War of the Worlds – The Attack de Junaid Syed (2023) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

La guerre des mondes (ou The War of the Worlds en version originale) est à l'origine une œuvre de science-fiction écrite par le romancier britannique H. G. Wells publiée vers la toute fin du dix-neuvième siècle. Adaptée à de nombreuses reprises et sous différents médias (littérature, bande-dessinée, radio, jeux vidéos, etc...), elle fut notamment à l'origine de plusieurs longs-métrages dont le mythique film éponyme du réalisateur américain Byron Haskin de 1953. Plus de cinquante ans après, son compatriote Steven Spielberg réalise un remake. Puis ce sera au tour de Timothy Hines puis de David Michael Latt d'en proposer chacun une alternative. L'un pour le grand écran et le second pour la télévision. Deux œuvres qui sortiront conjointement à celle de Steven Spielberg en 2005 (les trois sortiront d'ailleurs au mois de juin de cette même année). D'autres s'empareront ensuite du sujet sous forme de séries, comme la médiocre version proposée par Craig Viveiros et Peter Harness en 2019 ou celle originaire de France, d'Angleterre et des États-Unis proposée la même année par Howard Overman. La spécialité de Junaid Syed est depuis une vingtaine d'années la supervision des effets-spéciaux dans une quarantaine de films et de séries télévisées dont War of the Worlds – The Attack qui est à ce jour la dernière adaptation du romancier britannique. Réalisateur, scénariste et producteur, Junaid Syed signe un long-métrage qui sous certains aspects se rapproche effectivement de l’œuvre littéraire et de quelques adaptations cinématographiques qui virent le jour depuis la publication du roman. À commencer par l'une des affiches qui présente les fameux tripodes, ces gigantesques créatures mécanisées découvertes notamment dans le film de Steven Spielberg en 2005, se déplaçant sur trois pattes et tirant des faisceaux capables de désintégrer tout ce que ces derniers atteignent. On se souviendra longtemps de la mémorable séquence lors de laquelle la population d'une petite ville américaine fut décimée, ''évaporée'', ne laissant derrière elle que poussière et lambeaux de tissus. Dans ce nouveau long-métrage, Junaid Syed met en scène trois jeunes individus. Se déplaçant exclusivement à vélo, Herbert, Hannah et Ogilvy parcourent une forêt à la recherche d'une météorite qui semble s'être écrasée non loin de leur position. Le premier d'entre eux évoque la possibilité d'une présence extraterrestre. Une éventualité que viendra corroborer la présence d'une foule et des autorités policières sur le site d'un crash dès le lendemain matin. Voici donc comment débutent les aventures de nos trois courageux adolescents incarnés par Sam Gittins, Lara Lemon et Alhali Fofana...

Lesquels vont devoir fuir une attaque sans précédent. Car très rapidement, la, et même, LES météorites qui les unes après les autres vont s'écraser sur notre planète renferment d'immenses machines qui une fois déployées détruisent tout sur leur passage. Devant la taille de telles ''créatures'', la logique voudrait que n'importe qui de censé prendrait ses jambes à son cou. L'une des premières séquences confrontant les représentants de l'humanité à ces machines de mort est très significative du contenu de War of the Worlds – The Attack. On reste coi devant l'improbable attitude des badauds qui plutôt que de fuir immédiatement dès l'apparition des tripodes préfèrent les contempler. Une séquence ayant pour conséquence le massacre d'hommes et de femmes un peu à la manière de la fameuse scène située dans le long-métrage de Steven Spielberg. À ce titre, même si visuellement l'on n'est moins troublés par cette séquence de totale annihilation de l'espèce humaine, les effets-spéciaux s'avèrent, sinon remarquables, du moins tout à fait satisfaisants. On pouvait effectivement craindre le pire mais dans le genre Mockbuster, de ce point de vue là, le long-métrage de Junaid Syed s'en sort avec les honneurs....... Parfois, du moins...... Mais pas toujours....... ! L'ampleur des événements est malheureusement assez mal retranscrite. Lorsque sont évoqués les ravages provoqués par l'invasion, ceux-ci le sont alors que nos trois héros traversent une ville certes abandonnée, mais dont les habitations n'ont fait l'objet d'aucune destruction de masse. Et puis, War of the Worlds – The Attack souffre parfois de ventres mous qui finissent par décourager le spectateur le plus attentif. Et ce, notamment lorsqu'ils croisent la route d'un prêtre illuminé dont les spectateurs devront supporter une longue et délirante litanie durant un quart-d'heure environ. Bien que le film de Junaid Syed ne soit pas d'une qualité artistique exceptionnelle, reconnaissons que parmi la flopée de longs-métrages sortis en salle, de DTV, de téléfilms et de séries télévisées à avoir vu le jour autour du sujet de l'invasion extraterrestre, celui-ci n'est pas le pire. Quant à savoir si l'humanité s'en sort à la fin, les fans de la première heure ne seront pas surpris d'y découvrir l'option choisie par le réalisateur...

 

The Whispering Star (Hiso hiso boshi) de Sion Sono - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Pour le néophyte, le cinéma de Sion Sono peut paraître original, complexe, voire même quelque peu difficile à digérer. Ceux qui sont coutumiers du fait peuvent en revanche se poser des questions quant au renouvellement en matière de mise en scène puisque film après film, le réalisateur japonais emploie des techniques qui paraissent toujours s'inscrire dans une même procédure. Et puis, demeurent parfois quelques exceptions à la règle comme ce '' Hiso hiso boshi '' qui demeure encore à ce jour inédit sur le territoire français. Œuvre de science-fiction atypique, filmée en très grande partie en noir et blanc et avec aussi peu de dialogues que d'interprètes, '' Hiso hiso boshi '' peut-être considéré non pas simplement comme l'un des plus beaux longs-métrages de son auteur mais comme l'antithèse absolue de l'étonnant '' Antiporno '' qu'il réalisera en 2017, soit deux ans plus tard. Loin des obsédantes teintes de ce dernier et de l'habituelle noirceur qui entoure les récits et leurs personnages, '' The Whispering Star '' ('' Hiso hiso boshi '' à l'internationale) est d'une quiétude quasi monacale. On ose à peine prononcer le moindre mot devant ce gouffre immense et sidérant que représente l'univers qui se déploie devant nos yeux et davantage encore autour de cette navette en forme de demeure traditionnelle japonaise. C'est dans cet espace confiné que se déroule le plus gros de l'intrigue et dans lequel vit Yōko Suzuki (l'actrice Megumi Kagurazaka qui en outre est l'épouse de Sion Sono)... Malgré l'apparente absence d'intérêt que peuvent représenter les nombreuses séquences lors desquelles la jeune femme communique avec l'ordinateur de bord (lequel rappelle parfois lors de certaines interactions le HAL de '' 2001, l'odyssée de l'espace '' de Stanley Kubrick), la monotonie qu'elles évoquent transcende les quelques passages situés sur des planètes hostiles que Sion Sono a tournées sur le site de Fukushima où eut lieu un terrible accident nucléaire le 11 mars 2011...

