en faire le moins possible tout en espérant pouvoir faire reposer l'intrigue sur ses seules lignes de dialogue et des tests dont la redondance ne trompera personne. Et surtout pas les habitués des films s'inscrivant dans le sous-genre des Escape Game. Bref, inutile de perdre un temps précieux devant le long-métrage de James Mark dont l'unique intérêt aura été d'éveiller en nous de vieux et anxiogènes souvenirs. Ceux de l'excellent Cube, justement...

 

Supernova de Walter Hill (2000) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Lorsque démarre la projection de Supernova, il est tout d'abord légitime de se demander quelles raisons purent motiver une large partie du public et des critiques à saborder cette œuvre de science-fiction plutôt ambitieuse, au conséquent budget de quatre-vingt dix millions de dollars mais qui connut un sort peu enviable en devenant un échec cuisant en ne rapportant aux investisseurs qu'un peu plus de douze pourcents de la mise de départ. Autant dire qu'ils en furent pour leurs frais. À dire vrai, la première demi-heure est seule à constituer un droit de réserve aux commentaires qui affluent sur la toile ou dans les divers médias spécialisés dans le genre. Lesquels demeurent en théorie prioritairement capables de juger du bien fondé des critiques formulées à l'encontre d'une œuvre telle que ce long-métrage relativement court (quatre-vingt dix minutes). Réalisé en lieu et place de Geoffrey Wright et de Jack Sholder sur une idée de William Malone par Walter Hill, Supernova a l'allure d'un Alien nouvelle génération. Plus de vingt ans après la sortie du classique de l'épouvante et de la science-fiction signée de Ridley Scott, le long-métrage de Walter Hill convie ses personnages à une aventure spatiale non plus à bord du cargo spatial Nostromo mais du vaisseau de sauvetage d'urgences médicales Nightingale. Là encore, ses passagers répondent au SOS émis à partir d'une station basée à la surface d'une planète géante qui dès l'approche du Nightingale l'attire inexorablement en raison de sa puissante gravité. Alors que le docteur Kaela Evers (l'actrice Angela Bassett) s'attend à retrouver une vieille connaissance, c'est son fils qui débarque à bord alors que sa navette était en perdition. Coincés en orbite aux abords d'une étoile qui bientôt se transformera en supernova (d'où le titre), l'équipage formé autour de Nick Vanzant (James Spader), Yerzy Penalosa (Lou Diamond Phillips), Danika Lund (Robin Tunney) et Benjamin Sotomejor (Wilson Cruz) va en outre devoir composer avec l'arrivée du nouveau venu (Peter Facinelli dans le rôle de Karl Larson). Un personnage ambigu, immédiatement attiré par Danika, laquelle entretient une relation avec Yerzy avec lequel elle a, à l'origine, prévu d'avoir un enfant...

Passée la première demi-heure, on comprend assez rapidement ce qui rendit hostile une partie de celles et ceux qui purent découvrir le film lors de sa sortie dans les salles obscures. Car bien qu'étant doté d'effets-spéciaux et visuels plutôt séduisants conçus par une très importante équipe de techniciens ainsi que d'un scénario de base relativement riche et diversifié, le long-métrage et son scénario (écrit à quatre mains par William Malone et Daniel Chuba) sont malheureusement traités avec un certain dédain puisque dans tous ses aspects ou presque, Supernova tombe dans une impasse scénaristique flagrante. Pourtant, comment ne pas tomber sous le charme de ces promesses qu'évoquent l'exploration de la surface de la planète géante, la présence à bord du Nightingale du très soupçonnable Karl Larson ou de celle de cet étrange artefact qui semble avoir une emprise sur Yerzy Penalosa ? Des idées parmi d'autres, mises bout à bout sans réelle cohérence ni même la moindre cohésion. Un long-métrage incarné par des gravure de mode qui se complaisent (pour les hommes) à s'afficher le torse nu dans un cadre austère rendu presque systématiquement illisible en raison d'une photographie perpétuellement plongée dans une quasi obscurité et dans des teintes bleu-nuit constantes ! À employer des interprètes aux qualités physiques indéniables, il fallait bien s'attendre à ce que l'on ait droit à une sempiternelle scène de sexe qui dans le cas présent s'éternise et fasse figure de cache misère. Au final, Supernova, est un blockbuster qui assume mal son statut d’œuvre ambitieuse...