 

Livreuse intergalactique de colis, Yōko finit par se poser des questions quant à leur contenu. Et c'est bien là que '' Hiso hiso boshi '' prend tout son sens. Car malgré des contenus qui apparaîtront d'une absurdité et d'une inutilité crasse, l'on découvrira plus loin que leur fonction possède un but bien précis. Tout comme l'héroïne qui ne sera plus simplement vue comme une livreuse mais viens comme une messagère. Visuellement, '' Hiso hiso boshi '' est époustouflant. Le choix du noir et blanc n'est sans doute pas anodin et renforce le côté pictural de l'œuvre. On pense bien évidemment tout d'abord à David Lynch lorsque celui-ci réalisa son premier film (et premier chef-d'œuvre) '' Eraserhaed ''. Les planètes vues du hublot semblent être faites d'un amalgame de métal et de papier-mâché tandis que l'univers est reproduit à l'aide de '' Matte-painting '' semblables À des estampes japonaises. Avare en terme d'ornementation musicale, '' Hiso hiso boshi '' est cependant parfois enrichi de fulgurances baroques absolument majestueuses. Et que dire de ce final tourné dans un long tunnel blanc formé autour de papier washi translucide bâti sur une trame en bois de bambou si ce n'est qu'il dit tout et met un terme définitif aux questions que l'on pouvait se poser jusque là... Sion Sono signe avec '' Hiso hiso boshi '' Un très beau et très profond long-métrage. Pas son meilleur mais mon Dieu, quelle claque...

Synchronic d'Aaron Moorhead et Justin Benson (2020) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Depuis quasiment leurs débuts, les réalisateurs Aaron Moorhead et Justin Benson travaillent en commun sur des projets scénaristiquement, artistiquement et dans leur accomplissement, relativement ambitieux. Grosse sensation en 2014, Spring évoquait l'étrange relation entre un jeune américain nouvellement installé en Italie et une femme très belle mais abritant un très lourd secret. Trois ans plus tard, les deux hommes confirmaient tout le bien que l'on pouvait penser d'eux avec The Endless et son étrange communauté qui ''refusait'' de vieillir. Alors qu'il nous tarde qu'en France sorte leur nouveau projet Something in the Dirt dont le sujet semble être aussi passionnant que pour leurs précédentes collaborations, Aaron Moorhead et Justin Benson ont entre temps et par la suite tourné divers épisodes pour les séries télévisées The Twilight Zone, Archive 81, Moon Knight et Loki. Il ont malheureusement aussi ''commis'' en 2019 le curieux Synchronic dont la thématique ne dépareille évidemment avec ce que les deux réalisateurs (et scénariste en ce qui concerne le second) ont l'habitude de proposer à leur public. Ici, le sujet de la drogue, dans une œuvre mâtinée de science-fiction. Rien de neuf me direz-vous puisque d'autres avant eux se sont lancés dans ce genre d'aventures psychotropico-anticipative (quoique en terme d'anticipation, on pourra trouver le concept ''légèrement'' improbable). Synchronic met en scène deux ambulanciers-urgentistes travaillant sur le sol de la Nouvelle-Orléans où une nouvelle drogue de synthèse connue sous le nom de Synchronic est récemment arrivée sur le marché et fait des ravages parmi la population. Steve Denube (l'acteur Anthony Mackie) vit seul et de rencontres sans lendemains. Atteint d'une tumeur du cerveau, il est collègue avec Dennis Dannelly (Jamies Dornan), marié à Tara et père de Brianna qui vient tout juste de fêter ses dix-huit ans. Lorsque celle-ci disparaît, Steve décide de la retrouver en employant un moyen hors du commun. En effet, ayant lui-même exploré les possibilités du Synchronic, il a découvert que la drogue permettait de voyager pour un cours moment dans le passé. Convaincu que Brianna en a consommé avant de disparaître, Steve multiplie les expériences afin de retrouver la trace de la jeune femme...

Le récit a beau évoquer Dieu, l'univers, Albert Einstein ou Stephen Hopkins, ça n'est pas ici que les amateurs de hard-science qui s'auto-évaluent comme de grands connaisseurs du sujet du voyage dans le temps prendront leur pied. À vrai dire, pour l'instant Synchronic est la proposition la plus faiblarde des deux réalisateurs qui semblent avoir ici perdu de leur inspiration. C'est d'autant plus dommage que le début était prometteur avec ce couple visiblement sous l'influence de la drogue, victimes d'hallucinations directement projetées devant nos yeux. Un délire visuel, court, mais presque intense, proche de la ''vision'' d'Alex Garland et de son décevant Annihilation sorti directement sur la plateforme Netflix un an auparavant. Et puis, plus rien, ou presque. De ces œuvres qui sur le papier dénotent l'ambition de leurs auteurs mais qui une fois mis en route, laissent peu de place à l'imagination et s'avèrent à l'inverse du synopsis, incroyablement fades. C'est donc le cas ici, où le récit se concentre quasiment exclusivement autour du personnage interprété par l'acteur afro-américain Anthony Mackie. Quelques courtes séquences laissant présager de ce qu'aurait pu être le long-métrage viennent confirmer que l'on est passés à côté de quelque chose de grand : Des situations d'urgence cauchemardesques, des visions du passé anxiogènes, de la S-F de haute volée, tout ceci n'étant finalement qu'un fétu de paille partant en fumée après seulement quinze minutes. Quelques visions nihilistes d’individus sous l'influence de la puissante drogue de synthèse ne suffisent pas à rendre intéressant ce récit qui de surcroît nous plonge à diverses époques d'un pauvreté visuelle étonnante chez nos deux réalisateurs. Auto-produit, écrit, réalisé, monté et photographié par l'un ou (et) l'autre des deux réalisateurs, Synchronic est une déception hautement dispensable. Concernant les voyages dans le temps,il sera plutôt conseiller de retourner voir du coté des classiques du genre. Au hasard, Time After Time de Nicholas Meyer, Retour vers le futur 1 & 2 de Robert Zemeckis, ou encore, le meilleur de ceux traitant des paradoxes temporels, Predestination des frères Michael et Peter Spierig...

 

Le dernier homme de Charles L. Bitsch (1969) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

La science-fiction post-apocalyptique est un sous-genre de la science-fiction à part entière qui a contaminé les littératures et cinémas du monde entier. La France n'a d'ailleurs pas été la dernière à se mettre à l’œuvre car contrairement aux apparences, il faut remonter assez loin dans le passé pour y trouver quelques exemples de métrages tombés dans l'oubli. Bien avant l'excellent 2021 que Cyril Delachaux bricola en 2020 avec ses propres moyens, avant le génial Delicatessen de Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro en 1991, Le dernier combat de Luc Besson en 1982 ou le Malevil de Christian de Chalonge l'année précédente, le réalisateur de seconde équipe français Charles L. Bitsch fut l'auteur d'un long-métrage méconnu intitulé Le dernier homme. Lui qui fut assistant-réalisateur sur les tournages de Le doulos de Jean-Pierre Melville, Landru de Claude Chabrol ou Le mépris et Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution de Jean-Luc Godard adaptait à l'écran à la toute fin des années soixante son propre scénario (rien à voir donc avec le roman éponyme de la romancière canadienne Margaret Atwood qui fut édité bien plus tard). Produit par Pierre Meurisse et sorti sur les écrans le 20 décembre 1970, Le dernier homme met en scène trois personnages qui par chance se retrouvèrent coincés sous terre alors qu'au dessus de leur tête une catastrophe se produisait. Non pas à cause de l'usage d'armes bactériologiques ou nucléaires mais dont l'origine semble avoir été chimique. Résultat, tout ce qui ne fut pas mis à l'abri au moment où survint le drame se retrouva condamné à une mort certaine. C'est ainsi que Jean-Claude, Catherine et Eva remontent à la surface pour découvrir que personne au village n'a survécu et qu'ils sont donc les uniques survivants. Même les animaux n'ont pas été épargnés. À l'image du cadavre d'un chien que découvrira d'ailleurs Jean-Claude lors de sa première visite au village. À ce propos, il est intéressant de noter qu'un chien semble avoir malheureusement fait les frais du tournage comme en témoigne le court-métrage Le cabot qu'à réalisé quelques années plus tard Jean-Pierre Letellier. inspiré d'une séquence du Dernier homme lors de laquelle un chien fut tué pour les besoins du film. Une mise à mort réelle que ne semble d'ailleurs pas avoir apprécié la censure de l'époque qui interdit toute projection du court-métrage. Il faudra patienter jusqu'en 2009 pour que soit visible au Centre Pompidou le 23 avril de cette année là Le cabot qui fut projeté lors d'un cycle consacré à la Sociologie de l'absurde...

Corinne Brill, qui interprète le rôle d'Eva n'a semble-t-il plus jamais participé au moindre tournage. Quant à Sofia Torkeli qui elle interprète celui de Catherine, elle n'a tourné que dans cinq projets durant toute sa carrière entre 1964 et 1974. Reste Jean-Claude Bouillon, célèbre interprète du personnage du commissaire Valentin dans la série de Victor Vicas entre 1974 et 1983, Les brigades du tigre. Décédé en 2017 à l'âge de soixante-quinze ans, l'acteur n'aura cessé de tourner durant sa carrière, jonglant entre cinéma, télévision et théâtre. Dans Le dernier homme , il incarne un Jean-Claude assez peu sympathique. Profitant de son statut de seul mâle à avoir survécu à l’apocalypse pour adopter un comportement misogyne qui transparaît lors de ses rapports avec les deux seules femmes qui vont désormais évoluer à ses côtés dans un contexte moribond détaillé de manière réaliste à travers un inventaire parfois saisissant : cadavres d'hommes et de femmes jonchant le pavé, visages gris et marqués par d'inquiétantes tâches d'origine inconnue, animaux morts, rats envahissant les rues, odeurs de cadavres insupportable, architectures délabrées dues à des inondations, si Le dernier homme fait figure de parent pauvre d'un genre qui en général propose des tableaux d'un monde en déliquescence particulièrement saisissants, l'impression de solitude est par contre plutôt bien retranscrite. Dans ce nouveau monde où le danger semble tout autant provenir des risques liés à la contamination que du comportement inquiétant du personnage masculin incarné par Jean-Claude Bouillon, le réalisateur parvient à maintenir une certaine tension malgré des moyens réduits. Le dernier homme demeure un bel exemple de science-fiction dystopico-apocalyptique à la française qui obtint L'astéroïde d'or au festival international de Trieste en 1969 et qui mériterait d'être redécouvert...

 

La conquête de l'espace (Conquest of Space) de Byron Haskin (1955) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Auteur de ce qui devint l'un des grands classiques de la science-fiction La guerre des mondes (The War of the Worlds) deux ans auparavant, le réalisateur et scénariste américain Byron Haskin se fit notamment l'un des spécialistes de la science-fiction puisqu'il renoua avec le genre à plusieurs reprises (From the Earth to the Moon en 1958, Robinson Crusoe on Mars en 1964 ou The Power quatre ans plus tard). En 1955, il revient avec un projet ambitieux avec, sans doute, la volonté d'écrire une nouvelle page dans l'histoire de la science-fiction typée ''Space Opera''. La conquête de l'espace (Conquest of Space) relate en effet le voyage vers la planète Mars d'une équipe réduite de sept hommes (dont un ''clandestin'') chargée d'être la première à se rendre sur la surface de la quatrième planète du système solaire. D'une durée n'excédant pas les quatre-vingt une minutes, le projet semble tout d'abord d'une certaine ampleur. Sans préciser de date formelle concernant l'époque où se situe l'action, une voix-off indique qu'une station spatiale en forme de roue est en orbite autour de la Terre à environ 1600 kilomètres de distance. À bord, de nombreux spationautes aux spécialités diverses...