 

Titanic 3 de Jeff Leroy (2017) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Après l'immense succès Titanic de James Cameron en 1997 qui engrangea presque deux milliards de dollars de recette. Après Titanic 666 de Nick Lyon qui, heu, ben non, ne fut pas le six-cent soixante sixième volet d'une trop longue saga mais nous conviait tout de même à un voyage à bord du Titanic... 3 (Hein!), film bien trop pourri pour que j'ose d'ailleurs poser quelques lignes assassines à son encontre, voici aujourd'hui, Titanic 3... qui en réalité précède le second de cinq ans. Mais comme on s'en tape et que le premier ainsi que le deuxième n'ont rien de commun (si ce n'est le titre) avec ce dernier, quelle importance. Après que le personnage de Jack Dawson interprété par l'acteur Leonardo DiCaprio ait fini ses jours au rayon surgelés, le grand public imaginait mal comment une suite aurait pu être envisagée. LE GRAND PUBLIC, OUI ! Mais pas les petits malins qui parmi nous examinent à la loupe tout ce que le cinéma charrie de Mockbusters. Inutile de préciser que l’œuvre de James Cameron se devait d'être honorée par la présence plus ou moins régulière d'ersatz du plus mauvais goût (en cherchant bien, vous en dénicherez d'autres). En France, on n'a pas de morale. Surtout lorsqu'il s'agit de faire du pognon sur le nom d'un auteur ou d'une œuvre renommés. Ouais, parce qu'il faut savoir qu'avant de vouloir tromper le public hexagonal en lui faisant avaler la pilule selon laquelle Titanic 3 serait le troisième opus d'une saga initiée vers la fin du siècle dernier, le film est sorti sous divers titres qui ne laissent aucune place au doute : Voyez donc : Alien Reign, Alien vs College Girls, Predator Planet, Predator World ne sont qu'un seul et même long-métrage. De quoi opportunément racler les fonds de tiroirs. Ou plutôt ceux des cuvettes de toilettes où surnage cette épave cinématographique qui ne mérite guère mieux que le sort qui fut ''octroyé'' au plus célèbre paquebot de croisière de toute l'histoire maritime en cette nuit du 15 avril 1912 à 2 h 20 du matin ! Bon, pour revenir au film, son auteur est un certain Jeff Leroy. Un petit tour sur sa page IMDB nous renseigne sur le pedigree de ce bonhomme qui en vingt-cinq ans de carrière a pour l'instant donné naissance à autant de longs-métrages. Avec des titres aussi croustillants que Hell's Highway, Poorman's Bikini Beach ou bien Frankenstein et Dracula in Women's Prison. Autant dire, tout un programme ! Du raffiné, rien que du raffiné. On sent toute la subtilité de ses divers projets auquel ne semble donc pas déroger Titanic 3 !