On y croise en effet des médecins, des ingénieurs et autres techniciens chargés de maintenir en bon ordre le fonctionnement de celle-ci ainsi que la santé de ses passagers. Aux abords de la station spatiale se trouve l’Épervier, un vaisseau spatial à bord duquel une poignée d'hommes doit bientôt prendre place à destination de la Lune. Mais la mission change entre temps et le général Samuel T. Merritt (l'acteur Walter Brooke) ainsi que quatre hommes dont son fils, le capitaine Barney Merritt (Eric Fleming), vont être missionnés pour un voyage vers la planète Mars. Quatre-vingt une minutes, cela semble court pour un projet cinématographique d'une telle ambition. D'autant plus que contrairement aux promesses de découvrir une œuvre s'appuyant sur un certain réalisme, le spectateur aura la désagréable surprise de découvrir que le film manque très souvent de sérieux. À vrai dire, La conquête de l'espace hésite entre des séquences au premier degré et d'autres, beaucoup plus légères, notamment ruinées par l'interprétation de Phil Foster dans le rôle de Jackie Siegle, lequel incarne un personnage généralement insupportable. Pointant un certain humour dont l'efficience reste d'ailleurs encore à examiner, l'astronome en herbe constatera en outre certaines incohérences de taille qui ne demandent pourtant pas de connaissances particulières pour paraître absurdes. Notons par exemple l'arrivée d'une fusée aux abords de la station spatiale qui plutôt que de s'y raccorder afin de permettre à ses passagers de passer d'un engin à l'autre leur fait prendre le risque de se perdre dans l'espace en les projetant sans cordage, sans moyen de propulsion ou autre système de protection !

Et puis, il y a cette décision d'envoyer cet équipage à la surface de Mars prise seulement un jour plus tôt sans que son futur commandant et ses hommes ne soient prévenus à l'avance ! Mais ce qui mine davantage le récit au delà de ces quelques bévues scénaristiques est le temps que prend Byron Haskin pour envoyer ses interprètes à la surface de la planète rouge. Beaucoup de bavardages inutiles dont au moins l'un d'entre eux retiendra tout de même l'attention du spectateur. En effet, Imoto (l'acteur Benson Fong), seul passager d'origine japonaise expliquera les raisons pour lesquelles il accepte de participer à la mission martienne. Remontant au temps anciens d'un pays, le Japon en l'occurrence, dont les ressources menèrent son peuple à une existence passablement miséreuse. Les curieux de tous poils, après de courtes recherches, découvriront vite que certains termes évoqués (comme l'emploi des baguettes pour se nourrir) n'ont historiquement absolument rien à voir avec ses propos. La conquête de l'espace bat donc le froid et le chaud. Entre séquences crédibles et ton humoristique pas toujours justifié, le long-métrage de Byron Haskin est sinon une déception, du moins n'atteint-il pas les objectifs promis par son seul titre : celui d'un voyage aux confins du système solaire et de la visite de la célèbre Mars. À noter la présence de l'acteur Ross Martin dans le rôle d'Andre Fodor. Acteur qui fut mondialement rendu célèbre grâce à celui d'Artemus Gordon qu'il tint dans la série Les mystères de l'Ouest entre 1965 et 1969...

 

Earth VS Flying Saucers (Les soucoupes volantes attaquent) - ★★★★★★★★☆☆

 

 

Réalisé par Fred F. Sears, scénarisé par Bernard Gordon, George Worthing Yates et Curt Siodmak, principalement interprété par Hugh Marlowe, Joan Taylor, Donald Curtis et Morris Ankrum, Earth VS Flying Saucers (ou Les soucoupes volantes attaquent dans notre pays) est l'un des plus célèbres et l'un des meilleurs films de science-fiction des années cinquante. Une œuvre que l'on rangera aisément aux côtés de La guerre des mondes de Byron Haskin, de L'Invasion des profanateurs de sépultures de Don Siegel, de Le Jour où la Terre s'arrêta de Robert Wise ou de Planète interdite de Fred M. Wilcox pour ce qui concerne une certaine partie du genre. Dans ce long-métrage dans lequel une fois de plus l'homme n'en sortira pas forcément grandi, un couple (Joan Taylor et Hugh Marlowe dans les rôles respectifs de Carol et de son époux, le docteur Russel A. Marvin) sont témoins de l'approche d'une soucoupe volante alors qu'il reviennent tout juste de leur mariage. Témoignant auprès du Major-Général John Hanley (Morris Ankrum) qui n'est autre que le père de la jeune femme, Russell A. Marvin fait notamment part à ce dernier de son désarroi depuis que les dix satellites du projet Skyhook qu'il a envoyé en orbite autour de la planète ont tous été détruits...

Les deux hommes supposent très rapidement que les responsables sont probablement d'origine extraterrestre. Mais alors qu'une soucoupe volante atterrit sur le site où travaille Russell, l'armée s'attaque immédiatement à ses occupants, déclenchant ainsi une guerre entre les hommes et ces nouveaux envahisseurs... Mais alors, pourquoi les hommes n'en sortiront pas grandis ? Tout simplement parce que comme cela est généralement le cas dans ce type de film, l'espèce humaine va se charger de régler le problème non pas en usant de diplomatie mais en s'attaquant directement au nœud du problème. En effet, contrairement à ce que peut laisser supposer le titre du long-métrage et sa traduction en français, les extraterrestres de Earth VS Flying Saucers ne sont pas tout à fait hostiles. Du moins, pas au début. Mais la règle sur Terre demeurant ''Tirer avant de parler'', les héros du récit n'apprendront que plus tard la véritable raison de la présence de ces créatures venues d'un autre monde. Un sujet couramment employé dans le genre puisqu'une planète lointaine se mourant, ses habitants sont venus demander de l'aide aux terriens. Mal accueillis (ce qui se comprend tout d'abord vu qu'ils se sont rendus coupables de la destruction des satellites, croyant que ceux-ci étaient des armes dirigées vers eux), les événements vont contraindre les extraterrestres à attaquer le monde...

Car le film, s'il se situe en très grande partie sur le territoire américain, fait état d'une invasion à l'échelle mondiale. Ce qui octroie à Earth VS Flying Saucers quelques attaques perpétrées à travers la planète. Bien interprété et plutôt crédible dans son déroulement, le film de Fred F. Sears bénéficie surtout de remarquables effets-spéciaux dus au célèbre Ray Harryhausen qui avant d'être mondialement reconnu pour son travail de Stop Motion sur Le 7ème Voyage de Sinbad de Nathan Juran, Jason et les Argonautes de Don Chaffey ou encore Le choc des Titans de Desmond Davis faisait preuve ici d'une incroyable maîtrise dans le domaine des effets visuels effectués image par image. Qu'il s'agisse des soucoupes volantes elle-mêmes (dont l'apparence est typique de l'époque) ou des différentes interactions avec les édifices que leurs équipages détruisent avec minutie, le résultat est fantastique et demeure d'une étonnante fluidité pour l'époque. Bien que l'on pouvait craindre que Fred F. Sears ne nous épargne pas les sempiternels échanges amoureux entre ses deux principaux protagonistes, le réalisateur préfère principalement se concentrer sur le conflit entre l'armée, les scientifiques et leurs envahisseurs. Un classique de la science-fiction des années cinquante...