Mais alors, Titanic 3, ça raconte quoi ? Ça commence par un générique affublé d'une typographie d'un autre temps et d'arrière-plans à peine dignes des images de synthèse de la série documentaire Les Mystères de l'Univers (excellente, au demeurant). Merde ! Voilà que s'affiche le titre en grand, comme généré aléatoirement à l'aide du logiciel CyberLink PowerDirector : Titanic 3 : la croisière de l'espace ! Et tout ceci accompagné par une pseudo flûte indienne (en fait, un synthétiseur). Ouais, parce qu'il est bien connu que la conquête de l'espace fut tout d'abord entreprise par le Pérou, la Bolivie, l’Équateur ou le Paraguay ! Teuh, teuh, teuh. Bon, passons... Voix-off. Un type au timbre monocorde se la joue Igor et Grichka Bogdanov du pauvre et annonce la couleur : ''Journal du capitaine Lewis McBride. Saint-Sylvestre, année 2139... La route du TITAN-1C qui effectue son prem....'' QUOI ??? Mdr, le foutage de gueule intégral ! Vous l'avez déjà compris depuis un moment mais le bonhomme l'annonce ici très clairement aux retardataires qui n'auraient pas encore compris le concept : exit les deux-cent soixante-neuf mètre de long du Titanic. Comme ses vingt-huit mètres de largeur ou ses cinquante-trois de hauteur. Exit les fameuses cheminées, ses sublimes escaliers intérieurs ou son architecture dans sa globalité ! Bienvenue à bord du TITAN ''UN'' C. Ici, tout est en toc.... à part les jolis boobs des deux blondasses de service que le réalisateur filme avec un insistance quasi... incommodante ! Après être entré en collision avec une météorite, les survivants du vaisseau échouent sur une planète hostile peuplée d'extraterrestres libidineux. C'est tout ce qu'il y a à savoir ou presque sur ce grand fourre-tout parfaitement indigeste qu'est Titanic 3. D'une pauvreté scénaristique et visuelle qui donne le tournis, le film est en outre réalisé et interprété avec une indifférence envers toute crédibilité et un manque de sérieux qui confinent à l'hystérie collective. Autant dire que supporter l’œuvre dans son ensemble sans ressentir l'envie de jeter son poste de télévision et son lecteur DVD par la fenêtre valide l'hypothèse de pouvoir ensuite supporter n'importe quel nanar ou série Z, qu'il (ou elle) soit de compétition ou non ! En dehors des simples valeurs artistiques et techniques qui dans le cas présent relèvent de la bouillie graphique et auditive, le plus gros défaut, celui qui empêche véritablement de se délecter de la chose est sa totale absence de sérieux. Ce premier degré qui donne le ton de pas mal de Nanars et qui ici, est remplacé par un humour totalement absurde et décomplexé qui finit par lasser, voire agacer à force de vouloir en faire toujours plus et donc... toujours trop. Plus qu'un Nanar, Titanic 3 mérite sa place parmi les cinq ou dix plus grosses séries Z. Pour public averti !

 

51 de Jason Connery (2011) - ★★☆☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Pour les néophytes, incultes et autres ignares, Oren Peli n'est rien moins que le réalisateur qui commis l'infâme Paranormal Activity en 2007. Oui, cette trace de merde étalée sur la toile immaculée du septième art et dans le piège duquel nombreux sont les amateurs d'épouvante et de fantastique à être tombés lors de sa sortie en salle. Opportuniste ? Escroc ? Sans doute un peu les deux mais surtout, oui, surtout, tâcheron avéré, confirmé par ce 51 dont la gestion s'est étalée sur une durée de six ans. Six longues années qui n'ont pas permis à Oren Peli de peaufiner la chose mais de confirmer tout le mal qu'il méritait que l'on pense de lui. Pire que de chopper la dysenterie ou la malaria à l'étranger, se farcir cette histoire se déroulant dans la fameuse zone 51 aux États-Unis est aussi plaisant que de marcher pieds nus sur des éclats de verre ou de dormir sous un pont un mois de décembre ! Sous couvert d'expérimentations liées à des technologies nouvelles et la visite de secteurs strictement réservés au personnel militaire, le long-métrage convie une poignée de journalistes parmi lesquels les quinquagénaires reconnaîtront l'acteur John Shea. Du côté de l'armée américaine, l'acteur Bruce Boxleitner (Les deux font la paire) débarque avec dans son sac, tout ce que personnifie de caricatural cette profession souvent malmenée en matière de science-fiction. Bref, il incarne un officier pas vraiment (voire, pas du tout) hospitalier. Bienvenue dans l'univers du DTV visuellement disgracieux, où le niveau d'acting des interprètes est drastiquement revu à la baisse. La bande musicale du compositeur Ian Honeyman est digne de trôner sur les étales des supermarchés mais certainement pas chez les bons disquaires. 51, c'est du sous-Alien comme il en existe des dizaines, voire des centaines. D'une laideur absolue, le film d'Oren Peli se situe dans un complexe scientifico-militaire sans âme. Des décors nus, une architecture basée sur une structure comparable à ces salles de conférences où les patrons des grandes entreprises réunissent leur employés lors des bilans mensuels. Bon, ensuite, on va pas parler de la créature durant des plombes ! Je vous laisse juger sur pièce...