 

Les envahisseurs de la planète rouge (Invaders from Mars) de William Cameron Menzies (1953) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

En 1986, Tobe Hooper (Massacre à la tronçonneuse, Le crocodile de la mort, Lifeforce...) réalisa le film de science-fiction L'invasion vient de Mars. S'agissant du remake du long-métrage de William Cameron Menzies intitulé Les envahisseurs de la planète rouge, il n'y a guère que le titre original Invaders from Mars qui fut respecté. Tout comme dans la version sortie dans les années quatre-vingt, celle des années cinquante met en scène un jeune garçon (Jimmy Hunt dans le rôle de David McLean), une psychologue (Helena Carter dans le rôle du docteur Pat Blake), un astronome (Arthur Franz dans le rôle du docteur Stuart Kelston) ainsi que l'armée américaine. Une nuit, alors qu'il est quatre heures du matin, le jeune David explore le ciel à l'aide de son télescope lorsque apparaît soudainement une soucoupe volante qui atterrit non loin de la maison qu'il partage avec ses parents Mary et George MacLean ( les acteurs Hillary Brooke et Leif Erickson) avant de disparaître sous terre. Interloqué, le gamin réveille ses parents et tente de les convaincre de ce qu'il vient d'apercevoir. Le père de David s'approche quelques heures plus tard du lieu d'atterrissage théorique de la soucoupe volante lorsqu'il disparaît, ''avalé'' par le sable. Lorsqu'il réapparaît quelques instants plus tard à la maison, il semble avoir changé de comportement. Lui qui était si proche de son fils devient distant, agressif, voire violent. Très vite, David comprend que le changement d'humeur de son père est directement lié à la présence de la soucoupe volante...

C'est pourquoi il décide de se rendre en ville afin d'avertir les autorités. Malheureusement, son père ne semble pas avoir été le seul à être atteint du mal étrange qui semble avoir touché celui-ci. Heureusement, David va pouvoir compter sur l'aide d'une psychologue et d'un astronome... Doté d'une réputation peu flatteuse, Les envahisseurs de la planète rouge n'en est pas moins une assez bonne surprise dans le domaine de la science-fiction des années cinquante. D'autant plus que la décennie connaîtra une vague de longs-métrages dont beaucoup s'avéreront de médiocre qualité. L’œuvre de William Cameron Menzies (sa vingt et unième) bénéficie d'une bonne vélocité. On ne s'y ennuie pas même si l'on peut émettre quelques réserves concernant ses qualités visuelles. En effet, les décors ne faisant pas partie des principales qualités du long-métrage, le spectateur aura droit à quelques lieux dramatiquement vides, voire curieux. À commencer par la demeure des MacLean située aux abords d'un chemin entouré d'arbres morts ! Un drôle de paysage que n'aurait sans doute pas renié le Robert Wiene du Cabinet du docteur Caligari. Ensuite, l'on a droit à la visite d'un commissariat à l'allure plus que sommaire. Un long couloir, un guichet d'accueil et une cellule. L’observatoire demeure encore la pièce emblématique d'un film bénéficiant visiblement d'un budget restreint. Reste que Les envahisseurs de la planète rouge situe en grande majorité son intrigue sur le lieu d'enfouissement de la soucoupe volante ainsi que dans les cavernes où sont retranchés ses occupants...

À ce titre, si les ''mutants'' verdâtres du film sont quelque peu grotesques, recouverts d'une épaisse fourrure et se déplaçant comme des primates pratiquement indestructibles (les militaires auront beau les arroser de balles, ils se relèveront à chaque fois), à leur tête se trouve l'une des créatures extraterrestres les plus étonnante que l'on ait pu voir en science-fiction. Créature minuscule protégée sous un globe de verre, celle-ci n'est constituée que d'un torse surmonté d'une tête au crâne surdimensionné et doté de bras/mandibules. Muette, la créature en question communique avec les mutants (qui semblent être en fait ses esclaves) par la pensée. Les envahisseurs de la planète rouge tente de faire illusion à travers l'emploi répété de Stock-shots militaires qui cependant ne convainquent pas. Mal intégrées, ces images répétées sans cesse tentent de pallier l'absence de moyens financiers. À propos de répétition, les séquences situées dans les grottes s'avèrent elles aussi redondantes et ce qui apparaissait jusqu'à maintenant comme un film fauché mais sympathique et assez vif se transforme en une œuvre ennuyeuse. Bénéficiant d'un budget à hauteur de 290 000 dollars, le film de William Cameron Menzies demeure pourtant très regardable puisque relativement bien interprété. Et même si les décors ou les effets-spéciaux se montrent rachitiques, on prend tout de même du plaisir à découvrir cette histoire d'invasion extraterrestre naissante. À noter que la fin pourra décevoir une partie du public [ATTENTION SPOILER]. En effet, tout ce à quoi viennent d'assister les spectateurs et les personnages s'avérera n'être qu'un rêve. Celui du jeune David qui, par contre, assistera bien dans les tous derniers instants à l'atterrissage d'une soucoupe volante. Bien que la conclusion laisse envisager une suite, aucune séquelle ne fut mise en chantier...

 

Significant Other (Une obsession venue d'ailleurs) de Dan Berk et Robert Olsen (2022) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Significant Other (curieusement traduit chez nous sous le titre Une obsession venue d'ailleurs) est le dernier long-métrage réalisé par le binôme Dan Berk et Robert Olsen après le court-métrage Dispatch en 2014 et les formats longs Body, The Stakelander et Villains respectivement réalisés en 2015, 2016 et 2019. Voguant jusque là entre horreur, comédie, drame et thriller, ces deux là s'attaquent désormais à la science-fiction. Et force est de reconnaître qu'il y avait bien longtemps que l'on n'avait pas rencontré chose aussi étrange dans le domaine. Pourtant moins énigmatique que l'excellent Under the Skin que réalisa Jonathan Glazer en 2013 mais parfois tout aussi pesant et isolationniste que le troublant Honeymoon de Leigh Janiak en 2014, Significant Other (littéralement, Ma moitié) semble tout d'abord prendre sa source aux mêmes origines que les différentes variations sur le thème des voleurs de corps dont les premières traces remontent en 1955 avec le roman de Jack Finney originellement traduit chez nous sous le titre Graines d'épouvante. Un ouvrage maintes fois adapté sur grand écran puisque pas moins de cinq longs-métrages virent le jour entre 1956 et 2007 (Tout d'abord L'Invasion des profanateurs de sépultures de Don Siegel, L'Invasion des profanateurs de Philip Kaufman en 1978, Body Snatchers d'Abel Ferrara en 1993 et enfin Invasion d'Oliver Hirschbiegel et Invasion of the Pod People tout deux réalisés en 2007). Une thématique insinuant le remplacement de l'espèce humaine par une entité venue d'ailleurs qui fut reprise à d'autres occasions également. Tel The Faculty de Robert Rodriguez en 1998, le médiocre Rupture de Steven Shainberg en 2017, le Assimilate de John Murlowski deux ans plus tard et même le génial Invasion Los Angeles de John Carpenter qu'il ne faudrait surtout pas omettre. On le voit, les petits hommes gris (ou verts, c'est selon) qui aiment se soustraire à la présence de l'homme n'ont pas fini de faire parler d'eux. C'est donc encore une fois le cas avec Significant Other qui situe son action au beau milieu d'une forêt qu'ont décidé de parcourir, sac sur les épaules, le couple formé de Ruth (Maika Monroe) et Harry (Jake Lacy). Un couple amoureux. Lui veut faire sa déclaration entre deux énormes pins et au bord d'un précipice tandis qu'elle n'est pas très chaude. Une rencontre avec un phénomène dont le spectateur découvrira la source dès l'entame va bien évidemment tout remettre en question...

Effets-spéciaux discrets mais relativement efficaces, musique envoûtante (signée de Oliver Coates), caractérisation des principaux protagonistes inhabituelle, interprétation parfois approximative, mais mise en scène sobre et tangible font que tout se tient assez bien finalement. Après une première moitié qui ne tient que sur de faibles fondations en terme d'écriture, la suite promet quelques rebondissements dont une révélation contrecarrant complètement l'impression qu'avaient pu tout d'abord nous laisser l'un et l'autre des personnages. Réduit au strict minimum, le long-métrage de Dan Berk et Robert Olsen ne conviera qu'une toute petite poignée de seconds rôles et se concentrera avant tout sur son duo d'amoureux ''perdu'' dans une forêt on ne peut plus angoissante. Malgré l'apparente simplicité de la mise en scène et l'emploi abusif de Jump Scares qui tous se ressemblent (l'un après l'autre, Ruth et Harry sont surpris par l'arrivée soudaine de leur conjoint dans leur dos) et sont marqués par de maladroits déclenchements sonores, le spectateur sera peut-être surpris de découvrir quelques fondus enchaînés prouvant les réelles qualités en matière de recherche esthétique de la part des deux réalisateurs. Des séquences parfois bluffantes de beauté qui tranchent avec la monotonie de la mise en scène. Monotonie qui participe cependant au climat d'angoisse qui s'installe dès que la nuit tombe, laissant notre jeune couple face à cet inconnu que l'on sait malheureusement déjà venu d'ailleurs. Quelques plans gore viennent superficiellement épicer le récit qui n'avait cependant pas besoin de ces quelques étalages sanguinolents pour faire son petit effet. Si quelques passages paraissent au premier abord plutôt absurdes, ils trouvent en réalité leur justification lors des séquences qui vont leur succéder. Le budget du film étant visiblement limité, le film n'a pas l'ampleur des Grandes Œuvres de la science-fiction mais mérite tout de même l'intérêt des amateurs du genre. Une thématique abordée, au fond, de manière restreinte puisque Significant Other se transforme ensuite en un objet horrifique non dénué d'un certain humour. On regrettera malgré tout la dernière séquence située à bord d'une voiture, laquelle s'avère parfaitement inutile.... signe d'une éventuelle séquelle... ?

 

Moon 44 de Roland Emmerich (1990) - ★★★★☆☆☆☆☆☆

 

 

Moon 44 de Roland Emmerich s'inscrit dans un certain type de longs-métrages de science-fiction qui le condamne d'emblée à finir ses jours au rayon ''nanars''. Il s'agit du quatrième film du réalisateur allemand et de sa seconde incartade dans le domaine de la science-fiction six ans après Le principe de l'Arche de Noé en 1984. L'intrigue se déroule en 2038 alors que sur Terre la quasi-totalité des ressources naturelles sont épuisées. Moon 44 est le nom d'une Lune située dans une galaxie lointaine et divers groupes espèrent pouvoir mettre la main dessus. Parmi eux se trouve une corporation déjà basée sur place. Mais depuis quelques temps, les vaisseaux chargés de transporter de précieux minerais extraits sur place semblent régulièrement être détournés. C'est ainsi qu'un agent est envoyé sur place aux côtés d'une quantité non négligeable de prisonniers ayant accepté de le suivre dans une mission de sécurité. Afin de protéger le site, ceux-ci vont être formés au pilotage d'hélicoptères de défense et d'attaque surarmés auprès de jeunes techniciens. Malheureusement, rien ne va vraiment se dérouler comme prévu. Les tensions montent rapidement entre les prisonniers et les techniciens... Plongé dans dans une brume quasi-permanente (surtout lors des vols d'essais), Moon 44 est plus proche de la vague de nanars italiens qui virent le jour à la suite d'Alien, le huitième passager et de sa suite Aliens, le retour que de ces derniers. Nous sommes au tout début des années quatre-vingt dix et certaines technologies désormais courantes ne sont évidemment pas encore d'actualité à l'époque. Si les technologies employées dans le film pouvaient encore faire illusion en ce temps là, aujourd'hui l'on peut se demander comment en 2038, les écrans peuvent encore être à tubes cathodiques et les consoles munies de boutons aussi disgracieux. C'est tout là le paradoxe d'une œuvre de science-fiction barbare où l'évocation d'un futur incertain était bridé par des limites en terme d'effets-spéciaux numériques. Un concept qui n'a d'ailleurs pas sa place dans ce contexte puisque chaque visuel y fait appel au ''génie'' des créateurs d'effets-spéciaux en ''dur''...