Ce qui se voyait sans doute comme un authentique film d'horreur et de science-fiction comparable aux classiques de Ridley Scott et James Cameron n'est qu'une ignoble succession de séquences sans intérêt, ne déployant jamais une quelconque créativité. C'est à croire que le réalisateur américain s'est employé à marcher sur les traces des pires longs-métrages du genre plutôt que sur celles des classiques de la S-F. Ce qui fonctionnait par le passé dès lors que l'auteur usait d'un minimum d'application (La galaxie de la terreur de Bruce D. Clark ou Inseminoid de Norman J. Warren) ne marche ici absolument pas. La trouille s'étant arrêtée aux grilles qui séparent la zone 51 du désert qui l'entoure, inutile d'espérer ressentir le moindre frisson. C'est même très souvent l'inverse qui se produit. Lorsque Bruce Boxleitner la ramène avec son statut d'officier bas du front. Surtout en français, langue qui de part chez nous est souvent propice à transformer n'importe quel navet en nanar. Mais de son postulat de départ l'affligeant du sceau de bousin intergalactique,le long-métrage d'Oren Peli n'arrive malheureusement pas à grimper les quelques marches qui lui auraient au moins permis de satisfaire les amateurs de la seconde catégorie ! Bruce Boxleitner semble avoir pris de la bouteille AU SENS PROPRE ! Plutôt bien entretenu malgré les décennies qui le séparent des séries qui l'ont rendu célèbre (c'est bien connu, l'alcool conserve), les joues couperosées, ses possibilités d'interprétation ont ici malheureusement périclité ! Cette fois-ci, Oren Peli a l'honnêteté d'annoncer la couleur dès la première séquence. Une reporter filmée sur fond vert avec en arrière-plan le fameux grillage interdisant l'accès à la Zone 51....... HEIN !!! QUOI ??? On m'apprend dans l'oreillette qu'Oren Peli n'aurait rien à voir avec tout ça ! Effectivement, après étude de ce cas très sévère de purge cinématographique, l'objet en question serait l’œuvre d'un certain Jason Connery. Ce qui en soit, ne change pas grand chose au contenu de cet article puisque tout le reste est exact. Bon, allez, pour me faire pardonner cet erratum, je vous promets d'aller faire un tour du côté de Area 51 qui, pour le coup, est bien signé d'Oren Peli. J'en frissonne d'avance...

 

Simulant d'April Mullen (2023) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Nombre de longs-métrages de science-fiction mettent en scène androïdes, cyborgs, robots, automates et humanoïdes en tous genres. Des machines généralement conçues pour être mises au service de l'homme jusqu'à ce que l'une ou plusieurs d'entre elles se mettent à dérailler et se révolter contre leurs concepteurs. La plus illustre des franchises dans ce domaines reste sans doute Terminator dont les deux premiers volets réalisés par James Cameron demeurent de véritables classiques selon les amateurs de science-fiction dystopique. On citera également le Blade Runner de Ridley Scott et des choses un peu plus récentes comme le Ex Machina d'Alex Garland. Réalisés par une grande majorité d'hommes, il arrive pourtant parfois qu'une femme se penche sur le sujet comme très récemment avec le Simulant de la canadienne April Mullen qui loin d'être une amatrice a débuté sa carrière il y a une quinzaine d'années. Sans atteindre la tension ni les qualités narratives des classiques susmentionnés, son dernier long-métrage possède des atouts non négligeables qui rendront l'expérience relativement agréable. Rien de fondamentalement innovant cependant comme nous le verrons plus loin puisque le sujet ayant été maintes fois traité sur grand écran, on ne s'étonnera pas à ce qu'une certaine redondance apparaisse à travers la quasi totalité des sujets évoqués dans cette œuvre développée à partir d'un scénario écrit le scénariste par Ryan Christopher Churchill...