Autre soucis rencontré par Moon 44 : certains de ses personnages eux-mêmes. Dans une grande majorité, et sans avoir à l'esprit de mettre forcément en avant de tout jeunes adultes façon ''jeunisme'', les personnages manquent de crédibilité. Si de nos jours il est de coutume sur grand écran que des ''gamins'' soient suffisamment intelligents pour prendre le contrôle d'un vaisseau, à l'époque le concept était déjà moins courant et donc difficilement compréhensible. Mais ce qui dépasse ici les bornes est sans doute dans l'emploi de prisonniers tous plus abrutis les uns que les autres et auxquels est pourtant confiée la délicate tâche de sécuriser un site d'extraction. D'où des séquences que l'on a plus souvent l'habitude de rencontrer dans les cellules ou les douches d'une prison qu'à bord d'un vaisseau spatial ! Si Brian Thompson (Cobra de George Cosmatos, Full Contact de Sheldon Lettich, ou la série X-Files dans laquelle il interpréta le rôle récurrent d'un extra-terrestre polymorphe) n'est pas le plus mauvais acteur que l'on ait pu croiser sur un écran de cinéma, sa seule trogne laisse moins envisager au spectateur qu'il assistera à une œuvre subtile et profonde que ce qu'elle est réellement : bourrine, testostéronée, aux dialogues primaires et à l'intrigue rudimentaire. Oui, le quatrième long-métrage de Roland Emmerich n'est rien de moins, rien de plus qu'un petit film de science-fiction au scénario ultra-basique (les personnages multiplient les essais à la surface d'une lune au visuel atroce et jouent de leurs muscles d'un côté et de leur matière grise de l'autre) et au jeu souvent outré. Malgré la présence de l'actrice Lisa Eichhorn dans le rôle de Terry Morgan, Moon 44 manque cruellement de charme et de féminité. Quant aux présences de Michael Paré dans le rôle principal de Felix Stone et de Malcom McDowell dans celui du major Lee, celles-ci ne relèvent malheureusement pas le niveau du film. Vite vu, vite oublié...

 

A Boy and his Dog (Apocalypse 2024) de L.Q. Jones (1975) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

''Ce futur si proche, vous le vivrez peut-être...''. C'est vrai qu'il est proche puisque comme l'annonce l'affiche française de A Boy and his Dog traduit sous le titre de Apocalypse 2024, la fin du monde devrait être pour dans deux ans. Par contre, il va falloir que les dirigeants de notre planète mettent les bouchées doubles puisque ça n'est pas une hypothétique troisième guerre mondiale qui a réduit notre planète à un immense désert mais une quatrième. Qui a duré seulement cinq jours. Alors que Poutine menace aujourd'hui l'Occident d'employer l'arme nucléaire, le monde dans lequel évolue Vic (héros de ce long-métrage incarné par l'acteur Don Johnson que le monde entier connaît sous les traits de l'inspecteur James Crockett dans la série Deux flics à Miami) n'est plus qu'une vaste plaine recouverte de sable où les pilleurs font la loi. Le film ressemble en cela énormément au classique de l'australien George Miller, Mad Max 2. à tel point que A Boy and his Dog s'ouvre sur l'attaque d'innocents dont est témoin Vic comme le fut avant lui le héros du classique de la science-fiction post-apocalyptique postérieur de huit années. On peut donc considérer que le long-métrage de L.Q. Jones est l'ancêtre de celui de l'australien, servant plus ou moins officiellement de source d'inspiration aux péripéties de Max Rockatansky ! Comme l'indique d'emblée le titre original, on retrouvait d'ailleurs déjà dans A Boy and his Dog un homme affublé d'un chien. Lequel est cete fois-ci semble-t-il doté de la parole. Un détail qui posera sans doute jusqu'à la fin des aventures de ce drôle de personnage qui parfois s'active sans prendre le temps de réfléchir, des questions. Et une, en particulier : doit-on comprendre que Blood (c'est son nom), doublé dans la version originale par Tim Mcintire, est réellement doté de la parole ou le chien n'agit-il ainsi qu'à travers la pensée de son maître ? Un peu comme le Tom Hanks de Seul au monde, œuvre de Robert Zemeckis dans laquelle le personnage de Chuck Noland créait un partenaire en la personne d'un ballon ? Quelques détails viennent corroborer le fait que Blood soit réellement affublé d'une voix puisqu'il semble notamment capable d'indiquer à Vic la présence de ''femelles'' dans les parages...

Qu'il s'agisse du titre original ou de sa traduction française, l'un comme l'autre, les titres reflètent assez bien le contenu du film. Même si l'on préférera le titre américain, lequel crée une certaine empathie pour ses deux principaux protagonistes. Et pourtant, le caractère du personnage campé par Don Johnson peut s'avérer parfois relativement agaçant. Agissant sans réfléchir et ne faisant de compromis que dans son seul intérêt, Vic est finalement assez peu attrayant. Contrairement au chien dont on louera l'interprétation. Sans doute le meilleur ''acteur'' d'un long-métrage adapté de l’œuvre littéraire éponyme d'Harlan Ellison publiée six ans avant la sortie en salle du film de L.Q. Jones. Un réalisateur dont on se souvient davantage du visage que du nom (un pseudonyme qu'il conservera après l'avoir porté dans Le Cri de la victoire de Raoul Walsh) puisqu'il interpréta nombre de personnages dans divers thrillers et westerns. Durant sa carrière de réalisateur, L.Q. Jones tournera A Boy and his Dog, donc, mais avant lui le western The Devil's Bedroom onze ans auparavant ainsi qu'un épisode de la série culte Hulk en 1980. Plongés dans un monde post-apocalyptique, Vic et Blood vont croiser la route de brigands, voleurs de nourriture et assassins sans morale. Si la mort rode dans ce monde en surface où les denrées se font rares, il existe cependant un ''monde d'en bas'' dont l'entrée est symbolisée par une porte noire accessible grâce à une carte. Un lieu où décide de se rendre Vic contre l'avis de Blood qui le prévient des dangers potentiels. Une menace qui à la surface semble tout d'abord prendre la forme de trois individus dont le réalisateur cache scrupuleusement l'apparence. Trois hommes dont ne découvrons que les jambes et qui vont utiliser Quilla June Holmes (l'actrice Susanne Benton) comme appât...