Simulant VS T-800 VS Réplicants

L'on observera très rapidement l'infime frontière qui sépare le sujet du film de ceux des œuvres invoquées un peu plus haut. D'emblée, les simulants du film, ces humanoïdes contraints par des règles qui les empêchent en outre de faire du mal aux êtres humains ou de commettre un acte contraire aux législations en vigueur à l'échelle locale ou internationale, apparaissent comme un alternative aux machines de guerre qui dans un futur proche entraient en conflit avec l'humanité dans les deux premiers volets de la saga Terminator. Sauf qu'ici, le concept est inversé et ressemble donc davantage à celui de Blade Runner dans lequel des réplicants de modèle Nexus-6 étaient pourchassés par l'ancien Blade Runner Rick Deckard afin de retrouver et éliminer plusieurs de ces modèles devenus depuis des fugitifs. Dans un cas comme dans l'autre, c'est l'idée d'humanisation des androïdes qui est remise en cause et non plus seulement l'annihilation de l'espèce humaine par des machines conçues pourtant par ses représentants comme cela était le cas chez James Cameron. Simulant ouvre d'intéressantes perspectives et peut s'envisager comme une préquelle non officielle des Terminator puisque ce besoin pour le personnage de Casey Rosen (l'acteur Simu Liu) d'humaniser les Simulant au point que la distinction entre eux et l'homme devient quasiment impossible et cela contrairement aux restrictions imposées par l'agence Nexxera, laquelle définie en outre certaines limites à ce sujet...

Homme-Dieu et Sextech

Si certains envisagent déjà d'entretenir des relations sexuelles non plus avec des êtres exclusivement faits de chair et de sang, d'autres se projettent également dans un monde pas si lointain de nous (une trentaine d'années environ) en estimant qu'une majorité des hommes et des femmes auront davantage de relations charnelles avec des machines qu'avec leurs semblables. Une conception de l'amour abordée dans le cas de Simulent dans lequel une femme vit auprès d'un androïde, parfaite réplique physique de son époux mort dans un accident de voiture et où un génie de l'informatique, Casey Rosen, entretient une relation sexuelle avec sa voisine, une machine dont il a ''boosté'' les performances cérébrales ! Doté d'effets-spéciaux discrets mais convaincants, le long-métrage d'April Mullen assène le récit de flash-back inintéressants et qui malheureusement ne participent jamais de l'intérêt pour ce couple dont la présence vient miner une partie de l'intérêt tournant autour de la traque de Casey Rosen. Le film tente d'apporter un discours moral sur l'emploi et donc l'exploitation d'individus parfaitement semblables aux êtres humains à travers le personnage incarné par Simu Liu, lequel choisit à ses risques et périls de leur offrir une totale autonomie. En charge de la bande musicale, le trio canadien Blitz//Berlin pompe parfois sans scrupule celle que composa l'américain Brad Fiedel pour Terminator et notamment lors d'une séquence de course-poursuite. Au final, Simulent est un sympathique film de science-fiction matinée d'action qui n'a malgré tout aucune chance de faire de l'ombre aux classiques du genre...

 

War of the Worlds – The Attack de Junaid Syed (2023) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