Car si la nourriture se fait rare, les femmes également, semble-t-il. Attiré par la beauté de la jeune femme, Vic va se rendre dans le monde d'en bas où il va être capturé par les membres du Comité dirigé par trois individus dont un certain Lou Craddock (Jason Robards) et une certaine Mez Smith (Helene Winston). Le monde d'en bas tranche avec celui de la surface. Coloré, ''vivant'', il n'en est pas moins cauchemardesque. C'est presque l'univers de l'écrivain Lewis Carroll et notamment celui d'Alice au pays des merveilles qui y est convoqué. Dans cet univers apparemment idyllique où sont célébrés des dizaine de mariages et où les festivités vont bon train, le Comité mène la vie dure aux rebelles qui tentent de renverser l'état d'hégémonie qui règne dans ce bas monde. Condamnant à mort ceux qui tentent de renverser les membres du Comité. A Boy and his Dog est une œuvre de science-fiction aussi étonnante que déroutante, située dans un univers féérico-cauchemardesque mais souffrant d'une réalisation et d'une écriture parfois brouillonnes. Ce qui n'empêche pas le long-métrage de s'avérer intéressant à comparer à la vague de films post-apocalyptiques qui naîtront par la suite. On y appréciera surtout les rapports entre le maître et son chien même si le premier manque sensiblement d'humanité (Blood semble en effet ne servir que de guide à son maître) et l'étrangeté de l'univers lié au monde d'en bas. Pour le reste, le scénario de Harlan Ellison et L.Q. Jones se montre un peu léger...

 

Planet Dune de Glenn Campbell et Tammy Klein (2022) - ★★★☆☆☆☆☆☆☆

 

 

Ça y est, je l'ai découverte, la seconde partie de l'adaptation cinématographique de Dune. Alors que sa sortie était à l'origine prévue pour 2023, celle-ci a débarqué plus tôt que prévu. Un an après que le réalisateur canadien Denis Villeneuve ait essuyé les plâtres de nombreuses critiques plus ou moins justifiées (certains se découvrant alors subitement un amour immodéré pour la piteuse version réalisée par David Lynch en 1984), celui-ci semble avoir choisi de jeter l'éponge puisque la suite que l'on s'attendait à voir apparaître sous le titre Dune : Partie 2 et qui finalement s'est révélée à nous sous celui de Planet Dune a été récemment produite par... The Asylum ! Et oui, comble de l'horreur, la production de cette suite n'étant donc plus assurée par Legendary Pictures (société de production notamment à l'origine de Batman Begins de Christopher Nolan, de Man of Steel de Zack Snyder ou de Crimson Peak de Guillermo del Toro), la responsabilité en incombe donc au distributeur américain généralement spécialisé dans la production de Mockbusters... et... je... commence... à comprendre... mon erreur ! Je me disais aussi qu'avec une affiche aussi laide reprenant le concept du Ver des sables dans une approche esthétique déplorable avait de quoi laisser dubitatif. S'explique alors également le titre : Planet Dune. Rien à voir avec un quelconque prolongement du long-métrage du réalisateur canadien sorti sur les écrans l'année passée. Un ou deux oufs de soulagement plus tard, on se rend bien vite compte que le film de Glenn Campbell et Tammy Klein ne s'inspire que de très loin du roman de Franck Herbert bien que derrière son concept de Mockbuster se cachent évidemment de serviles manipulations. Comme celle de conserver quelques aspects du roman ou du long-métrage de Denis Villeneuve pour faire croire aux innocentes et naïves victimes qui seraient tombées dans le panneau qu'il s'agit bien d'une œuvre directement rattachée à l'univers de l’Épice, de la maison Atréides, des Harkonnens ou des célèbres Vers des sables !

Visuellement, Planet Dune est évidemment très laid et l'on ne doute pas un seul instant que le film n'ait pas bénéficié des mêmes cent soixante-cinq millions que le long-métrage de Denis Villeneuve. S'agissant d'une production directement liée à The Asylum, les effets-spéciaux sont typiques de ceux que l'on retrouve chez ce distributeur. Des CGI bas de gamme rendant le tout superficiel. Ajouté à cela, quelques formidables incohérences : prenons par exemple les vers (victimes d'une perte de poids importante en comparaison du Dune de Denis Villeneuve) qui, si l'on prend en compte le fait qu'ils ne semblent pas être en mesure de quitter les sables (on en voit un buter contre un rocher), ne devraient par exemple pas être en mesure de pénétrer l'intérieur d'un vaisseau. Et pourtant... Le script met au centre de l'aventure le lieutenant Astrid, une astronaute qui lors du sauvetage d'un cosmonaute d'origine russe s'est attirée les foudres de ses supérieurs en désobéissant à leurs ordres (sachant que dans le futur, des accords ont été conclus afin qu'aucun état n'interfère avec un autre). Dégradée, sa supérieure directe (Sean Young dans le rôle de Chase) lui octroie par amitié une mission de sauvetage à bord d'un vieux vaisseau. Accompagnée par trois autres membres, Astrid va devoir poser l'engin et son équipage à la surface d'une planète désertique afin de sauver les survivants d'une base implantée sur place. Mais c'était sans compter sur la présence de vers des sables géants contre lesquels tous vont devoir tenter de survivre...

La profondeur de l'univers de Franck Herbert ayant ici fondu comme neige au soleil, on se retrouve avec un scénario écrit à quatre mains par Lauren Pritchard et Joe Roche parfaitement inintéressant. D'un classicisme repoussant les frontières de l'ennui, le film contient fort heureusement quelques séquences nanardesques du plus bel (et involontaire) effet ! L'un des sommets demeurant sans doute la séquence lors de laquelle deux représentants de sexe masculin situés dans une grotte tentent d'échapper à un vers. À elle seule, cette scène mérite l'attention des amateurs de nanars. Entre l'intégration de CGI totalement ratée et les deux acteurs tentant de nous faire croire qu'ils font usage de leurs forces afin de tirer une corde, la séquence pourrait bien devenir le nouvel emblème du Nanar ! Si seulement tout le film avait pu être de cet acabit. Mais du nanar jusqu'au navet il n'y a parfois qu'un tout petit pas à franchir. Un saut dans le néant que Planet Dune parvient malheureusement à franchir sans problèmes. Autant dire que perdre un peu moins d'une heure trente n'a aucun intérêt. Le film de Glenn Campbell et Tammy Klein n'aidera malheureusement pas les plus impatients à attendre jusqu'à la sortie de la seconde partie du diptyque consacré par le réalisateur canadien à l'univers de Dune...