La guerre des mondes (ou The War of the Worlds en version originale) est à l'origine une œuvre de science-fiction écrite par le romancier britannique H. G. Wells publiée vers la toute fin du dix-neuvième siècle. Adaptée à de nombreuses reprises et sous différents médias (littérature, bande-dessinée, radio, jeux vidéos, etc...), elle fut notamment à l'origine de plusieurs longs-métrages dont le mythique film éponyme du réalisateur américain Byron Haskin de 1953. Plus de cinquante ans après, son compatriote Steven Spielberg réalise un remake. Puis ce sera au tour de Timothy Hines puis de David Michael Latt d'en proposer chacun une alternative. L'un pour le grand écran et le second pour la télévision. Deux œuvres qui sortiront conjointement à celle de Steven Spielberg en 2005 (les trois sortiront d'ailleurs au mois de juin de cette même année). D'autres s'empareront ensuite du sujet sous forme de séries, comme la médiocre version proposée par Craig Viveiros et Peter Harness en 2019 ou celle originaire de France, d'Angleterre et des États-Unis proposée la même année par Howard Overman. La spécialité de Junaid Syed est depuis une vingtaine d'années la supervision des effets-spéciaux dans une quarantaine de films et de séries télévisées dont War of the Worlds – The Attack qui est à ce jour la dernière adaptation du romancier britannique. Réalisateur, scénariste et producteur, Junaid Syed signe un long-métrage qui sous certains aspects se rapproche effectivement de l’œuvre littéraire et de quelques adaptations cinématographiques qui virent le jour depuis la publication du roman. À commencer par l'une des affiches qui présente les fameux tripodes, ces gigantesques créatures mécanisées découvertes notamment dans le film de Steven Spielberg en 2005, se déplaçant sur trois pattes et tirant des faisceaux capables de désintégrer tout ce que ces derniers atteignent. On se souviendra longtemps de la mémorable séquence lors de laquelle la population d'une petite ville américaine fut décimée, ''évaporée'', ne laissant derrière elle que poussière et lambeaux de tissus. Dans ce nouveau long-métrage, Junaid Syed met en scène trois jeunes individus. Se déplaçant exclusivement à vélo, Herbert, Hannah et Ogilvy parcourent une forêt à la recherche d'une météorite qui semble s'être écrasée non loin de leur position. Le premier d'entre eux évoque la possibilité d'une présence extraterrestre. Une éventualité que viendra corroborer la présence d'une foule et des autorités policières sur le site d'un crash dès le lendemain matin. Voici donc comment débutent les aventures de nos trois courageux adolescents incarnés par Sam Gittins, Lara Lemon et Alhali Fofana...

Lesquels vont devoir fuir une attaque sans précédent. Car très rapidement, la, et même, LES météorites qui les unes après les autres vont s'écraser sur notre planète renferment d'immenses machines qui une fois déployées détruisent tout sur leur passage. Devant la taille de telles ''créatures'', la logique voudrait que n'importe qui de censé prendrait ses jambes à son cou. L'une des premières séquences confrontant les représentants de l'humanité à ces machines de mort est très significative du contenu de War of the Worlds – The Attack. On reste coi devant l'improbable attitude des badauds qui plutôt que de fuir immédiatement dès l'apparition des tripodes préfèrent les contempler. Une séquence ayant pour conséquence le massacre d'hommes et de femmes un peu à la manière de la fameuse scène située dans le long-métrage de Steven Spielberg. À ce titre, même si visuellement l'on n'est moins troublés par cette séquence de totale annihilation de l'espèce humaine, les effets-spéciaux s'avèrent, sinon remarquables, du moins tout à fait satisfaisants. On pouvait effectivement craindre le pire mais dans le genre Mockbuster, de ce point de vue là, le long-métrage de Junaid Syed s'en sort avec les honneurs....... Parfois, du moins...... Mais pas toujours....... ! L'ampleur des événements est malheureusement assez mal retranscrite. Lorsque sont évoqués les ravages provoqués par l'invasion, ceux-ci le sont alors que nos trois héros traversent une ville certes abandonnée, mais dont les habitations n'ont fait l'objet d'aucune destruction de masse. Et puis, War of the Worlds – The Attack souffre parfois de ventres mous qui finissent par décourager le spectateur le plus attentif. Et ce, notamment lorsqu'ils croisent la route d'un prêtre illuminé dont les spectateurs devront supporter une longue et délirante litanie durant un quart-d'heure environ. Bien que le film de Junaid Syed ne soit pas d'une qualité artistique exceptionnelle, reconnaissons que parmi la flopée de longs-métrages sortis en salle, de DTV, de téléfilms et de séries télévisées à avoir vu le jour autour du sujet de l'invasion extraterrestre, celui-ci n'est pas le pire. Quant à savoir si l'humanité s'en sort à la fin, les fans de la première heure ne seront pas surpris d'y découvrir l'option choisie par le réalisateur...